Todas as sextas-feiras o repórter Geoff Edgers hospeda uma live do Washington Post transmitido pelo Instagram, a partir de Massachusetts. Ele já entrevistou a comediante Tiffany Haddish, a atriz Jamie Lee Curtis e o músico Elvis Costello.

Recentemente Edgers conversou com a cantora Dionne Warwick. Abaixo alguns trechos do bate-papo: 

Quando avisei que você viria a este programa, muitas pessoas disseram que você salvou o ano delas. Você sente isso? 

Não. Quero dizer, como eu o salvei? Acho que estão se referindo aos meus tuítes, e na Páscoa dei um show virtual, que foi maravilhoso, e farei outro no Dia das Mães. Mas se eles acham que disse coisas que levantaram seu espírito e foram inspiradoras, vou rir, que é o que adoro fazer, e agradecer a vocês.

Foi sua sobrinha que a ensinou a usar o Twitter?

Eu observava minhas sobrinhas e sobrinhos no Twitter dando risadas. Estavam se divertindo e eu quis saber o que era tão divertido. Brittani disse, “estamos tuitando”. Perguntei o que era aquilo. Então ela me fez ver e quando me mostrou o que se passava no mundo do Twitter não fiquei muito contente com as algumas coisas que vinham sendo ditas.

O que você não gostou?

A maneira como as crianças conversavam entre elas. Atacando uma a outra e se insultando. Se você vai conversar com alguém, converse com civilidade, e talvez a presença de um adulto nesse momento seja necessária. E aparentemente funcionou, você sabe, pois depois Jack (O CEO do Twittter Jack Dorsey) me telefonou.

O sujeito com barba?

Sim. Ele ligou e me disse, ‘Você é uma força tão positiva aqui porque se estivesse vendo o Twitter ultimamente veria que o tom mudou um pouco”. Acho que é porque tornei minha presença conhecida, fazendo perguntas primeiro e indo atrás das pessoas. E a alegria foi ver que havia risos por trás de tudo que eu tuitava. Queria respostas e as pessoas responderam sem problema. Então eu me tornei uma espécie de sociedade de admiração mútua, o que é maravilhoso, fazer amigos e ver que não têm nenhum problema em me perguntar coisas que são importantes para eles.

Você fez alguma coisa com sua voz agora que não fez há 30 ou 40 anos? Como é cantar aos 80 anos de idade?

Não, não faço nada especial. Nunca fiz. A única coisa a fazer para preservar sua voz é descansar, o que é muito difícil às vezes. Mas basicamente essa é a fórmula. No ano passado não cantei uma nota, nem na minha casa. E na Páscoa estava com muito medo pois não sabia o que sairia da minha boca. Afinal não cantava há um ano e você sabe, como qualquer músculo, é preciso exercitar. Mas Deus chegou e me ajudou.

Muitas pessoas fizeram covers das suas músicas. Você tem algum favorito?

A que eu mais admiro é a versão de Luther Vandross de A House is Not a Home. Provavelmente é o maior elogio que você recebe quando alguém regrava uma música que você cantou.

Aretha também regravou 'I Say a Little Prayer'. A sua gravação ficou em 4º lugar nas paradas e a dela em 10º, menos de um ano depois de você.

Tudo se resume no fato de as pessoas se identificarem com uma música e desejarem gravá-la. Elas se apaixonam pela música e querem interpretá-la. E Aretha fez um trabalho magnífico. 

Quando você começou a cantar era muito jovem, você foi monitorada, recebeu músicas para cantar. E temos muitos relatos de trágicas situações vividas por muitos artistas, de Elvis, a Little Richards ou Whitney Houston, e as pessoas que tiraram proveito deles. O que lhe deu a força para fazer o que acabou fazendo e não cair na mão de aproveitadores?

Tudo tem a ver com a maneira que você foi criado. Minha mãe e meu pai eram maravilhosos, me apoiando, amando e incentivando. Meu avô era pastor e passei muito tempo estudando o Mundo. Não tinha nenhuma razão para ser outra pessoa que não a que sou. Isso sempre me foi ensinado.

Penso em todas essas grandes cantoras que trabalharam para Phil Spector que não foram tratadas corretamente. Para você, Hal David e Burt Bacharach é que eram diferentes, parece.

Bem, éramos adultos e eles tinham certos valores que vinham da sua própria educação. E meu padrão de conduta é muito elevado. Portanto, você sabe, se não chegar ao meu nível, não vejo necessidade de estar ao seu lado.

Muitas vezes me perguntaram se, com tantas perdas Brasil afora, nós estaríamos experimentando um luto coletivo. Sempre achei que não: estamos sim, coletivamente em luto, mas é diferente. Luto coletivo não me parece ser quando muitos de nós lamentamos nossas mortes ao mesmo tempo e sim quando todos compartilham uma dor em comum.

Talvez seja isso que tenha ocorrido com a morte do Paulo Gustavo. Com sua simpatia, ele cativava o País inteiro, basta ver o sucesso absoluto de seus filmes. Sua morte aglutina, de alguma maneira, todas as outras, nos levando, agora sim, a um luto coletivo: todos juntos lamentando a mesma perda. 

Nosso cérebro primata nos impede de subjetivamente sentir o que objetivamente sabemos. Meio milhão de mortes não chega a nos comover – não temos sequer capacidade mental de processar o que isso significa. Mas a morte de uma pessoa, querida, próxima, essa sim é sentida como uma tragédia.

Paulo Gustavo, querido por todos, encarnou então, em sua última atuação pública, o sofrimento de um país inteiro. Despertou a empatia de quem estava anestesiado e trouxe materialidade à morte por covid que, para muitos, era ainda algo abstrato.

Não há fórmulas para lidar com o luto. Mas, além de lamentarmos sua partida, é importante que celebremos toda alegria que ele nos trouxe. É a melhor maneira de honrarmos sua história.

Somente na semana passada, 11 pessoas foram libertadas em Abadiânia, arredores do Distrito Federal, porque cortavam eucalipto em uma fazenda em troca de abrigo e comida, e seis trabalhadores que faziam cercamento de gado foram resgatados em Novo Progresso, no Pará, vivendo em barracões sem condições sanitárias. Esses não são os únicos casos recentes. Só no mês de abril, outros 22 foram salvos em Ituverava, no interior de São Paulo, e 12 em Minas Gerais.

No dia 13, completam-se 133 anos da Abolição da Escravatura no Brasil, mas ela ainda persiste, só que com contornos diferentes. E é esse o tema da série em cinco episódios Escravidão – Século 21, que estreia nesta terça, 4, às 21h, na HBO e HBO Go, abordando temas como Cultura da Escravidão, Escravidão Rural, Dinâmica da Escravidão, Escravidão Globalizada e Sexo e Escravidão.

Foi Luiz Carlos Barreto, o Barretão, veterano produtor de A Hora e a Vez de Augusto Matraga e Terra em Transe, entre outros clássicos do cinema nacional, quem sugeriu ao filho, o cineasta Bruno Barreto, a leitura de Pisando Fora da Própria Sombra: A Escravidão por Dívida no Brasil Contemporâneo, do padre Ricardo Rezende.

O pai achava que o filho poderia fazer um filme de ficção a partir da história de José Pereira Ferreira, um agricultor que foi forçado a trabalhar sem remuneração desde os 17 anos, no Pará. Ele fugiu e foi dado como morto depois de levar tiros dos funcionários da fazenda, mas conseguiu se recuperar e denunciar o dono da propriedade. Ferreira recebeu uma indenização do governo federal, que foi condenado de omissão pela Organização dos Estados Americanos (OEA). “Eu sou ficcionista”, disse Bruno Barreto, que divide a direção da série com Marcelo Santiago, em entrevista ao Estadão por videoconferência. Mas foi o mesmo Barretão quem sugeriu que, antes de um longa de ficção, ele fizesse uma série documental sobre os diversos tipos de trabalho escravo que existem em pleno 2021. 

Bruno Barreto teve certas dificuldades em lidar com o documentário. “Tenho problemas éticos. O documentário é uma farsa, porque finge que é a realidade, mas não é, porque você edita, enquadra. O espectador é levado a acreditar que é a realidade.” Por isso, decidiu que ia incluir encenações, como tinha visto na série The Jinx: The Life and Deaths of Robert Durst, coincidentemente também da HBO. “Minha intenção era que não ficasse chato ou didático. Queria que o espectador se envolvesse emocionalmente com essas histórias. Minha meta era emocionar sem manipular. E trata-se de uma linha muito tênue.” 

Impacto emocional. Marcelo Santiago contou com a ajuda do próprio padre Ricardo Rezende e do Ministério Público do Trabalho para escolher os personagens e convencê-los a participar da série. “A nossa maior dificuldade foi o impacto emocional”, explicou ele. Os depoimentos são difíceis de ouvir, e nota-se o trauma na voz de cada uma das vítimas. “A maioria acaba chorando, mas não é de maneira nenhuma autopiedade”, disse Bruno Barreto, emocionando-se. “É que, quando começam a contar, volta a dor. Eles choram por dor, não por piedade de si mesmo. São pessoas muito resilientes.” 

Para Barreto, o mais importante é justamente a condição humana e não a causa. “A causa tem de ser um subtexto. O que me interessa é a condição humana, os conflitos, os personagens.” José Pereira aparece no segundo episódio – e foi difícil encontrá-lo, pois ele vive escondido, com medo de represálias por ter denunciado seus antigos patrões. Mas Bruno Barreto ainda não desistiu de fazer uma ficção baseada em sua história. “É um roteiro pronto”, comenta o diretor. 

Além dos personagens, a série tem entrevistas de figuras como o ex-presidente Fernando Henrique Cardoso, o diplomata e ex-ministro das Relações Exteriores Celso Amorim e o jornalista Leonardo Sakamoto, que dão um panorama da situação no Brasil. 

Segundo o Radar da Subsecretaria de Inspeção do Trabalho da Secretaria Especial de Previdência e Trabalho do Ministério da Economia, 1.054 pessoas foram resgatadas de situações análogas à escravidão em 2019. Mas, no ano passado, houve uma redução de 40% na verba para o combate ao trabalho escravo. Para Bruno Barreto, a escravidão do século 21 pouco tem a ver com a do século 19. “Hoje, há escravidão no mundo inteiro. Não está resumida a um grupo ou etnia específica.”

Tom Zé, 84 anos, vibra como um garoto por sua nova criação: uma parede em seu apartamento no bairro de Perdizes, na zona oeste de São Paulo, na qual ele colocou cartazes de rua, folhas de jornais, recordações da infância e letras de música. Foram esses elementos que o ajudaram a criar a performance que ele apresentará na quarta-feira, 5 de maio, Dia da Língua Portuguesa, na exposição temporária de pré-abertura Língua Solta, do Museu da Língua Portuguesa.

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Por telefone, em chamada de voz, o artista tenta descrever a tal parede que, em tempos de pandemia, lhe permitiu ver o mundo. Pensa em ligar o vídeo. “Poxa, não vou saber fazer. Não sou bom nisso. Tem gente que se deu bem com essas coisas de modernidade. Eu não”, diz ele, um dos artistas desde sempre moderno, à reportagem. Neusa, sua mulher e fiel escudeira, está em outro cômodo da casa.

Porém, assim como faz em suas canções, Tom Zé se vale das palavras, sua matéria-prima, para explicá-la. Ou melhor, para contar toda a viagem que fez por lembranças, história, professores, conversas dos tios, livros e pensadores, estimulado pelo pedido dos curadores de Língua Solta, Moacir dos Anjos e Fabiana Moraes. “O convite me fez estudar. Você sabe que o ser humano esquece, de dez em dez anos, aquilo que aprende, né?”, diz.

A exposição é composta por um conjunto de objetos que fixam seus significados no uso das palavras na arte contemporânea e popular. Portanto, o público verá – a visitação presencial terá número limitado de participantes – peças como cartazes de rua, cordéis, brinquedos, revestimento de muros e estandartes de dança.

“O que me instigou foi essa retirada da hierarquia do que é clássico, ou a arte, e o popular. Isso cria um vento, ou melhor, um redemoinho no pensamento. Quando eles se juntam dessa maneira, ficamos imaginando nesse um passo para lá ou um passo para cá nessa história de a pessoa ser ou não ser um artista. Quando uma pessoa diz, ‘isso não é arte’, o que ela quer dizer?”, questiona-se Tom Zé.

Na infância, 'outra civilização'

Um dos pontos de partida do pensamento de Tom Zé foi o antropólogo francês Claude Lévi-Strauss (1908-2009), pensador da antropologia estrutural que desenvolveu estudos sobre sociedades não civilizadas, com base na linguagem. Dele, Tom Zé segue sua linha de raciocínio fervilhante até sua infância, nos anos 1940, em Irará, nos arredores de Feira de Santana, na Bahia.

Tom Zé diz que, à época, vivia-se outra civilização. “A nossa concepção do universo, antes de entrar na escola primária, não tinha Aristóteles. Quando fui estudar, aos oito anos de idade, analfabeto, senti uma diferença brutal naquilo que o professor dizia. Fiquei assombrado. Eu estava de costas para a civilização”, diz.

Dessa época, ele também se lembra das reuniões na sala da case do avô, quando a língua era a principal distração. A roda de conversa deixava o menino curioso, prestando atenção em tudo – e no modo – como era falado. Nove da noite, o mesmo horário no qual Tom Zé vai para a cama até hoje, era hora de criança dormir. “Eu não conseguia pegar no sono, estava excitadíssimo, tentando me lembrar de tudo o que havia sido dito para saber se eu tinha compreendido”, conta.

Essa paixão pela língua portuguesa aparece na canção Língua Brasileira, que Tom Zé fez para o disco Imprensa Cantada, de 2003, na qual é chamada de “babel das línguas” e “dama culta e bela.” “Sou uma pessoa que vive com a língua de manhã, de tarde e de noite. É o que me provoca. Trabalhei feito um leão nesses dias para decifrar essa exposição. Meu métier é a canção, então tive que estudar, ir atrás.”

Novas canções de Tom Zé

A pesquisa de Tom Zé para Língua Solta o inspirou para compor pelos menos três canções. Uma delas, que se confunde com o tema da exposição, ele fez para o Estadão, com o título de O Estado de São Paulo (veja a letra abaixo). Outra, com o título da mostra, brinca com o fato de a língua estar nua no museu – só de “touca”, como diz a letra. O artista não sabe se elas estarão na performance, que será pré-gravada. Para além dessas novidades, diz que pensa em novas canções para o musical de Felipe Hirsch e do coletivo Ultralíricos inspirado na canção Língua Brasileira, que estrearia em março de 2020, em São Paulo. Com a pandemia, a produção foi adiada.

Tom Zé só desconversa quando perguntado se já pensa em um novo disco – seus últimos lançamentos foram o álbum Sem Você Não A (2017) e o retrospectivo Raridades (2020). “Demoro para compor. Tem pessoas que chegam em casa às cinco horas da tarde, tomam um uísque e fazem uma música que dali a pouco vai estar na boca do povo. Sim, tenho feito (novas músicas). Só que, quando contamos antes da hora o que vai ser, a coisa perde um pouco a graça”.

'O ESTADO DE SÃO PAULO'

O Estadão

É um clarão de devoção

Coisa bendita do Doutor Mesquita

E a língua solta no museu

É jubileu

Uma pepita que palpita

Língua solta

Coisa louca

O popular, o erudito

Língua solta

Coisa louca

Meu pensamento é um grito

Os longas premiados na cerimônia do Oscar continuam em cartaz em São Paulo – “Nomadland” (melhor filme, direção para Chloé Zhao e atriz para Frances McDormand), “Meu Pai” (ator para Anthony Hopkins e roteiro adaptado), “Minari – Em Busca da Felicidade” (atriz coadjuvante para Yuh-Jung Youn), “Judas e o Messias Negro” (ator coadjuvante para Daniel Kaluuya e canção original) e “Druk – Mais uma Rodada” (produção internacional). Mas também começam a chegar outros tipos de filmes, como “Godzilla vs Kong”, em pré-estreia, e a comédia nacional “O Auto da Boa Mentira”.

PRÉ-ESTREIAS

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Godzilla vs Kong

Dir. Adam Wingard. Sequência tanto de “Godzilla 2: Rei dos Monstros” (2019) quanto de “Kong: Ilha da Caveira” (2017), coloca as duas criaturas num embate que ameaça a humanidade. No elenco estão Alexander Skarsgaard, Millie Bobby Brown e Bryan Tyree Henry, entre outros.

ESTREIAS

O Auto da Boa Mentira

Dir. José Eduardo Belmonte. A comédia é uma adaptação de contos de Ariano Suassuna, com quatro histórias estreladas por Leandro Hassum, Renato Góes, Chris Mason e Cacá Ottoni, tendo a mentira como protagonista. 

Nazinha, Olhai por Nós

Dir. Belisario Franca. Neste documentário, quatro detentos falam sobre seu passado, sua situação atual e planos para o futuro enquanto esperam pela saída temporária para festejar o Círio de Nazaré.

Sessão Vitrine – Especial 10 Anos

Oito produções brasileiras fazem parte da mostra, que pretende democratizar o acesso ao cinema nacional. As sessões são compostas por um curta e um longa:

• “Os Últimos Românticos do Mundo”, de Henrique Dias, uma distopia queer sobre o fim do mundo, e “A Torre”, de Sérgio Borges, sobre a crise de André (Enrique Diaz).
•  “Joãosinho da Goméa: O Rei do Candomblé”, de Janaína Oliveira ReFem e Rodrigo Dutra, em que o babalorixá conta sua própria história, e “Entre Nós, Um Segredo”, de Beatriz Seigner e Tourmani Kouyaté, sobre um malinês que volta a seu país a pedido do avô.
• “Looping”, de Maick Hannder, sobre uma paixão negra e LGBTQIA, e “Chão”, de Camila Freitas, sobre a ocupação de uma usina em processo de falência pelo Movimento
• “Em Reforma”, de Diana Coelho, sobre a reaproximação de uma mãe e sua filha e “Desvio”, de Arthur Lins, sobre a volta de Pedro (Daniel Porpino) para casa numa saída temporária da prisão.

Nos cinemas e também nas plataformas digitais Now, Oi Play e Vivo Play. Os curtas estarão na Cardume.

STREAMING

Retrato de uma Jovem em Chamas

Dir. Céline Sciamma. Vencedor estrangeiro do Festival Sesc Melhores Filmes, o longa se passa na França de 1770, quando Marianne é contratada para pintar o retrato de casamento de Héloïse, que não quer posar. No processo, as duas acabam estabelecendo uma relação profunda. Disponível a partir de sábado, às 20h, no Sesc Digital. 

Sem Remorso de Tom Clancy

Dir. Stefano Sollima. John Kelly (Michael B. Jordan), oficial de elite da Marinha americana, descobre uma conspiração para colocar os Estados Unidos contra a Rússia, ao buscar vingança pela morte de sua mulher. Com Jamie Bell e Jodie Turner-Smith. No Amazon Prime Video.

A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas

Dir. Michael Rianda. Animação produzida por Phil Lord e Christopher Miller (de “Uma Aventura Lego” e “Homem- Aranha no Aranhaverso”) sobre a última viagem em família dos Mitchell antes de a adolescente Katie ir para a universidade. O problema é que, no meio do caminho, acontece um motim dos robôs contra a humanidade. Na Netflix. 

Atlantis

Dir. Valentyn Vasyanovych. Num futuro próximo, um ex-soldado ucraniano sofrendo de estresse pós-traumático depois da guerra com a Rússia encontra um novo objetivo ao conhecer uma voluntária que tenta ajudar uma região completamente devastada pelo conflito. Na Reserva Imovision.

Irma Vep

Dir. Olivier Assayas. Maggie Cheung é uma atriz chinesa com dificuldades no set de uma refilmagem de “Os Vampiros” por um diretor francês (Jean-Pierre Léaud). O longa de 1996 participou da mostra Um Certo Olhar no Festival de Cannes. Na MUBI.

Cantando na Chuva

Dir. Gene Kelly e Stanley Donen. Um dos maiores clássicos do cinema musical, o filme é um bálsamo para dias difíceis ao mostrar as dificuldades de astros dos anos 1920 de se adaptar à chegada do som. Domingo (2), às 22h, no Telecine Cult, e na plataforma Telecine.

O jazz tem um dia especial desde 2011, quando o pianista Herbie Hancock, então embaixador da boa vontade da Unesco, sugeriu que a data fosse criada pela Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura. Foi uma ação para destacar o jazz e seu poder de unir as pessoas em todas as partes do mundo e fomentar a criação de uma agenda cultural que já chega a quase 200 países no mundo.

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Aqui no Brasil, uma das casas mais ligadas ao gênero, o Bourbon Street, que negocia com investidores para não ter de fechar suas portas por causa da crise que pode inviabilizar a reabertura de suas portas, sedia a transmissão ao vivo da 5ª edição online do Art & Jazz Festival da Jazz Mansion, a partir das 15h. O line up terá nomes do jazz independente do país, como as formações exclusivamente femininas da Funmilayo Afrobeat Orquestra e da Mjazz e um show do cantor, que não é de jazz, chamado Alex Albino.

A programação do Art & Jazz Festival da Jazz Mansion ficou assim:

Sexta-feira, 30 de abril

Horário dos shows: das 15h às 22h

Local: YouTube (https://www.youtube.com/channel/UCIiKCSa1VvAGWOoUJ9XSjJw) 

Horário da oficina: das 18h às 22h

Local: Zoom - link será enviado por e-mail aos inscritos

Atrações musicais: Alex Albino, M Jazz, Funmilayo Afrobeat Orquestra, Afrojam, Sweet Jazz, O Jazz Não Morde e Yuri Prado Mardi Grass Brazoocas.

15h - Abertura do evento

15h15 - Sweet Jazz

16h15 - O Jazz Não Morde

17h15 - Alex Albino

18h15 - Mjazz

19h15 - Funmilayo Afrobeat Orquestra

19h45 - Afrojam

21h - Yuri Prado Mardi Grass Brazoocas

22h - Término evento

Oficina de arte: Negritoo

Live Painting: Milenna Saraiva e Robson Eleut 

Apresentação: Luísa Viscardi, Luísa Caetano e Mana Bella

“Vou tomar meus ‘uisquezinhos’ – com parcimônia –, comer pizza caseira e bolo. Vai ser um festejo bom, dentro do possível e da tristeza que envolve o mundo no momento. Vou ficar quietinha, igual ao rei (Roberto Carlos, que também completou 80 anos) e à rainha Elizabeth. É a rainha, o rei e eu (risos)”, diz Nana Caymmi, sobre a comemoração das oito décadas de vida nesta quinta, 29.

A cantora, como deve ser, está em casa, em seu apartamento no Leblon, na zona sul do Rio de Janeiro. A única coisa que a chateia no momento é o fato de seu último álbum, Nana, Tom, Vinicius, lançado em julho do ano passado pelo Selo Sesc, ainda não ter saído em edição física. “Ficou só na internet. Estou arrasada”, lamenta. O disco marcaria seu retorno aos palcos, depois de quase cinco anos de afastamento.

  “É uma ideia meio amalucada da Nana. Eu pirei, óbvio. É um sonho para qualquer compositor ter um disco inteiro de suas canções na voz dela. Vai ficar lindo. Será ótimo para recuperar músicas nossas que ficaram perdidas no tempo”, diz Motta.

O produtor e compositor, inclusive, escreveu uma letra inédita para uma delas, que era só instrumental. Andréa, que fez parte trilha sonora da telenovela Véu de Noiva, exibida em 1969, gravada com vocalizes da cantora Joyce, virou Valsa de Verão. 

A balada Minha Doce Namorada que, na época, acompanhou o nome da novela homônima, agora, por insistência de Motta, chama-se Um Dia de Sol. “É uma ótima música que tinha um título ridículo. Só por ela já valerá o disco”, diz o compositor.

Parceria com Dori Caymmi

Nana teve Dori por perto por quase toda sua carreira. Em disco e em estúdio. Foi dele a ideia de dar a ela a canção Saveiros. Nana, que lançou seu primeiro disco solo em 1965, voltava da Venezuela depois do fim do casamento de cinco anos com o médico Gilberto Paoli. Nos braços, as filhas Stella e Denise. Na barriga, o caçula João Gilberto.

“Foi quando apostei em mim. Estava na lona. Meus pais eram contra a minha separação. Dori me deu o sapato para caminhar. Ou melhor, uma bota, que até hoje está comigo. Com ela, posso pisar em qualquer canto, na lama, no charco, que tenho firmeza”, diz Nana.

Esse terreno que Nana teve de botar os dois pés já estava cercado pela chamada MPB, invadido pelo bando da Jovem Guarda e, um pouco mais tarde, seria semeado com o Tropicalismo. Ela seguia em rota paralela, sem querer montar acampamento em nenhum deles. “Nunca prestei atenção na música dos outros. Nunca fui mulher de moda. Eu sou samba-canção. Uma cantora de música popular brasileira, nascida na cidade de São Sebastião do Rio de Janeiro”, diz.

O segundo disco veio apenas em 1973, por uma gravadora argentina, a Trova. O pianista João Donato e o guitarrista Hélio Delmiro estiveram à frente dos arranjos. Se havia uma trupe que Nana seguia, era a dos músicos, arranjadores e produtores de destaque nos anos 1970 e 1980. Tom Jobim, Toninho Horta, Novelli, Nelson Ângelo, Ivan Lins, Robertinho Silva, Luiz Alves e Ronaldo Bastos eram nomes constantes nas fichas técnicas de seus discos.

Em 1983, um encontro com o pianista Cesar Camargo Mariano produziu uma de suas obras-primas, o disco Voz e Suor. Apenas ela e os acordes tirados do piano pelo músico. O título veio da música de mesmo nome que abre o álbum e que tem assinatura de Sueli Costa e Abel Silva. “Estávamos eu, Nana e Tom na churrascaria Plataforma. Nana buscando um título para o disco e aí escolheu esse. Sempre foi uma honra ser gravada por ela”, conta Sueli.

Apesar do reconhecimento da crítica e dos músicos, Nana era considerada, até mesmo pelas gravadoras, como uma cantora de elite. Ela diz que logo percebeu que esse rótulo não lhe cabia quando, em 1977, ao participar do Projeto Seis e Meia, ao lado de Ivan Lins, viu o público que havia ficado do lado de fora do teatro quase quebrar as portas para tentar entrar. Foi preciso bisar a sessão naquele dia.

Trilha sonora na TV

As gravações de Nana também sempre foram escolhidas para trilhas de televisão. Se Queres Saber, de Peterpan, do disco de 1977, foi a abertura da minissérie Quem Ama Não Mata, de 1982. Anos antes, o registro havia impressionado Elis Regina, cantora que, nos anos 1960, segundo Nana, a vetou do seu programa O Fino da Bossa. Ao ouvir a canção no rádio, Elis disse, segundo relato do jornalista Eustaquio Trindade Neto: “eu adoro a voz dessa mulher”.

Foi justamente uma canção na TV que deu a Nana seu primeiro e único disco de ouro (150 mil cópias vendidas), em 1998. A canção Resposta ao Tempo, parceria do pianista Cristóvão Bastos e de Aldir Blanc, escolhida para ser tema de abertura da minissérie Hilda Furacão, escrita por

Glória Perez.  

“Eu mostrei a melodia para a Nana e ela gostou muito. Quando a letra do Aldir chegou, todos ficaram emocionados no estúdio. Nos shows, eu tocava a introdução e parecia apresentação de música pop. Era aquele alvoroço na plateia”, conta Bastos.

A versão de Nana para a história é mais dramática. “Foi tirada a sangue. Eu estava com o disco para fechar e a letra não chegava. Um dia, liguei para o Aldir, que não atendia telefone nem à tapa e deixei um recado pedindo por favor que ele fizesse a letra. Dei um daqueles meus ataques. Quem me conhece, sabe”, conta, aos risos.

O produtor de Resposta ao Tempo é José Milton, que está à frente dos discos da cantora desde 1994, quando ele lhe ofereceu o projeto A Noite do Meu Bem – As Canções de Dolores Duran. De lá para cá, produziu 13 álbuns de Nana, incluindo Sangre de Mi Alma, só com boleros cantados em espanhol, e Para Caymmi – De Nana, Dori e Danilo, que levou o Grammy Latino de 2004. “Nana sabe o que quer. Ela entra no estúdio com o copo de água dela, senta, e faz, no máximo, dois ou três takes de cada música. É amiga de todos os músicos”, conta o produtor.

Modesta, Nana diz não saber se sua vida dá um livro. Conta que sua filha Stella, que escreveu a biografia do avô, Dorival Caymmi: o Mar e o Tempo, por enquanto, não se interessou em contar sua história. De álbuns, além do que trará as parcerias de Dori e Nelson Motta, diz que gostaria de fazer um com canções que nunca gravou de Milton Nascimento, Beto Guedes, Tom Jobim, Sueli Costa e Danilo, o irmão mais novo. “Se eu não gravei, é inédita para mim”, diz.

Nana sabe que, nesses mais de 60 anos de carreira – se for considerada a sua primeira gravação, Acalanto, ao lado do pai, Dorival –, a música, alheia a qualquer projeto, segue seus próprios caminhos. “Ela acontece, assim como o amor. É como uma nascente, ela corre. Para quem consegue molhar o rosto nessa água límpida, como eu faço quando estou gravando, é um delírio”, diz. 

DEZ CANÇÕES DE NANA

Ponta de Areia (1975)

O clássico de Milton Nascimento e Fernando Brant fala de Minas Gerais e Bahia, o ponto de encontro dos ascendentes de Nana. Bituca faz participação especial nos vocais, fazendo um contracanto para a voz da cantora.

Milagre (1977)

O samba foi um presente de Dorival Caymmi para a filha, que canta com Nana na faixa. Os arranjos ficaram a cargo de Dori e o piano é tocado por João Donato. Um verdadeiro encontro de craques.

Contrato de Separação (1979)

Uma das músicas mais contundentes da parceria de Dominguinhos e Anastácia foi entregue para Nana lançar. O próprio músico tocou acordeão na gravação.

Sentinela (1980)

Gravação fora da discografia de Nana, a canção está no disco homônimo de Milton Nascimento. Assinada em parceria com Fernando Brant, a música, um cântico de resistência à ditadura, foi gravada em uma capela do Rio de Janeiro e teve a participação de um coro de monges beneditinos.

Mas Quem Disse Que Eu Te Esqueço (1981) 

Nome mais ligado ao samba canção, ela caiu – muito bem – no samba de Dona Ivone Lara e Hermínio Bello de Carvalho. No piano, mais uma vez, o amigo João Donato.

Derradeira Primavera (1985)

A canção de Tom Jobim e Vinicius de Moraes contou com arranjo e regência de orquestra do compositor francês Michel Legrand. A faixa está no disco Chora Brasileira, um dos mais cults da discografia de Nana.

Por Causa de Você (1994)

Emocionante encontro do piano de Tom Jobim com a voz de Nana. Apenas os dois nesta faixa que o maestro compôs com Dolores Duran. Nana e Tom foram amigos na música e nos passeios matinais pelo Leblon.

Doralinda (1998)

A música de João Donato e Cazuza faz parte do álbum Resposta ao Tempo, o mais sucedido de sua carreira, e conta com a participação do cantor Emílio Santiago, a quem Nana considerava um afilhado.

Festa de Rua (2002)

Em O Mar e o Tempo, álbum dedicado às canções do pai, Nana reuniu filhas, netas e sobrinhas no coro da faixa que abre o disco. O irmão mais novo, Danilo, toca flautas de madeira.

Contradições (2009)

Parceria de Cristóvão Bastos e Aldir Blanc, os mesmos de Resposta ao Tempo, é um dos grandes momentos o disco Sem Poupar Coração, quando a cantora voltou a gravar composições inéditas. Daquelas de emocionar os ouvintes, como Nana gosta.

A tela mais cara vendida no Brasil, A Caipirinha, de Tarsila do Amaral, não voltará às mãos de seu antigo proprietário, o empresário Salim Taufic Schahin, envolvido no escândalo da Lava Jato. Foi o que decidiu hoje (27)  3ª Turma do  Superior Tribunal de Justiça (STJ)  O quadro A Caipirinha foi penhorado e levado à leilão. A obra era alvo de uma disputa judicial entre Carlos Eduardo Schahin, filho do empresário, e os 12 bancos credores a quem seu pai deve mais de R$ 2 bilhões.

A venda da tela, pintada em 1923 por Tarsila, foi realizada em 7 de dezembro do ano passado, para ajudar a sanar essa dívida. No entanto, Carlos Eduardo justificou que pediu o embargo do leilão porque a obra foi vendida a ele pelo pai em 2012, por R$ 240 mil, com o que não concordaram os credores, questionando a legitimidade da operação. Esse também foi o entendimento do Tribunal de Justiça de São Paulo, o TJ-SP, ao julgar o caso em segunda instância. Hoje, o resultado foi reafirmado pelo STJ. A tela foi arrematada por R$ 57,5 milhões no leilão na Bolsa de Arte, em São Paulo.

Compreender a meditação e seus benefícios foi o que ajudou o professor de Língua Portuguesa Marcelo Leite a criar uma rotina para a reflexão. “Em março de 2020, eu comecei a me adaptar à meditação basicamente por conta de duas coisas: acompanhamento profissional de terapeuta e muita leitura”, conta ele. “É igual tomar banho. Você não faz uma vez e para. É uma questão de higiene e a meditação é uma higiene emocional.”

Segundo ele, que antes sofria muito de ansiedade, a prática noturna regular administrou suas expectativas em torno da pandemia. “Isso fez e faz com que eu consiga passar por esse período com uma dimensão de que tudo isso é inevitável, é um fato do mundo. O que eu posso trabalhar é a maneira como eu lido com isso”, diz.

Apesar de a pandemia ser global, cada ser humano a está experimentando de um jeito diferente. Por isso é tão importante a ação de compartilhar experiências, numa tentativa de normalizar alguns dos desafios vividos e trazer mais cuidado para o dia a dia. Algo muito bem explorado pela Monja Coen. 

“A gente só pode falar daquilo que tivemos uma experiência pessoal. E eu gosto de dizer para as pessoas: você pode. Seja quem for e o que você estiver fazendo. Já bebi muito, já usei droga e agora eu sou uma monja que não faz nada disso e estou muito bem”, revela.

No livro, Monja Coen afirma que estamos enfermos porque perdemos nosso equilíbrio, o qual pode ser recuperado com a meditação. “É uma mudança de olhar para a humanidade. Ou seja, existe uma doença e existem caminhos de cura. Mas, para haver cura, não pode haver negação. A gente precisa ver a realidade e ver a maneira como estamos respondendo ao mundo. É através da ganância, raiva e ignorância ou através da compreensão, da bondade e da sabedoria?”, indaga ela.

Mudança. A designer de estampas Débora Raysa, de 30 anos, buscou ajuda pelos aplicativos. “Eu tive de abrir mão da terapia durante a pandemia e vi na meditação algo de fácil acesso que me traria calma e relaxamento”, explica ela, que religiosamente faz a prática pela manhã, logo que acorda. “Já usei o aplicativo Cíngulo e agora uso o Lojong. Mas tem vezes, dependendo do dia, que consigo fazer sem ser meditação guiada”, diz.

Ao invés de procurar por aplicativos, a analista de conteúdo Aline Saluotto, de 28 anos, se descobriu em séries. Desde fevereiro deste ano, ela assiste regularmente à Meditação Guiada Headspace, a primeira das três parcerias anunciadas pelo aplicativo com a Netflix.

“Eu já vejo que algumas ações minhas mudaram completamente, sabe? A meditação me ajudou a compreender coisas além da calmaria que ela proporciona”, divide ela, que passou a exercitar a respiração ao longo do dia e até melhorou o seu sono. Tema que a Headspace escolheu para a segunda série, Guia Para Dormir Melhor , que estreia amanhã (28) no streaming.

“Se você parar para pensar, todo humano come e dorme. E existem muitos programas de comida, mas nunca teve um sobre sono. Além disso, tem tantas pessoas que assistem à TV antes de irem dormir, então, e se tivesse um programa que realmente ajudasse você a dormir?”, diz Morgan Selzer, produtora executiva da Headspace. 

Eve Lewis Prieto, voz da série e especialista em meditação e mindfulness, explica que a falta de sono pode agravar os problemas que enfrentamos, causando ainda mais estresse e ansiedade. “É como nos relacionamos com essas experiências e achamos maneiras de entender nossos padrões de vida, que somos capazes de colocar em prática uma rotina em torno de nosso sono”, diz ela.

O problema com insônia foi o que fez Geni Bosso, de 63 anos, procurar ajuda. “Quando começou a covid, eu passei os primeiros meses ‘de boa’. Mas depois, por volta de setembro, comecei a acordar às 3h da manhã e não dormir mais. Aí comentei com uma amiga, Mara, que é terapeuta floral, e tudo mudou”, conta. 

Desde então, Geni toma gotas de florais ao longo do dia e participa de um grupo de WhatsApp, criado pela amiga, que compartilha meditações diárias pelas manhãs. “Eu aceitei porque sinceramente, nesta pandemia, tudo que for pra você relaxar e ficar bem é importante”, diz ela. 

Prática. A Organização Mundial da Saúde (OMS) reconhece a meditação como um método para a prevenção de doenças, além de trazer benefícios comprovados no controle dos sintomas da ansiedade, depressão e insônia. Mas o hábito deve existir. Por isso mesmo, muitas vezes ele é até incentivado por psicólogos e terapeutas. 

Foi o caso do representante comercial Jackson Tavares, de 22 anos, que em abril de 2020 começou a terapia e cinco meses depois já passou a meditar. “Ele me indicou a meditação para que eu pudesse controlar o meu foco com a atenção plena, o mindfullnes”, conta ele, que sofria com distrações do home office e compulsão alimentar.

“Na pandemia eu engordei muito, uns 19 quilos, porque eu comia sem perceber o que eu estava comendo. A partir da atenção plena, eu comecei a reparar no que eu estou mastigando. Até porque a gente realmente não consegue fazer várias coisas ao mesmo tempo. Então é importante ter atenção.”

É comum entender meditação como o silenciamento da mente, quando alguém não pensa em nada. Porém, o que se busca, ao meditar, é acalmar a mente e assim organizá-la.

“Não existe nenhum problema em ter pensamentos. Basta você não conversar com eles. Para isso, imagine que você está na plataforma do metrô e um trem está vindo. Ali tem vários vagões, cada um deles representando um pensamento diferente. Você vai entrar no pensamento que você quer ou simplesmente vai deixá-lo ir embora. O estado meditativo é observar ele vir e não entrar”, exemplifica a professora de ioga e meditação Alik Mio.

Para quem quer começar a prática, o mais indicado é a meditação guiada. Com o tempo, descubra um estilo confortável para você. “No começo a pessoa ainda não sabe o que fazer e precisa de alguém que saiba trazer essa consciência para os seus pensamentos e fazê-la retornar para o aqui e agora”, ensina. 

De acordo com ela, não existe maneira certa ou errada de fazer a prática, porém duas regras são essenciais: postura e atenção no presente. “Você pode estar em três posições para circular a energia e conseguir a clareza mental: sentada com os pés tocando o solo e alinhando a coluna, sentada com as pernas dobradas em forma de flor de lótus ou completamente deitada”, diz. 

 Lojong

Possui diversas práticas guiadas com diferentes objetivos. Oferece opções para quem não pode pagar. R$ 12,90/ mês. Disponível em iOS e Android

Headspace

Práticas de meditação e sono focando no bem-estar do usuário. Tem opções de curso e opções para todas as idades. R$ 19,90/mês. Disponível em iOS e Android

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Aplicativo com mais de 50 mil meditações gratuitas e disponíveis em 44 idiomas diferentes. R$ 10,82/mês. Disponível em iOS e Android

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Zen

Primeiro aplicativo brasileiro de meditações guiadas. Grátis, com opção premium por R$ 19,90/mês. Disponível em iOS e 

Android

Foi um ano como nenhum outro e a cerimônia da 93ª edição do Oscar, realizada em Los Angeles, na noite do domingo, 25, refletiu tal ineditismo: além de evitar discursos de agradecimento por Zoom, apostando na vitalidade humana de um evento presencial, a festa tornou-se histórica ainda por celebrar a cineasta chinesa Chloé Zhao, a primeira mulher a receber quatro indicações em um mesmo ano e a vencer como diretora e, principalmente, o prêmio de melhor filme, por Nomadland. 

Em seu discurso, Chloé Zhao agradeceu a todos da equipe pela aventura e lembrou que, quando era criança, costumava fazer um jogo de memorizar poemas chineses. Um deles falava que as pessoas ao nascer são boas. “Às vezes, pode parecer que não é verdade, mas eu sempre encontrei bondade nas pessoas. Dedico o prêmio para todos que têm a fé e a coragem de se manterem bons e enxergar a bondade nos outros.”

Também foi marcante a vitória, nas categorias de atuação, de artistas experientes como Frances McDormand (Nomadland) e Anthony Hopkins (Meu Pai) – não tão favoritos – e de Daniel Kaluuya (melhor ator coadjuvante por Judas e o Messias Negro), além da veterana coreana Yuh-Jung Youn, de 73 anos, que ficou com o Oscar de melhor atriz coadjuvante, por Minari, repetindo seu bom humor no discurso de agradecimento: “Como eu posso ter vencido Glenn Close?”, questionou-se ela, arrancando gargalhadas da plateia que, distribuída em mesas, fez lembrar a forma de premiação do Globo de Ouro. 

Os organizadores, aliás, se esforçaram para fazer desta a mais inclusiva das edições do Oscar, como a presença da atriz Marlee Matlin para anunciar o vencedor de curta-metragem – ela, que ganhou o Oscar de melhor atriz por Filhos do Silêncio (1986), tem deficiência auditiva e há muito estava distante da grande festa do cinema.

Não foi mais curta como se esperava, mas a cerimônia começou como prometido por um dos organizadores, o cineasta Steven Soderbergh: enquanto a diretora Regina King caminhava pelos longos corredores da Union Station (o principal local da festa), letreiros surgiam na tela, com nomes dos astros que participariam da entrega. “Nossa pretensão era de que o espectador acompanhasse a cerimônia como se assistisse a um filme”, disse ele.

Para isso, ele contava ainda com o histórico dos indicados e sua relação com o cinema – assim, de cada um era revelada a lembrança de seus primeiros filmes e como se desenvolveu a paixão pela sétima arte. 

E o fato de a Academia manter uma base em Londres e outra em Paris, onde se reuniram principalmente os concorrentes europeus, em pouco tempo se revelou acertada – logo no anúncio do segundo Oscar da noite, de roteiro adaptado, o ganhador foi o francês Florian Zeller (ao lado do britânico Christopher Hampton), por Meu Pai. Ele recebeu o troféu e agradeceu direto da capital francesa. Já Sacha Baron Cohen acompanhou desde a Austrália o Oscar de melhor ator coadjuvante ser anunciado para Daniel Kaluuya, por Judas e o Messias Negro.

A ausência da orquestra na Union Station, no entanto, permitiu que alguns discursos se alongassem, como o do dinamarquês Thomas Vinterberg, vencedor por Druk – Mais uma Rodada, eleito o melhor Filme Internacional. O que justificou foi a emoção de suas palavras ao se lembrar da filha adolescente, que morreu poucos dias antes do início da filmagem.

Emocionante ainda foi o discurso de Jon Batiste, um dos vencedores de melhor trilha sonora (ao lado de Trent Reznor e Atticus Ross), por Soul, a obra-prima da Pixar. “Este momento é o ponto de culminante de uma série de milagres”, disse, agradecido. “Deus nos deu apenas 12 notas. Com elas, Duke Ellington, Bach, Nina Simone criaram obras diversas, maravilhosas. Cada contribuição sempre é especial.”

O clima mais intimista permitiu que a cerimônia fosse relaxada, com os artistas verdadeiramente se divertindo. Como a revelação de Harrison Ford sobre as pesadas críticas prévias (“Não fará sucesso”) recebidas por Blade Runner. E Frances McDormand uivando como loba (pelo Oscar de filme) ou ainda Glenn Close arrancando gargalhadas ao dançar e rebolar sob o som do funk Da Butt, que Spike Lee usou em Revolução Estudantil (1988). Definitivamente, o 93º Oscar entrou para a história.

Antes mesmo da hora de início marcada no Brasil, às 21h, o Grammy 2021, realizado na noite deste domingo (15) pela primeira vez sem plateia (ou com algumas dezenas de artistas chamados para receberem os prêmios), começou a distribuir suas estatuetas.  Beyoncé, que liderava com nove indicações, ganhou logo no início, junto à filha Blue Ivy, de nove anos, a categoria Melhor Videoclipe pela música Brown Skin Girl. Seus concorrentes eram Life Is Good, de Future e Drake; Adore You, de Harry Styles; Lockdown, de Anderson .Paak; e Goliath, de Woodkid. Taylor Swift, Roddy Ricch e Dua Lipa tinham seis indicações cada; Brittany Howard saiu com cinco e Billie Eilish, Megan Thee Stallion, DaBaby, Phoebe Bridgers, Justin Bieber, John Beasley e David Frost tinham os nomes indicados em quatro categorias cada um.

Já na cerimônia conduzida de forma bastante sóbria por Trevor Noah, comediante, locutor e ator sul-africano, líder no programa The Daily Show, quem levou o prêmio de Artista Revelação foi Megan Thee Stallion, que ganhou de Ingrid Andress, Phoebe Bridgers, Chika, Noah Cyrus, D Smoke, Doja Cat e Kaytranada. Os vencedores surgiam de máscaras, retiravam e faziam seus discursos. A estratégia do Black Pumas em relançar seu álbum de 2019 em versão deluxe deu certo e garantiu o gramofone na categoria Gravação do Ano pela música Colors. Uma grande banda, ainda que em busca de uma identidade além dos covers de seus ídolos da soul music dos anos 70, que venceu a gigante Beyoncé com Black Parade. E venceu bem mais: Rockstar, de DaBaby e Roddy Ricch; Say So, de Doja Cat; Everything I Wanted, de Billie Eilish; Don’t Start Now, de Dua Lipa; Circles, de Post Malone; e Savage, de Megan Thee Stallion com a participação de Beyoncé.

Dua Lipa demarcou território fazendo sua participação toda coreografada, com as câmeras bem aproximadas. Bruno Mars e Anderson .Paak fizeram o número seguinte, com  Leave the Door Open e toda a sua estética setentista reverencial a grupos como Manhattan’s e Commodores. Bruno Mars, com Black Pumas, segue em sua elegia ao passado, algo que faz com uma bela voz mas na qual esconde sua falta de identidade gritante. 

As mulheres dominaram também a categoria Melhor Álbum Country pela primeira vez na história, e quem venceu foi Miranda Lambert, com Bluebird. Segundos depois, Taylor Swift encheu a tela com seus olhos azuis para cantar Cardigan, do indicado álbum Folklore. Cada número programado pelo Grammy se tornava um videoclipe, uma marca dessa edição. O protagonismo do artista no palco perdeu a importância, o que valia era a estética de estúdio (algo em que os norte-americanos são especialistas). 

A Melhor Performance Solo Pop, uma categoria secundária, tinha mais pesos pesados. E quem levou foi o jovem de 26 anos Harry Styles, com Watermelon Sugar, a primeira música que ele fez em sua curta carreira. E com ela ele venceu Yummy, de Justin Bieber; Say So, de Doja Cat; Everything I Wanted, de Billie Eilish; Don’t Start Now, de Dua Lipa e Cardigan, de Taylor Swift. Colado na apresentação, veio a lembrança dos mortos, com Trevor dizendo que foram quase mil artistas levados pela Covid-19 entre 2020 e 2021. Bruno Mars, com Anderson .Paak na bateria, voltou para fazer uma homenagem a Little Richards, morto em 2020, com um medley irresistível. Covers, uma a especialidade de Mars. Lionel Richie passou para cantar Lady para Kenny Rogers, mestre da canção que faz uma falta irreparável na country romântico dos EUA.

A categoria Música do Ano, que não é o topo de ouro da sessão Gravação do Ano, premia os autores, embora seus nomes não sejam muito visíveis. E o vencedor foi I Can’t Breath, de H.E.R, vencendo mais uma de Beyoncé e seu onipresente Black Parade. As maiores temperaturas vieram com o número mais sensual da noite, com Cardi B e Megan Thee Stallion dançando e se atracando sobre uma cama gigante, com direito a um trecho de funk carioca do MC Pedro Sampaio em que ele diz “fica de quatro”. Um espetáculo de nádegas e auto objetificação de enjoar a militância feminista.

A categoria Melhor Música de Rap fez despontar um nome maior na noite. Depois da apresentação explosiva com Cardi B, Megan Thee Stallion venceu com a música Savage, que tem a participação de Beyoncé. E Beyoncé, que subiu de cabelos esvoaçantes a seu lado para receber a estatueta, chegou aos 27 Grammys, o que já era uma conquista inédita de uma mulher na premiação mas não seria só. Dua Lipa, tímida até então, discursou bonito para receber o prêmio de Melhor Disco de Pop Vocal por seu Future Nostalgia. “Eu pensei que só poderia fazer músicas tristes. Venceu, vejam só, Justin Bieber, Lady Gaga,  Harry Styles e Taylor Swift. 

Beyoncé fez história ao vencer a sessão Melhor Canção R&B com a Black Parade e se tornar a artista mulher com mais vitórias na história do Grammy, com 28 premiações. Beyoncé discursou emocionada: “Como artista acredito que faz parte do nosso trabalho refletir nossa época. Queria homenagear os reis e rainhas que me inspiraram. Eu nem acredito que isso está acontecendo.”

A grande categoria Álbum do Ano, perto do final da apresentação, acabou por consagrar outra mulher, Taylor Swift, com seu Folklore. Foi a terceira vitória de Taylor nessa categoria. A crítica elogiou muito o álbum quando ele saiu e os fãs elevaram Taylor em alguns graus de relevância, o que trouxe uma aura de justiça feita. Ela venceu Jhené Aiko, Black Pumas, Coldplay, Jacob Collier, HAIM, Dua Lipa e Post Malone. A valorização do grupo de k pop sul-coreano BTS era algo avassalador. As redes sociais inflaram com fãs pedindo informações sobre o possível show do grupo, algo que, também como uma inversão de valores no prêmio, o show ganhou espaço mais nobre do que a entrega de Álbum do Ano. Os rapazes chegaram para fazer o hit setentista Dynamite precisos, luminosos, todos de ternos e diante de um trabalho de câmeras minucioso. Uma participação gravada em Seul super produzida.

Ringo Starr apareceu para apresentar o prêmio mais importante, o de Gravação do Ano. "Eu queria dizer uma coisa", discursou:  "Se voce está fazendo músicas nesse mundo, você já venceu, muito obrigado." E, então, fez o anúncio: "E o Grammy vai para: Billie Eilish, Everything I Wanted". Billie dedicou o prêmio a Megan Thee Stallion e pediu aplausos à amiga. "Penso em você todos os dias." 

NOVA YORK, EUA - Durante muito tempo, as categorias dedicadas ao rock no Grammy eram dominadas pela testosterona, mas este ano as mulheres tomaram conta do microfone. 

A mudança será evidente na cerimônia de entrega da premiação no próximo domingo, poucos anos depois do ex-presidente da Recording Academy Neil Portnow ter sido criticado por afirmar que as mulheres deveriam "dar um passo à frente" para alcançar uma representação justa na indústria da música. 

Pela primeira vez, a categoria de melhor interpretação rock - introduzida em 2012 - tem apenas mulheres indicadas: Fiona Apple, Phoebe Bridgers, o grupo das irmãs Haim, Brittany Howard, Grace Potter e Big Thief, a banda liderada por Adrianne Lenker.

Lenker, Apple, Howard e Bridgers também estão na disputa pela melhor canção de rock, enquanto as três últimas também foram indicadas a melhor álbum alternativo. Potter soma outra indicação a melhor álbum de rock.

As mulheres moldaram a evolução do rock, como foi o caso da pioneira do blues Big Mama Thornton, a primeira artista a gravar Hound Dog, canção seminal e muito associada a Elvis Presley.

Mas desde a metade do século XX, a imagem do gênero foi monopolizada pelos homens, afirma Evelyn McDonnell, pesquisadora especializada em cultura pop, música e gênero.

"Você realmente via a divisão: o que os rapazes faziam com as guitarras era rock, e o que as garotas com penteados faziam era Motown ou pop", afirma a professora da Universidade Loyola Marymount. "Existe toda uma forma sexista na qual o rock é definido como homens brancos com guitarras".

Pequenos passos

As mulheres, no entanto, sempre foram muito influentes no gênero musical: Patti Smith, Kim Gordon, Stevie Nicks e Debbie Harry são apenas algumas referências. 

Fionna Apple viu seu álbum de 2020 Fetch The Bolt Cutters aclamado pela crítica - o site Pitchfork o considerou uma "obra-prima".

Durante grande parte da história do Grammy, os prêmios de rock foram divididos por gênero, com exceção de alguns anos em que a Academia alegou falta de interpretações femininas.

Desde a cerimônia de 2012, a Academia eliminou por completo as distinções, tanto no rock, como no pop, R&B e country.

Desde então, apenas uma mulher venceu na categoria de melhor interpretação de rock: Brittany Howard, que venceu como cantora do grupo Alabama Shakes em 2015.

A Academia foi acusada durante muito tempo de priorizar a arte de homens brancos, mas nos últimos anos parece ter dado pequenos passos de mudança.

E não apenas no rock: em 2021 as mulheres também dominam as categorias da música country, gênero tradicionalmente considerado conservador e machista.

Quatro mulheres disputam a categoria de melhor álbum country, ao lado de um grupo misto.

E o mundo do rap, estereotipado durante muito tempo como um clube de homens, também foi abaldo pela ascensão de várias mulheres.

Cardi B venceu na categoria álbum de rap em 2019 e Megan Thee Stallion foi indicada em quatro categorias este ano, incluindo artista revelação.

Um longo caminho a percorrer

Apesar dos avanços, a poucos dias da cerimônia deste ano - que acontecerá em grande parte de maneira virtual devido à pandemia -, um novo estudo da Universidade do Sul da Califórnia mostra que a presença da mulher no setor ainda encontra muitas dificuldades. 

As artistas femininas representaram quase 20% dos maiores sucessos da Billboard em 2020, participação um pouco menor que os 22,5% de 2019. Dos quase 2.000 artistas que lançaram as 900 canções que integram a lista eram pelo menos quatro homens para cada mulher. 

O estudo também examinou as indicações ao Grammy entre 2013 e 2021: dos 1.359 indicados apenas 13,4% eram mulheres, mas a proporção de indicadas cresceu significativamente de 2020 para 2021, a pouco mais de 20%.

Mas os escândalos que sacudiram a Academia recentemente também afetaram seus esforços de mudança de imagem: ano passado sua primeira presidente, Deborah Dugan, foi demitida por suposto assédio moral. Ela afirma que foi afastada por suas queixas por supostas irregularidades nas votações e denúncias de assédio sexual.

A Academia anunciou um estudo em conjunto com uma universidade para analisar a representação da mulher na indústria, com dados destinados a melhorar a prestação de contas e facilitar reformas.

As filmagens de “Tá Rindo Do Quê?”, com o diretor Judd Apatow, Adam Sandler, Leslie Mann, Seth Rogen e Eric Bana: obra-prima da dramédia

RODRIGO FONSECA
Tem uma obra-prima da crônica afetiva agendada para a TV aberta, nesta madrugada, à 1h, na Globo: “Tá Rindo Do Quê?” (“Funny People”, 2009). Nela, Adam Richard Sandler cala todas as bocas que duvidam de seu gigantesco ferramental cênico numa atuação nas raias entre o riso catártico e a mágoa. Quem viu seu magistral desempenho no thriller “Joias Brutas” (“Uncut Gems”, 2019) sabe o quão alto o mais rentável ás da comédia dos últimos 20 anos pode voar, para além do perímetro da risada. E a dublagem de Alexandre Moreno é um primor. A voz maviosa de Moreno já confundiu-se com a persona de Sandler no imaginário brasileiro. E ela se faz ainda mais ajustada nesta dramédia autoralíssima do diretor de “O Virgem de 40 Anos” (2005), que revê momentos da parceria passada de ambos.

p.s.: “Adieu Les Cons”, de Albert Dupontel, foi o grande vencedor do Troféu César 2021, laureado com os prêmios de melhor filme, direção, roteiro original, fotografia, direção de arte e ator coadjuvante (Nicolas Marié). Na trama, uma mulher (Virginie Efira) tenta encontrar uma criança que há tempos perdeu com a ajuda de dois trapalhões.

p.s.2: A coreógrafa, bailarina e professora Aline Bernardi ministrou, durante sete semanas, uma edição especial do Laboratório Corpo Palavra – coreografias e dramaturgias cartográficas. Uma residência artística intensiva e imersiva no formato virtual de formação e criação artística que se propôs a investigar as tramas entre a escrita e os nossos movimentos mais cotidianos. O resultado deste trabalho e outros desdobramentos da pesquisa desenvolvida por Aline há seis anos serão apresentados na mostra virtual “Cartografias Sensíveis”, de 17 a 20 de março, pelo canal do Youtube Celeiro Moebius (https://bit.ly/3q9zULp). Com direção artística de Aline Bernardi e dramaturgia de Ligia Tourinho, o evento gratuito vai contar com apresentação de obras de videoperformance, videodança e videoarte, show, lançamento de livros e conversas sobre o percurso artístico com os 33 participantes do laboratório.

p.s.3: A obra de Ana Cristina Cesar (1952-1983), uma das grandes poetas brasileiras, é recheada de questões existenciais e reflexões sobre o próprio ato de escrever. Com refinamento, ela transformava a banalidade do cotidiano em arte, a partir de uma linguagem coloquial, mas repleta de imagens e referências sofisticadas. Como essa poesia chega e é sentida, no ano de 2021, por uma atriz de 39 anos que vive a quarentena no Rio de Janeiro? Assim se constrói “Ana C.”, solo com dramaturgia e atuação de Laura Nielsen e codireção dela com Thaís Grechi. A montagem entra em temporada virtual, de 18 a 28 de março, com ingressos gratuitos e exibição pelo Youtube – os links estarão disponíveis 30 minutos antes de cada sessão nas páginas do projeto no Facebook (www.facebook.com/anacteatro/) e Instagram (@ana_c_teatro). Haverá também debates nos dias 20 e 27 após a sessão das 21h.

NOVA YORK - Isabel Allende não é apenas a mais lida escritora viva de língua espanhola, é também uma feminista franca e declarada. Então, não é de surpreender que seu livro mais recente, The Soul of a Woman [A Alma de Uma Mulher], tenha chegado aos Estados Unidos durante o Mês da História da Mulher, poucos dias antes da estreia de uma minissérie sobre sua vida na HBO Max.

No seu primeiro livro de não-ficção em mais de uma década, a autora chilena revê sua relação com o feminismo desde a infância até o presente, lembrando as pessoas que a marcaram - de sua mãe, Panchita, e sua filha Paula, à agente literária Carmen Balcells e às escritoras Virginia Woolf e Margaret Atwood.

“O ano da pandemia paralisou tudo e muito do que as mulheres fizeram foi sair às ruas para se reunir e protestar”, disse Allende numa entrevista recente à Associated Press, via Zoom, de sua casa na Califórnia. “Mulheres sozinhas são muito vulneráveis, mulheres juntas são invencíveis. Não acho que as coisas tenham regredido ou parado. As coisas estão avançando”.

Os primeiros cinquenta anos de sua vida são dramatizados em Isabel: The Intimate Story of the Writer Isabel Allende [Isabel: A História Íntima da Escritora Isabel Allende], filme biográfico em três partes que estreia sexta-feira na HBO Max, estrelado pela atriz chilena Daniela Ramirez.

Produzida por Megamedia Chile e dirigida por Rodrigo Bazaes, a minissérie se encerra com a morte de sua filha, que morreu em 1992, aos 29 anos, em coma profundo devido a uma crise de porfiria (como Allende escreveu em suas memórias, Paula, de 1994).

“Me fez chorar porque começa com a Paula no hospital e acaba com a morte da Paula. Vimos com o meu filho (Nicolas) e tivemos de parar porque estávamos chorando muito com a primeira cena. Mas aí melhora, no sentido de que já não é tão pesado para nós”, disse, acrescentando que ficou extremamente satisfeita e impressionada com o resultado.

Allende começa um novo livro a cada 8 de janeiro. No ano passado, o confinamento permitiu que ela terminasse não um, mas dois: The Soul of a Woman, lançamento da Ballantine Books e um próximo romance intitulado Violeta, que começa com a pandemia de 1918 (“que, na verdade, no Chile começou em 1920”, destaca ela) e termina com a atual pandemia. “É a vida de uma mulher naquela época”, diz ela.

Durante a entrevista, Allende relembrou seus primórdios como feminista e falou sobre sua experiência como uma “recém-casada” de 78 anos de idade em confinamento. Ela se casou com o terceiro marido, o advogado novaiorquino Roger Cukras, em julho de 2019.

As respostas foram editadas por questões de brevidade e clareza.

A senhora disse que se sentiu incomodada por injustiças contra as mulheres desde cedo e que era algo que via em sua própria família. Mas quando e como a senhora percebeu que era feminista?

Querida, não existia tal palavra naquela época! Quando era menina no Chile, nos anos 1940, numa família conservadora, católica e patriarcal, minha mãe fora abandonada pelo marido e morávamos na casa do meu avô. Todos homens, meus tios e meu avô. E meu avô era o patriarca absoluto. Era um homem muito bom, eu o adorava, mas era a autoridade máxima, era um deus. 

O que meu avô dizia não era questionado. Cresci com a sensação de que minha mãe estava numa situação de injustiça, de desigualdade, de vulnerabilidade. Minha mãe morava na mesma casa e suponho que meu avô pagasse a escola e tudo mais, mas minha mãe nunca teve dinheiro, nunca teve liberdade. 

Por ser uma mulher separada naquela época, naquela sociedade, minha mãe era muito mal vista, tinha de cuidar muito de sua reputação, pela qual também era muito limitada. Quando percebi que essa raiva que sentia tinha um nome? Não foi, creio eu, antes da adolescência, porque não havia referências. E não conseguia perceber que realmente havia um movimento e que eu poderia pertencer a esse movimento até os 20 anos, pelo menos.

E a senhora se sentiu libertada ou, de alguma forma, fortalecida? Como a senhora se lembra desse momento?

Eu me lembro de quando li A mulher Eunuco (1970), de Germaine Greer, que era um livro que tinha humor, inteligência e uma forma de dizer muito direta e óbvia. Estava sentindo todos esses sentimentos, mas não sabia como expressá-los, não sabia como articulá-los, até ler aquele livro. 

'The Soul of a Woman' é seu primeiro livro de não ficção em mais de uma década. O que a levou a escrevê-lo agora?

Não foi ideia minha. Dei uma palestra na Cidade do México um tempo atrás e o discurso foi um fenômeno, viralizou. Os editores na Espanha pensaram em publicá-lo como um livrinho. Eu li e disse: “Essa coisa está totalmente desatualizada”, porque em pouco tempo vieram #MeToo, Black Lives Matter, os protestos de mulheres nas ruas... tinha acontecido muita coisa que não fora mencionada no discurso. Aí eu disse: “Não, isso é inútil”. 

E comecei a pensar na minha própria trajetória e em como tenho vivido o movimento, porque tem sido algo quase simultâneo, sabe? O movimento de libertação das mulheres é muito antigo, mas começou de fato com a pílula na década de 1960, quando, pela primeira vez, as mulheres conseguiram controlar sua fertilidade. Isso criou um espaço que não existia antes, um espaço que minha mãe não tinha, claro. Com quatro anos de casada, minha mãe já tinha três filhos. 

A senhora começou a escrever quando estávamos começando a nos fechar em casa por causa da pandemia. O que espera que aconteça agora com o movimento feminista?

O ano da pandemia paralisou tudo, mas as coisas continuam avançando. E o feminismo se juntou a outros movimentos que também estão nas ruas, como o Black Lives Matter, que é uma subversão contra o sistema, contra um sistema racista. Esse mesmo sistema, um sistema chauvinista, é o que dá ao gênero masculino a supremacia sobre as mulheres, sobre as outras raças, sobre as pessoas que não têm poder, sobre os filhos. Quando desafiamos o poder do sistema, vemos que temos tanto em comum que podemos fazer isso juntas. Chegamos a um momento em que devemos sacudir a sociedade onde vivemos e tentar estabelecer um novo normal diferente, mais sustentável, mais justo e melhor para nós, para todo mundo. 

Como a pandemia está sendo para a senhora?

Boa, porque uma escritora precisa de tempo, silêncio e solidão, e a pandemia me deu tudo isso. Estou recém-casada e olha, a pandemia tem sido um teste de tornassol, porque é como uma longa lua de mel que nunca acaba (risos). Mas, nesta lua de mel, aprendemos muito como casal, como família, o que pode ser extrapolado para a humanidade: fomos forçados a viver num planeta frágil, num espaço limitado que tem de ser sustentável, temos de manter tudo limpo e em ordem, caso contrário, pereceremos. Precisamos de paciência, tolerância, compaixão, bondade. Precisamos de recursos suficientes para todos. 

Como a senhora se sente em relação ao filme sobre sua vida? A senhora já viu?

Quando me falaram do projeto, nunca pensei que iriam fazer, por isso não dei muita atenção. Mas um dia eles me ligaram e a coisa estava praticamente pronta. A única coisa que pedi a eles é que respeitassem as outras pessoas que aparecem na série, porque, olha, eu tenho memórias escritas sobre minha própria vida, tenho sido meio tagarela, então não tenho o direito de reclamar de privacidade. Mas as pessoas ao meu redor que têm vida privada, vocês têm que ser respeitosos com elas; essas histórias não me pertencem. Mas eles (os produtores) fizeram um bom trabalho, porque respeitaram o meu ex-marido, os meus filhos. Gostei muito do resultado. 

O que a senhora achou da atriz principal? A senhora se sentiu bem representada?

Daniela Ramirez desempenha um papel que acho muito difícil, que é imitar outra pessoa, tentar ser outra pessoa. E, além disso, não somos parecidas: ela é uma mulher muito jovem e bonita. Mas, olha, eles até fizeram os penteados, os vestidos. Tenho um colar com moedas de prata e cada uma das moedas é diferente, uma joia feita especialmente para mim. Eles fizeram um colar idêntico! E o mesmo aconteceu com muitos detalhes, como a casa, as crianças... É realmente muito emocionante.

As incessantes ondas que garantem o frescor do jazz trazem sempre cantoras excepcionais. Assim como no Brasil, a música popular norte-americana tem um de seus eixos mais sólidos na voz feminina e uma potência histórica que se retroalimenta e forma, para o bem e para o mal, um novo cenário a cada fluxo temporal. Como em um reality show, grandes vozes chegam e desaparecem com a mesma velocidade e poucas, realmente poucas, conseguem atingir o “estágio de assombro” de Veronica Swift.

Os pontos fora da curva, antes de surgirem na voz, já estavam na curta e intensa história de Veronica. Ela é uma garota de 26 anos nascida em Charlottesville, Virgínia, onde, em 2017, grupos de supremacistas brancos entraram em confronto direto com manifestantes antirracistas. Várias pessoas ficaram feridas e uma morreu depois que um carro avançou em direção a uma concentração de militantes contrários aos extremistas de direita. O ato se torna particularmente simbólico quando Veronica, branca, estabelece sua carreira sobre os paradigmas deixados por Ella Fitzgerald.

Seu pai era o pianista de jazz de Chicago Hod O’Brien, que tocou com Phil Woods, Freddie Hubbard e Lee Konitz, e a mãe é a cantora Stephanie Nakasian, que fez trabalhos com gente como Pat Metheny, Clark Terry e Philly Joe Jones. Assim que Hod morreu de câncer, em 2016, aos 80 anos, a indignação pela perda fez Veronica integrar uma banda de rock gótico chamada Vera Icon. “Eu precisava extravasar a raiva que sentia pela perda do meu pai”, afirmou, à época.

A raiva não foi mais forte do que aquilo que já estava em Veronica desde a infância. Depois de ver e ouvir pessoas como Annie Ross, Jon Hendricks e Paquito D’Rivera entrando e saindo de sua casa com um instrumento debaixo dos braços, ela abriu a boca para cantar e o que seus pais ouviram foi algo perto do fenomenal. A voz e o pensamento musical de Veronica não eram de uma criança.

Aos nove anos, ela lançou seu primeiro álbum nada infantil, Veronica’s House of Jazz, e saiu em excursão com os pais e com o grupo The Young Razzcals Jazz Project, com o qual tocava trompete. Aos 11, lançou seu segundo disco, It’s Great to be Alive, e se apresentou no Jazz at Lincoln Center, de Nova York. Mais tarde, em 2016, conquistou o segundo lugar na Competição de Jazz Vocal Thelonious Monk, ganhou datas no Birdland Jazz Club e então, em 2017, mudou-se para Nova York. Uma de suas maiores performances foram feitas ao lado de Wynton Marsalis e sua orquestra do Lincoln Center. O vídeo que pode ser visto no YouTube mostra o quanto Marsalis se diverte com seus scats, os improvisos criados por Ella Fitzgerald na distante era do swing dos anos 30 e adotados por Veronica como uma obsessão técnica. 

Veronica Swift é mais especificamente uma cantora de bebop, um dos subgêneros sobrepostos do jazz que fez sua era de ouro nos anos de 1940. Sua voz de essência improvisadora funciona ora com a agilidade do estilo do saxofonista Charlie Parker, ora com a precisão do pianista Thelonious Monk. Um canto ágil que não perde cor nem acabamento quando assume o egocentrismo necessário dos voos solos. Mas, se deixarmos ela mesma explicar, talvez nada disso fique de pé. “O jazz tem tantas categorias de subgêneros que, por isso, deixou de ser uma forma de música popular. Quer você toque de forma tradicional ou moderna, é um estilo de vida comunitário, não um gênero musical”, diz ao Estadão.

Mas, ao escolher as palavras, ela também revela uma opção estética. Até os anos 1960, quando o free jazz chegou como forma de rebeldia contra a obrigação dos músicos em “sustentar o peso do passado”, e mesmo depois, nos 1980, quando o neoclassicismo dos young lions de Wynton Marsalis chegou para revalorizar os ancestrais, jazz era um livro de história em constante atualização. E assumir isso é assumir um gênero musical. “Estamos sempre honrando e sendo informados pelo passado do jazz. Mas, concordo que criamos em conjunto com outras pessoas e, por isso, somos inspirados por elas. O jazz está vivo, é algo que se respira.”

Assim como a descoberta de sua trajetória recente, é possível encontrar cantoras exuberantes como Camille Thurman, saxofonista de Marsalis convertida mais recentemente ao canto, Jazzmeia Horn, uma proeza de ascendência africana de 29 anos, e a de carreira mais jovem, Quiana Lynell, todas trazendo o peso da tradição de mais de um século em cada nota. Quiana nasceu no Texas mas se mudou logo para Baton Rouge, na Louisiana. Destacou-se como membro do coro da Igreja Episcopal St. James e ganhou elogios de Herbie Hancock, Patti Austin e Terence Blanchard. A base de seu canto, exposta no único álbum que tem até agora, A Little Love, passa pelo jazz depois de lutar para sair das amarras do gospel. Cantoras de sua geração, mesmo tendo o blues pulsando forte, sabem que precisam expandir territórios.

Veronica não gosta do termo “novo jazz”. “Estamos vivendo um revés temporário de circunstâncias com a pandemia, mas o espírito da música é o mesmo e deve ser constante. Jazz é o que você faz dele, desde que você honre o passado.” Essa devoção supostamente obrigatória ao passado dos músicos de jazz já foi estudada por pesquisadores como Joachin-Ernest Berendt. Ela segue falando sobre a pandemia e como o isolamento social pode influenciar na origem de uma expressão particular do jazz: “A pandemia fez muitas pessoas pensarem em como sustentar suas vidas se não puderem fazer isso musicalmente. Não posso falar pelos outros, mas talvez muitos estejam se voltando mais para arranjos, engenharia, produção musical e trabalhos com edição de vídeo. Não sei, mas, para mim, mantenho meu curso e continuo enriquecendo meu jazz e minha compreensão musical. Essa é a minha pista e devo permanecer fiel a ela!”. Missão, fidelidade, entrega, passado. Coisas de uma senhora jazzista de 26 anos.

Para quem está com problemas de se manter produtivo e criativo durante a pandemia, foi um tapa na cara a seleção do 71.º Festival de Berlim, que encerrou na sexta-feira sua fase virtual, na esperança de realizar uma versão ao vivo em junho. Mesmo com a produção audiovisual semiparalisada há mais de um ano, cineastas do mundo inteiro conseguiram escrever, filmar ou adaptar projetos em plena crise da covid-19. 

O vencedor do Urso de Ouro é um deles. Bad Luck Banging or Loony Porn, do romeno Radu Jude, resolveu assumir as máscaras, fazendo uma produção que vai ficar marcada pelo seu tempo. O diretor fazia questão que fosse assim. “Eu até entendo cineastas que querem realizar filmes eternos, mas sou totalmente contra porque eu quero que o filme seja de sua época e do seu lugar”, disse ele em entrevista com a participação do Estadão. 

O sul-coreano Hong Sang-soo, que levou o Urso de Prata de roteiro, também rodou seu Introduction pós-pandemia. Mas a única referência à covid-19 é a cena em um restaurante – sempre obrigatória nos filmes do cineasta – em que os personagens comentam que ele está sempre vazio agora. 

Também exibido em competição, Memory Box, dos libaneses Joana Hadjithomas e Khalil Joreige, fala da Guerra do Líbano nos anos 1980 e se baseia em uma experiência real dos diretores – na adolescência, Joana escreveu diários e trocou cartas e fitas com uma amiga que havia deixado o país, enquanto Joreige fotografou Beirute na época do conflito. Mesmo assim, o longa ecoa tanto a pandemia quanto a explosão no porto da cidade, que deixou mais de 200 mortos e chocou o mundo. “É muito estranho porque estamos falando do período da guerra, mas o filme é confinado, e aí de repente todo o mundo estava revirando as coisas em casa durante a covid-19”, disse Joreige.

Exibido fora de competição, em sessão especial, Language Lessons, de Natalie Morales, não é sobre a pandemia. “Mas não existiria se não fosse ela”, disse a diretora. O filme também foi inspirado numa história que aconteceu com o ator Mark Duplass, que no confinamento decidiu aprender espanhol para ajudar uma escola guatemalteca à beira da falência. Logo, ele estava discutindo assuntos profundos com sua professora. No longa, Adam (Duplass) contrata a costa-riquenha Cariño (Morales) para aulas de espanhol online. O filme foi quase inteiramente feito no Zoom, com cada um cuidando de seu próprio figurino e maquiagem.

A francesa Céline Sciamma, que apresentou Petite Maman na competição, e o canadense Denis Côté, de Social Hygiene, também enxergaram na pandemia uma oportunidade. Os roteiros já estavam escritos. “Achei que ele era mais relevante do que nunca”, disse Sciamma em coletiva de imprensa. Petite Maman começa com a morte da avó de Nelly. A menina ajuda a mãe Marion a encaixotar seus pertences, até que, num passeio pela floresta, encontra Marion em versão criança. O filme fala de perda, luto, herança, memória. 

Já o bem-humorado Social Hygiene, que rendeu a Côté um prêmio de direção da seção Encontros, parece um filme sobre a pandemia. Antonin (Maxim Gaudette) é um bon vivant transformado em ladrão e fonte de decepção para cinco mulheres em sua vida: sua irmã Solveig (Larissa Corriveau), sua mulher Églantine (Evelyne Rompré), sua amante Cassiopée (Eve Duranceau), a coletora de impostos Rose (Kathleen Fortin) e uma das vítimas de seus crimes, Aurore (Éléonore Loiselle). Os personagens, às vezes, usam roupas de época, mas fazem referências a coisas modernas, como o Facebook. Os diálogos, em geral entre Antonin e um personagem, se dão ao ar livre, com grande distanciamento. 

Mas, incrivelmente, Social Hygiene nasceu bem antes da pandemia, quando Côté passou férias em Sarajevo. Sem conhecer ninguém na cidade, ele acabou escrevendo um roteiro sobre distanciamento social, antes de virar obrigatório. “Acreditem em mim: escrevi essa história, com esse título, em 2015”, contou o diretor ao Estadão. Em maio do ano passado, sua amiga Larissa Corriveau perguntou se ele não tinha nada que pudesse ser feito naquele momento. O diretor se lembrou das páginas de cinco anos antes, mas precisou ser convencido. Côté nega veementemente que se trate de um filme de pandemia. “Acho a covid-19 deprimente e extremamente chata. Posso me projetar daqui a seis meses ou um ano e acho que não vamos falar mais sobre isso, vai ser uma coisa do passado, a não ser, claro, para quem foi diretamente afetado.”

No caso da diretora chinesa Shengze Zhu, a pandemia era algo pessoal. Hoje baseada nos Estados Unidos, ela nasceu e foi criada em Wuhan, o primeiro epicentro da pandemia. A River Runs, Turns, Erases, Replaces, exibido na seção Fórum, era um projeto de documentação das transformações radicais na paisagem de sua cidade natal a partir do rio, central na vida de seus moradores. “Wuhan foi ficando irreconhecível para mim cada vez que eu voltava para lá”, explicou ela. “Pensei que uma mudança tão vertiginosa poderia causar problemas.”

Shengze Zhu começou a rodar em 2016 e planejava finalizar em 2021. Mas, quando a covid-19 tomou a cidade, ela achou que seu plano não fazia mais sentido. “Embora as imagens sejam as que eu tinha capturado antes, a maneira como editei está bem distante do projeto original. O que aconteceu no ano passado teve profunda influência em mim e nos habitantes.” A diretora incluiu depoimentos em formato de cartas de gente que perdeu marido, pai, irmão para a doença. “O filme já era sobre mudança e perda. A pandemia só reforçou esse sentido.”

No Dia Internacional da Mulher, a Dior se apresentou no Palácio de Versalhes e colocou suas modelos no Salão dos Espelhos sem que suas imagens fossem refletidas, celebrando assim uma nova liberdade feminina. 

Para a Semana de Moda virtual, a diretora artística da Dior, Maria Grazia Chiuri, aliou-se à artista italiana Silvia Giambrone e à coreógrafa israelense Sharon Eyal na reinterpretação deste famoso espaço, símbolo do patriarcado inaugurado pelo rei Luís XIV. 

Bailarinos e modelos interagiam com uma estrutura artística de resina, cera e acácia que cobria os imponentes espelhos do palácio, localizado nos arredores de Paris. 

"Nos contos de fadas, o espelho é importante para as mulheres, é tanto uma fonte de atração quanto de repulsa", disse Chiuri à AFP.

“Se queremos construir uma identidade própria, não devemos olhar para ela”, acrescentou a estilista italiana, uma das figuras feministas mais influentes da moda. 

O vídeo da coleção para o próximo outono-inverno lembra o filme A bela e a fera, de Jean Cocteau, com sua poesia sombria, tão bela quanto angustiante. 

Com a covid-19, "o tempo ficou suspenso", explica Chiuri. “É a época das histórias, com florestas encantadas que não vão recuperar suas cores até que a vida renasça". 

A pandemia foi um duro golpe para as semanas de moda, privando as empresas do glamour e da visibilidade que costumam ter nas passarelas. 

Virginia Woolf (Gisele Freund/National Portrait/Reuters)

São Paulo ganha, em abril, uma livraria dedicada a livros escritos por mulheres. Idealizada por Johanna Stein, a Gato Sem Rabo será inaugurada na Amaral Gurgel, 338, e seu nome remete ao ensaio Um Teto Todo Seu, de Virginia Woolf.

Em 65 m², ela vai abrigar 5 mil exemplares de 1.500 títulos, garimpados no catálogo de cerca de 150 editoras. São obras de ficção e não ficção, dos clássicos à literatura infantil, para mostrar a diversidade dessa produção.

O projeto foi pensado para acolher encontros em torno dos livros, como lançamentos, rodas de discussão e clubes de leitura – quando isso for possível novamente. E haverá um pequeno pequeno café operado pelo Cora, novo restaurante na cobertura do prédio (a livraria vai ficar no térreo).

Há alguns anos, o Pato Fu produziu algo que muita gente já tentou fazer com os instrumentos musicais de crianças. O grupo mineiro colocava em disco canções executadas com esses apetrechos, como saxofone de plástico, pianinho de brinquedo e tecladinhos. Depois do sucesso do primeiro, em 2017 chegou o Música de Brinquedo 2, que tem canções nacionais e internacionais, como Severina Xique-Xique, Mamãe Natureza, Livin’ La Vida Loca, Datemi un Martello. E este é o trabalho que o Pato Fu escolheu para realizar sua primeira live, que será neste domingo, 7, às 16h, com transmissão pelo YouTube da Fundação ArcelorMittal e pelo Facebook do programa Diversão em Cena. 

No palco do Centro Cultural Unimed-BH Minas, vão estar reunidos Fernanda Takai, John Ulhoa e Ricardo Koctus e também Glauco Mendes (bateria), Richard Neves (teclados), Thiago Braga e Camila Lordy, em vários brinquedos. Há ainda a participação especial de Groco e Ziglo, monstrinhos do Grupo Giramundo de Bonecos, manipulados pelos mestres Marcos Malafaia, Beatriz Apocalypse e Ulisses Tavares.

Sobre a live e o Música de Brinquedo, Fernanda Takai respondeu às questões do Estadão.

Música de Brinquedo é boa opção para o show nesse formato?

Tínhamos feito apenas uma apresentação assim durante toda a pandemia, mas foi com sinal fechado para um evento sobre educação. Para isso acontecer não é muito simples, é preciso testar todas as pessoas envolvidas na produção com o PCR molecular. Mesmo assim, muita disciplina no uso de máscaras e compartilhamento de áreas comuns, desde a montagem, passagem de som e o show. O espetáculo demanda dez pessoas no palco entre músicos e marionetistas, pois tudo é tocado ao vivo, sem bases programadas. Precisamos de muitas mãos e o Música de Brinquedo não funciona num formato pocket. O seu grande diferencial é a sonoridade coletiva dos brinquedos e miniaturas com a interpretação de humanos e monstros (Giramundo). E ainda é preciso lembrar que a equipe técnica é muito especializada na captação desse som diferente e também na iluminação de cada momento. Realizar um show assim e levá-lo em segurança até a casa das pessoas é desafiador, sem dúvida.

Como surgiu a ideia de gravar com brinquedos?

Foi há muito tempo. Em 1995, quando ouvimos a turma do Snoopy cantando músicas dos Beatles com arranjos de brinquedo, mas depois descobrimos que tinham usado alguns sintetizadores. Só em 2009, resolvemos tentar fazer versões de grandes sucessos nacionais e internacionais usando os brinquedos que a gente tinha em casa e alguns instrumentos em miniatura.

São mesmo brinquedos comprados em lojas?

Todos os brinquedos e miniaturas que usamos até hoje são encontrados por aí em lojas, feirinhas de artesanato, sites na internet. Muitas vezes, tivemos de trocá-los pois alguns quebraram e não achamos mais para comprar. Outros se perderam nas viagens, tomaram chuva ou foram aposentados pela fadiga do material. Todos são muito frágeis.

Como decidiram o repertório?

Primeiro escolhemos as canções e só depois corremos atrás dos instrumentos que poderiam emular os arranjos originais de cada uma delas. Três critérios foram fundamentais: a música ser muito conhecida, o seu arranjo marcante e que tivesse trechos “cantáveis” pelas crianças.

É um trabalho experimental? Terá um terceiro?

Acho que esse trabalho tem um quê de experimental recheado com uma alma pop. E dá muito trabalho! Não acredito num terceiro álbum assim, mas há um experimento audiovisual em curso. Não posso dar detalhes agora.

Como foi gravar?

Foi preciso muita insistência e dedicação a cada coisa que tocamos no estúdio. Transpor tudo para o palco foi a segunda etapa do desafio. À medida que as músicas iam ficando prontas, a gente ficava orgulhosa do resultado, além de perceber o sorriso no rosto de todos. As crianças brincaram de gravar, nem imaginavam que viria um disco depois de tudo.

Ficaram surpresos com o sucesso do trabalho?

Sim! Ganhamos nosso terceiro disco de Ouro e um Grammy Latino com ele, numa época em que muitos já se questionavam se valia a pena lançar álbuns completos, ainda mais com um projeto improvável e totalmente independente como o que fizemos. E acredito que a sua longevidade é a prova de que não tem prazo de validade. Todos os dias tem gente descobrindo esses dois álbuns, e compartilhando suas memórias através das redes sociais.

“Nossa voz, nossa força”, sentencia Maria Sebastiana Torres da Silva, piauiense, de 59 anos, no programa Falas Femininas, que a TV Globo exibe na segunda, 8, em comemoração ao Dia Internacional da Mulher. Agricultora e sanfoneira, ela só aprendeu a escrever o próprio nome em 2019, quando entrou em um curso de alfabetização para adultos. Quem a ajuda nesse processo de fala é a atriz e apresentadora Fabiana Karla, que comanda o programa que, ao lado de Maria e outras quatro brasileiras, de diferentes regiões, raças e profissões – Carol Dall Farra, Cristiane Sueli de Oliveira, Gleice Araújo Silva e Sebastiana dos Santos Oliveira –, reflete sobre abandono, violência e dificuldade para criar os filhos, desafios comuns a tantas mulheres.

Fabiana diz que se reconheceu nas histórias narradas pelas mulheres. “Eu vejo a representatividade das mulheres como uma grande árvore. São raízes fortes e copas frondosas, com capacidade de acolhimento nas sombras que elas geram.” Dirigido por Antonia Prado e Patrícia Carvalho, o especial faz parte do Projeto Identidade da emissora, o mesmo que produziu, no ano passado, o Falas Negras, dirigido por Lázaro Ramos.

“A narrativa do programa é poética, traz a luta dessas mulheres, potencializando o que elas têm de melhor para inspirar outras pessoas. Amplificamos essas histórias. O mundo diz que elas têm de guardar suas experiências, mas nós fizemos com que elas falassem. Isso vai transbordar para quem estiver em casa”, diz Fabiana, que também está na equipe de criação do especial.

A atriz afirma que nunca sofreu nenhum tipo de machismo, assédio sexual ou preconceito, mas que tem consciência que esse tipo de comportamento sempre esteve ao seu redor. “Não posso mentir, nunca fui vítima. Se tentaram, não percebi. Tive, sim, que nadar de braçadas em várias questões. Minha militância é ser como eu sou. Sempre usei da palavra e da inteligência para inibir qualquer tipo de preconceito. Com o tempo, percebi que a minha voz amplifica outras vozes”, diz.

Fora do Se Joga, programa que apresentou ao lado de Fernanda Gentil e Érico Brás – que voltará à grade da emissora neste sábado –, Fabiana estuda duas propostas da emissora. Uma delas é para ser apresentadora. “Tenho adorado ser comunicadora. Me inspiro muito em Regina Casé, que é uma atriz e também apresentadora.” A outra, está ligada ao humor. 

Nos cinemas

Outra mulher forte na vida de Fabiana Karla, a personagem Lucicreide, estreou na quinta, 4, mas, em São Paulo, por conta da volta à fase vermelha, os cinemas fecharam hoje, 6. Em Lucicreide Vai Pra Marte, comédia dirigida pelo pernambucano Rodrigo César, a atriz vive uma empregada doméstica que, após a chegada da sogra em sua casa, quer fugir do inferno que virou sua vida. Sem saber ao certo no que está se envolvendo, Lucicreide se candidata a uma viagem a Marte. 

A atriz tem um carinho especial pela personagem, criada na época em que ela estudava teatro no Recife. “A Lucicreide foi criada a partir do meu olhar para as mulheres com quem eu convivia. Ela tem um jeito meio raivoso, mas também uma ternura muito grande.”

Fabiana também é produtora do longa e diz que se emocionou ao filmar na sede da Nasa, nos Estados Unidos – apesar do medo em algumas cenas, como a que entra em um avião que simula gravidade zero. “Quando falaram ‘Lucricreide Go To Mars. Take One’, uma lágrima escorreu. Eu, com um lencinho na cabeça (parte do figurino) vendo a Atlantis atrás de mim... Foi uma aventura deliciosa.” O último filme que havia sido gravado por lá foi Armageddon, de 1998.

Antes de chegar aos cinemas, a personagem Lucicreide fez parte do programa Zorra Total, apresentado pela TV Globo entre 1999 e 2015, com direção-geral de Maurício Sherman. Nessa época, o programa foi reformulado e ganhou esquetes que exploravam críticas sociais e políticas. O novo Zorra foi exibido até o ano passado.

Fabiana não concorda que a personagem possa ser classificada em um tipo de humor ultrapassado. “Tudo tem o seu tempo. O Zorra foi um programa muito importante. O humor é um estado de espírito. A prova que Lucicreide sobreviveu é que ela está agora no cinema”, diz ainda.

A atriz também pode ser vista na reprise da novela Mulheres Apaixonadas, de 2003, no canal Viva. Na trama de Manoel Carlos, ela é Célia, a empregada de Lorena, vivida por Suzana Vieira. Foi a primeira novela de Fabiana na TV Globo. Graças ao seu talento, o pequeno papel garantiu um contrato para que ela continuasse na emissora.

“Não tinha na sinopse que a Célia era fofoqueira. Eu que fui cavando as cenas. Com isso, a personagem ganhou um rumo. Manoel Carlos sempre deu destaque para as empregadas e, com isso, revelou atrizes como eu, Juliana Paes, Carol Castro e Roberta Rodrigues. Eu gargalhava nos bastidores com a Suzana. Ela tem um jeito muito forte, firme, mas me acolheu e me ensinou muito”, conta.

Com São Paulo de volta à fase vermelha, os cinemas estão novamente fechados a partir de sábado, 6. Mas não faltam opções de filmes para assistir em casa. 

Raya e o Último Dragão 

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O filme estreia nos cinemas que estiverem abertos no Brasil, mas também chega diretamente ao Disney+. Só que é preciso pagar um extra de R$ 69,90 para poder ver, até o dia 19. A partir de 23 de abril, estará disponível sem custo extra para assinantes da plataforma. 

A animação da Disney dirigida por Don Hall e Carlos López Estrada se passa no fictício mundo de Kumandra, que fica no Sudeste Asiático e foi dividido entre vários territórios hostis entre si depois do desaparecimento dos dragões. O líder de um dos países, Benja (Daniel Dae Kim), tenta fazer uma aproximação com os outros. Mas a reunião dá muito errado, e uma força maléfica acaba sendo liberada, transformando Benja e muitas outras pessoas em estátuas. 

Sua filha Raya (Kelly Marie Tran) sai em busca do último dragão, Sisu (Awkwafina), que pode recuperar a mágica no mundo, tendo como companhia Tuk Tuk, seu animal de estimação. Raya vai precisar de muita ajuda. O problema é que, ferida pela traição sofrida pelo pai, não consegue confiar em ninguém. No Disney+. 

Notturno 

Exibido no último Festival de Veneza, o novo filme de Gianfranco Rosi mostra o drama dos civis afetados pela guerra, pela interferência estrangeira, por regimes autocráticos e pelo terror do Estado Islâmico. Rosi, vencedor do Urso de Ouro em Berlim com Fogo no Mar e do Leão de Ouro em Veneza com Sacro GRA, filmou desta vez na Síria, no Líbano e no Iraque, capturando imagens que refletem a solidão e o trauma das pessoas, expostos nos desenhos infantis de crianças torturadas ou no choro das mães que perderam seus filhos. O documentário foi escolhido pela Itália para ser o representante do país no Oscar internacional, mas não foi selecionado. No MUBI.  

OUTROS DESTAQUES 

Um Príncipe em Nova York 2

Dir. Craig Brewer. Mais de 30 anos depois de Um Príncipe em Nova York (1988), Akeem Joffer (Eddie Murphy) e seu fiel escudeiro Semmi (Arsenio Hall) estão de volta. Só que agora, em vez de ir para Nova York, o agora rei traz a Zamunda seu suposto filho e herdeiro, Lavelle (Jermaine Fowler). Mas a verdade é que Akeem já tem três filhas, Meeka (KiKi Layne), Omma (Bella Murphy) e Tinashe (Akiley Love), todas inteligentes e capazes. A partir de hoje (5), no Amazon Prime Video. 

  O Samba É Primo do Jazz

Dir. Angela Zoé. Neste documentário sobre sua vida e carreira, a cantora Alcione fala de suas referências musicais, sua relação com a família e os amigos e seu espaço na música brasileira. No Net Now, Vivo Play e Oi Play, iTunes, Apple TV, Google Play, YouTube Filmes e Looke. 

Convenção das Bruxas

Dir. Robert Zemeckis. Esta refilmagem do longa de mesmo nome traz Anne Hathaway no papel de Grande Rainha Bruxa, feito por Anjelica Huston em 1990. Tentando proteger o neto (Jahzir Bruno) das bruxas da cidade, uma avó (Octavia Spencer) vai com ele para um hotel, sem saber que lá haverá uma Convenção das Bruxas, que transformam o garoto em rato. Disponível para compra no Apple TV, Claro, Google Play, Looke, Microsoft, Playstation, Sky, Uol Play, Vivo e WatchBr. 

O Corcunda de Notre Dame 

Dir. William Dieterle. Charles Laughton faz Quasímodo, e Maureen O’Hara é Esmeralda nesta adaptação de 1939 do romance de Victor Hugo que foi o único filme apresentado no primeiro Festival de Cannes, cancelado quando Adolf Hitler invadiu a Polônia no dia de início do evento. No Belas Artes à la Carte.

Meu Ex É um Espião

Dir. Susanna Fogel. Nesta comédia, Audrey (Mila Kunis) descobre que seu ex-namorado, Drew (Justin Theroux), é um espião. Junto com sua melhor amiga Morgan (Kate McKinnon), ela se vê envolvida numa trama de espionagem global. No Telecine. 

Com Todo Meu Coração

Dir. Joshua Leonard. O adolescente Marcus (Charlie Plummer) e sua mãe Margaret (Marisa Tomei) têm dificuldades de lidar com o luto da morte de Steve (Timothy Olyphant). No iTunes, Apple TV, Vivo Play, Google Play, YouTube Filmes, Now e Looke.

Um Amor Proibido 

Dir. Arnold de Parscau. Por causa da estudante de piano Margaux, que vive na ilha de Bali, o jovem Eka resolve aprender a compor música. No Cinema Virtual. 

Quando Salomão Borges Filho, o Lô, nasceu em casa, em Belo Horizonte, Márcio, o Marcinho, tinha 6 anos de idade. Ao entrar no quarto e ver o sexto filho nos braços de dona Maricota, matriarca da família Borges, pediu à mãe: ‘Dá esse menino para mim?’. Os dois ainda teriam outros cinco irmãos. Esse gesto de amor rendeu uma ligação estreita entre eles, além de, ao longo dos anos, sonhos, girassóis, ventanias, estradas e heróis na música brasileira.

Os parceiros em composições de sucesso como Clube da Esquina n.º 2, com Milton Nascimento, Para Lennon & McCartney, com Fernando Brant, e Um Girassol da Cor de Seu Cabelo e Tudo O Que Você Podia Ser, voltaram a compor juntos depois de nove anos. O resultado está no álbum Muito Além do Fim, lançado nesta sexta-feira, 5, só com músicas inéditas.

“Já estava na hora de voltar a compor com o Marcinho. Foi ele que me incentivou a aprender música, quando, ainda menino, eu ficava tentando tocar no violão as músicas do disco Chega de Saudade, do João Gilberto. É meu parceiro mais importante. Ele consegue ser duro sem perder a ternura”, diz. Lô ainda aponta, além de Márcio, Milton Nascimento e o pianista Marílton Borges, também seu irmão, como seus grandes mestres e incentivadores. 

Por conta da pandemia, os irmãos não puderam se encontrar para escrever as canções como faziam no passado. Lô mandava todas as melodias por telefone. Márcio respondia com as letras. “Chegaram prontinhas. Não precisei mudar uma vírgula. Nossa sintonia é cósmica”, afirma Lô.

Muito Além do Fim sucede a Dínamo, lançado no ano passado, que trouxe parcerias com o compositor piauiense Makely Ka. Lô, aos 69 anos, comemora a fase criativa e afirma que escrever melodias faz parte dele. “A composição é meu alimento espiritual. É o momento em que a vida faz mais sentido para mim. Compor é amar. Se eu não componho, sinto que falta algo. Meu pai me falava que o dom a gente ganha, nasce com ele. Mas trabalhar esse dom é uma virtude. Uma vez fiquei um ano sem compor, me achei o bom, que voltaria quando quisesse. Quando quis voltar, foi uma dificuldade. A gente tem que manter a fé cega e a faca amolada. É um ato cotidiano”, diz.

A faixa que dá nome ao disco tem como convidado o carioca Paulinho Moska. A letra prevê o “cessamento desse abalo sísmico” e enxerga um final feliz. Em Canções de Primavera, os versos sugerem que é preciso usar do amor para espantar a ignorância.

Das dez canções do álbum, duas estavam havia tempos guardadas nos cadernos de música de Lô. Terra de Gado é de 1999, mas continua atual. “Que mágica tudo é gado/ Terra boa de ser ninguém/ Que mágica tudo é gado/ Terra boa de ser/ Ou vai morrer nessa praia/ E achar que tá tudo bem”, diz uma das estrofes.

Piano Cigano é de 1978 e ficou de fora do disco A Via Láctea, que Lô lançou no ano seguinte. “Ela é mais pujante e o álbum era mais harmônico. Eu enchi o saco da minha mãe compondo essa música. O piano da casa ficava na parede que fazia divisa com a do quarto de descanso dela. Ela dizia “essa música nunca vai ficar pronta? Não aguento mais. Toca o Girassol para mim”, conta, entre risos.

No álbum, Lô, que toca piano e violões, é acompanhado pelos músicos Henrique Matheus (guitarras), Thiago Corrêa (contrabaixo) e Robinson Matos (bateria). O trabalho foi feito quase toda a distância. O ajuste ficou por conta da “pegada” que Lô queria dar ao disco. 

“Muitas músicas eles me mandaram com arranjos mais leves. Eu falei: vamos tirar o terno e a gravata, botar uma bermuda, relaxar. Tocar mais pesado. Se esse disco é mais ‘guitarrado’, é por escolha minha. Não quis nada comportado”, conta.

A cara mais roqueira, ou “vigorosa”, como Lô prefere chamar, é para diferenciar dos discos mais harmônicos que o compositor fez nos últimos anos, com estética mais ligada ao lendário disco Clube da Esquina, que ele, aos 19 anos, assinou com Milton em 1972. 

Primeiro disco

Lô, Márcio, Milton Nascimento e inspiração remetem, invariavelmente, ao primeiro disco solo do compositor, de 1972, conhecido como O Disco do Tênis, que, em 2022, vai completar 50 anos. 

Após ser acolhido por Milton, que bateu o pé na gravadora para que Lô, que ele havia levado de Minas Gerais para o Rio de Janeiro, assinasse a coautoria do disco Clube da Esquina, ele foi contratado para fazer seu álbum de estreia. Empolgado, Lô aceitou o compromisso, mas não tinha uma música sequer pronta.

“Pirei. Fiz um disco todo experimental, psicodélico. Não tinha nenhum Trem Azul. Tinha música de 30 segundos, outras de 5 minutos. Fazia o que vinha na cabeça. E o que vinha era muita loucura. Fazia a melodia pela manhã, à tarde o Marcinho colocava a letra e à noite eu gravava”, conta ainda o compositor.

De hábitos diurnos, Lô diz que prefere compor pela manhã. À tarde, ouve outros artistas. Dia desses, diz, pôs para rodar Araçá Azul, disco experimental de Caetano Veloso. Entre os outros preferidos, estão Tom Jobim e a banda britânica de rock progressivo Emerson, Lake & Palmer. “Gosto de música. Não só de compor, mas de ouvir também”, acrescenta.

Alguns devem pensar que o dinheiro dos Estados Unidos emergiu pronto da explosão do Big Bang. Todavia, os próximos anos devem testemunhar uma mudança no rosto da moeda dos EUA.

A Inglaterra já usava libras quando isso ocorreu. Por lei, entretanto, a velha Albion não permitia que sua própria moeda saísse das ilhas britânicas, nem mesmo para suas colônias. Por isso, no século 18, era muito difícil encontrar libras e shillings circulando. A moeda que surgia de forma mais comum nas colônias britânicas do Novo Mundo era... mexicana! Ah, a ironia da História!

O México, também desde o século 16, tinha sua própria casa da moeda e cunhava os valiosos “reales de a ocho”, um peso de prata que equivalia a 8 unidades de menor valor, chamada real. Esse “spanish dollar”, como era chamado nas 13 colônias, a “Grana espanhola”, era uma das poucas moedas circulantes por ali. No início do século 18, a crise da falta de moeda estimulou o jovem Benjamin Franklin a escrever um manifesto que reclamava como a situação impedia a economia local de se desenvolver. Além disso, ele passou a imprimir dinheiro, na forma de vales em papel. A Coroa proibiu essa prática também. O ressentimento dessa medida estava entre os fatores listados para a guerra de independência pouco tempo depois.

Guerras custam dinheiro e isso a colônia não tinha, já vimos. Solução: imprimir dinheiro. O “continental” (nome dado em homenagem ao Congresso Continental que declarara a independência), em sua intenção inicial, se baseava no valor de um “dólar espanhol”. As cédulas vinham com o valor estabelecido em um pequeno texto que dizia algo como: este pedaço de papel vale 1, 10 ou 20 dólares. Os mais velhos entre nós, leitores, se lembrarão da URV, a unidade que estabelecia quanto valia o real nos tempos que antecederam a implementação de nossa moeda, nos longínquos anos 1990, quando achávamos que vivíamos uma crise.

Imprimiu-se tanto dólar de papel para sustentar o esforço de guerra que eles se desvalorizaram muito rápido. No fim do conflito, já corria o ditado: “Isso vale tão pouco quanto um continental”. As cédulas foram abandonadas e, em 1792, estipulou-se a criação efetiva do dólar americano. Nome alemão e referências espanholas, a moeda estadunidense deveria ser feita apenas e tão somente em metal, não mais em papel. Foi uma das primeiras do mundo a se basear em um sistema centesimal, facilitando a compreensão de suas frações (lembram-se do real de oito?). As efígies das primeiras moedas recém-nascidas eram alegorias da liberdade, da vitória e outros valores. Jamais pessoas.

Por quase um século, os americanos tiveram apenas moedas e não mais cédulas circulando. Precisaram de outro conflito para voltar a imprimir dinheiro: a Guerra da Secessão (1861 a 1865), que rachou o país em dois, Sul e Norte, em torno de várias questões. Tanto um lado quanto o outro, precisando desesperadamente de recursos, voltaram a imprimir dinheiro. O do Norte, criado pelo secretário de Finanças de Lincoln, Salmon P. Chase, era verde e, na sua nota de um dólar, trazia a efígie nada modesta de... Chase! Como na guerra anterior, rapidamente a cédula se desvalorizou e, ao fim do conflito, valia um terço do seu valor de face. Isso porque a cédula verde era uma promessa, um bônus de guerra, que poderia ser resgatado quando os canhões silenciassem.

Pior ocorreu com a moeda sulista, os “dixies”, que se desvalorizaram muito mais e, ao fim das batalhas, se tornaram pedaços de papel colorido com o fim do país e a reintegração ao norte.

A decisão de quem deve ou não estampar a cédula de dólar é atribuição do secretário de Tesouro. Critério é que a pessoa deve ser alguém cujo valor de face (literalmente) seja conhecido da história americana como personagem confiável. Por isso, há ex-presidentes e personalidades como Benjamin Franklin. Mas muita gente já entrou e saiu dessa galeria. Ela não é nem nunca foi fixa: só não podem mostrar pessoas vivas.

Daí o anúncio em 2016 de que, em 2020, as notas de 20 dólares deixariam de estampar o presidente Andrew Jackson, um controverso governante que era escravista, por uma notória abolicionista, Harriet Tubman. A primeira mulher negra (moedas de um dólar mostram, desde 2000, Sacagewa; ainda no século 19, por curto período, a primeira-dama Martha Washington estampou a nota de um “dólar de prata”) em uma moeda norte-americana. Jackson não reclamaria: ele era um feroz opositor das cédulas e de bancos poderosos!

A administração Trump anunciou que o custo seria alto e que postergaria a decisão por, no mínimo, dez anos. Biden, decidido a desfazer a herança do antecessor, anunciou que iniciaria a substituição.

Viram? Não dói mudar uma efígie em uma nota. Especialmente, porque elas estampam valores de época. E nossos tempos podem e devem ser mais plurais. A esperança é associada ao verde, cor tradicional dos dólares. É preciso ter ambos, dólares e esperança. 

Ruth Rocha chega aos 90 anos olhando para a frente. Nascida em 2 de março de 1931, na Vila Mariana, em São Paulo, a escritora revela que vai comemorar sim a data, mas que terá de ser de forma virtual por causa da pandemia. “Eu vou mandar umas comidas pros mais próximos, aí a gente vai sentar e comer junto – pela internet”, avisa a alegre e divertida senhora. Em conversa por telefone com o Estadão, fez uma viagem por suas memórias e revelou o que vem de novidade por aí.

Autora de inúmeros livros dedicados ao público infantojuvenil, Ruth Rocha volta no tempo e passeia pelas lembranças, falando da família, do início de sua trajetória na literatura e de momentos atuais. “Fui muito feliz na infância, tive pais muito bons, dedicados a nós, muito interessantes, irmãos divertidos, que são bons até hoje”, conta a escritora, que tem quatro irmãos e se orgulha em afirmar que ainda se dão muito bem. “Nós nos gostamos muito.” Diz que é muito amiga de seus dez sobrinhos. 

Escritora, como outras crianças dessa época, gostava de brincar na rua, pois não tinha os perigos enfrentados hoje em dia nas cidades. “Minha mãe era muito acolhedora, então as crianças iam pra minha casa brincar e depois a gente ia para a casa dos outros também. Foi uma infância muito feliz e gostosa e acho que fez muito bem pra mim. Esse é um tesouro que a gente carrega, uma infância boa”, descreve Ruth, que conta ainda ter aprendido a andar de bicicleta no Parque do Ibirapuera, que não era como o conhecemos hoje. “A gente era muito livre.”

O que Ruth viveu na infância e a relação com a família e o mundo foram transpostos para sua trajetória profissional. “A infância forma a gente, é uma coisa que nos modela”, garante a escritora. Ainda no passado, ela lembra de um avô que era contador de histórias e ela e seus irmãos aproveitavam muito a presença dele. “Ele vinha do Rio de Janeiro, chegava cansado, mas a gente ficava em cima dele para contar suas histórias.” E seu pai também não ficava atrás, tinha seus momentos de contador de história. Tinha ainda uma avó que a ensinava a cantar modinhas. Foi com todas essas influências que a menina Ruth adquiriu o hábito da leitura.

Essa bagagem reunida na infância serviu de base para sua vida adulta. Formada em Ciências Políticas e Sociais pela Escola de Sociologia e Política de São Paulo, entre 1957 e 1972 exerceu a função de orientadora educacional, o que a ajudou a ter mais interação com crianças. Sua base educacional possibilitou que fosse trabalhar em revistas, criando textos para o público infantil. Mas foi ao entrar na revista Recreio que começou a voar alto em seu estilo de escrita e na criação das histórias. “A revista Recreio foi quem me pôs no mundo” (risos). 

Essa fase na publicação e sua carreira na escrita começam com uma passagem que Ruth gosta de contar e se diverte quando o faz. Ela lembra que editava a publicação com sua também amiga Sonia Robatto, que a intimou a escrever uma história para a revista. Conta Ruth que a editora não teve dúvida, trancou a escritora em uma sala e disse que ela só sairia de lá quando tivesse uma história pronta. E foi assim que surgiu o texto Romeu e Julieta, que viria a ser o primeiro de tantos outros criados para a Recreio. “Minha primeira história é sobre preconceito e mostrava duas borboletas, uma amarela e outra azul, que não podiam brincar juntas por ser cada uma de uma cor”, afirma. 

De lá para cá, Ruth Rocha não parou mais de escrever suas histórias e transformá-las em livros. Inclusive, revela que até aproveitou este momento de isolamento pela pandemia para criar uma nova obra, que é O Grande Livro dos Macacos, ainda em fase de finalização, sem data para lançamento. “Mas é sobre o que, Ruth Rocha?”. “Macacos!” (risos), respondeu a escritora. “O livro mostra como os macacos são e como são inteligentes”, diz. Outro ponto que a obra vai abordar, segundo a autora, é o fato de ter gente que não gosta muito da ideia de que descendemos de macaco. “Mas eu não queria parecer com girafa, jacaré, hipopótamo. Eu acho muito bom parecer com macaco.”

Outra boa novidade que vem por aí é a transformação do livro clássico da autora, Marcelo Marmelo Martelo, em série de TV. A própria Ruth se encarrega de anunciar que o contrato para a produção foi assinado e agora é aguardar para conferir mais essa conquista do seu personagem. Trata-se de uma realização da ViacomCBS, que comprou os diretos da obra e a levará para o audiovisual.

Publicado pela primeira vez em 1976, o best-seller Marcelo Marmelo Martelo teve mais de 70 edições e vendeu aproximadamente 20 milhões de exemplares. No ano passado, Ruth Rocha, em coautoria com sua filha, Mariana Rocha, brindou seus leitores com o Almanaque do Marcelo e da Turma da Nossa Rua (Editora Salamandra). 

Em seus 90 anos, mais de 50 foram dedicados à literatura, em uma jornada incansável pelo universo lúdico da infância. Mas Ruth, com sua escrita elaborada e sem limites para a imaginação, coloca em seus textos mais do que simples histórias, pois elas carregam temas mais profundos, que fazem parte da vida das pessoas e da sociedade. No livro O Reizinho Mandão, outro grande sucesso de sua produção, a autora colocou em cena um rei que decidiu que não queria que as pessoas falassem, que calassem a boca e, assim, o povo acabou esquecendo como falar. Lançada no período da ditadura militar, Ruth conta que a história foi feita dessa forma de propósito. “A censura comia solta”, conta, enfatizando ter horror a essa fase. O que ela observa hoje é que a história “está quase se repetindo, é muito ameaçador”. 

A autora premiada dentro e fora do País, com mais de 200 livros lançados, é leitora determinada. Diz que acabou de ler Michel Laub e gosta de Marçal Aquino. Mas, em tom de reclamação, afirma não ter recebido nada de autores infantis. “Ninguém me manda nada, é raro, não recebo nada.” Após tantos anos encantando leitores das mais variadas idades, Ruth Rocha se diz avessa a pensar em uma biografia sua. “Fui muito feliz minha vida inteira, casei com um cara formidável (Eduardo), eu gostava dele e ele de mim, tenho uma filha maravilhosa, dois netos. Não estou desiludida da vida. Não penso nisso, não quero não.”

Nos anos 1980 e 1990, a população ria de piadas racistas nos Trapalhões, se divertia com comentários homofóbicos no Chacrinha e acompanhava com admiração a trajetória do carismático cartola de futebol, dirigente de escola de samba e gângster Castor de Andrade. O banqueiro do jogo do bicho (morto em 1997, aos 71 anos) simboliza como poucos a tolerância da opinião pública com a moral flexível das autoridades, seja no futebol, política ou polícia no Rio de Janeiro. Trata-se, afinal, do único Estado brasileiro que teve seis governadores presos ou afastados nos últimos 6 anos. 

É nessa faca de dois gumes que se equilibra a série documental Doutor Castor, disponível na Globoplay. A narrativa começa com as credenciais do personagem central. Castor de Andrade foi um homem extremamente violento no controle dos seus territórios – o Bangu Atlético Clube, a Mocidade Independente de Padre Miguel e os pontos do bicho – e, ao mesmo tempo, um mecenas malandro e boa-praça, que era tratado como o rei do Rio. 

Andrade foi um bandido herói que transitou entre dois mundos. Adorava ser tratado como “capo de tutti capi” e cultivava hábitos copiados de filmes de máfia, como o beijo no rosto dos comparsas, mas, ao mesmo tempo, era entrevistado com deferência em programas da TV. O momento mais emblemático foi, sem dúvida, uma entrevista para Jô Soares, no SBT, em 1990. 

O documentário da Globo resgatou a conversa na qual o apresentador solta sua risada contagiante ao ouvir o relato do bicheiro de quando foi assaltado. “Dei uma sorte muito grande que o assaltante me reconheceu e pediu desculpas.” Infelizmente, Jô não foi ouvido sobre o episódio, o que certamente lhe causaria constrangimento. 

A série dirigida por Marco Antônio Araújo deixa no ar as perguntas que deixaram de ser feitas diante daquela figura mítica e sedutora. Doutor Castor não poupou a Rede Globo e escalou José Bonifácio de Oliveira Sobrinho, amigo de Andrade e ex-executivo da emissora, para explicar o tom chapa-branca com qual o bicheiro era tratado. “Eu não sou juiz nem nunca fui delegado. Para mim, o jogo do bicho é apenas uma contravenção. Criminosos eram as pessoas que estavam no governo.”

O documentário teve como uma de suas bases centrais o livro mais completo já produzido sobre o tema: Os Porões da Contravenção, de Aloy Jupiara e Chico Otavio, que são entrevistados. Entre desfiles e enredos que marcaram época no auge da Mocidade, Doutor Castor escancara o uso político do carnaval e mostra como a Liga das Escolas de Samba nasceu como uma espécie de agência reguladora do crime. 

Políticos eram seduzidos com o luxo nos camarotes da Sapucaí e depois agraciados com malas de dinheiro vivo. Também os atletas do Bangu e até juízes de futebol eram remunerados dessa maneira. Para além dos aspectos criminais, a série da Globo é também uma deliciosa viagem no túnel do tempos dos boleiros. 

Nos tempos áureos de Castor de Andrade, quando a compra e venda do passe de atletas se dava muitas vezes em negociações de pontos do jogo do bicho, o Bangu foi a sensação do futebol fluminense e chegou até a Libertadores. Foi favorito na final do Campeonato Brasileiro de 1975, mas deixou escapar o título nos pênaltis, diante do Coritiba. 

O time tinha um dono, mas era administrado de forma libertária. O time de Moça Bonita contou com grandes nomes como Marinho, Ado, Arturzinho, Neto e Mauro Galvão. Como cartola, Castor era generoso, mas impiedoso. Andava sempre armado e estimulou seus capangas a agredir árbitros. 

Depois da morte do bicheiro, o império de Castor de Andrade se tornou palco de uma guerra fratricida sangrenta que ainda hoje frequenta as páginas policiais. O Bangu está na série D do campeonato carioca e a Mocidade segue em compasso de espera até o fim da pandemia. 

Em tempos de pandemia, é preciso ouvir os cientistas e os humoristas. Não se sobrevive a um ano de notícias ruins, distanciamento social e com todo tipo de tragédias e restrições sem um pouco de comédia. “A única coisa boa desta pandemia é que os casados agora estão transando! Eu mesmo senti uma diferença. Minha mulher começou a ter mais vontade e querer mais sexo durante a pandemia. O que me fez pensar... Será que ela sempre teve essa vontade? Só que agora só tem eu ali”, contou Diogo Portugal, um dos precursores do Stand-up Comedy no Brasil.

Fazer graça com a covid e suas consequências foi quase inevitável para quem trabalha com humor. “Nós, os humoristas, fomos diretamente afetados pelo distanciamento social. Ficamos sem trabalhar, pois dependemos de um mínimo de aglomeração que é o público. O que nos sobrou, enquanto comediantes, foi fazer piadas com a situação, sobre a vida no confinamento, produzir conteúdos online, eventos por Zoom”, disse Portugal. 

A questão é (e sempre será) o tom ou o tal limite do humor. É possível fazer piada com algo tão sério? Para o humorista e músico Rafael Cortez trata-se de ter sensibilidade. “Eu me imponho a falar sobre o tema, a selecionar o que pode funcionar e que não soe de mau gosto. O meu humor não é à custa da chacota ou do sofrimento dos outros... Falo no meu show sobre isolamento social, sobre aquilo que estamos todos vivendo, mas não falo sobre morte, desemprego, intubação...”

Cortez contou que seu show Antivírus foi todo criado a partir das observações que fez no auge da pandemia. “Eu colocava a minha máscara e saía andando pelo calçadão do Sumaré (bairro paulistano) para olhar o entorno. Aí, percebia, por exemplo, as pessoas nas janelas, nas varandas, talvez fofocando coisas como ‘você viu o vizinho usando o auxílio emergencial para pedir pizza’”, brincou.

Alguns humoristas têm uma abordagem diferente e não acreditam em nenhum limite para o humor – mesmo em tempos pandêmicos. “Humor não tem limites, mas hoje em dia não duvido que uma piada sobre a covid faça alguém se ofender em nome do vírus. Talvez justifiquem que não posso fazer piadas, pois não sou um vírus e ali não é meu lugar de fala. Piadas não degradam o ser humano, apenas lembram que ele é um ser degradado”, comentou o comediante Léo Lins.

É inegável que a pandemia, e seus desdobramentos, oferece um farto material para a comédia. “A prefeitura de Nova York chegou a lançar um manual do sexo durante a pandemia – com recomendações técnicas e conselhos do tipo ‘masturbação é o tipo de sexo mais recomendável’”, falou a atriz e comediante Angela Dippe. 

Não à toa Angela está escalada para uma apresentação no Theatro São Pedro, em Porto Alegre, nos dias 10 e 11 de março, com a estreia do Protocolo Sexual Pandêmico. “Acho que o humor tem um salvo-conduto para brincar, mas com noção e bom senso. No meu espetáculo tenho coisas como: ‘Sempre gostei de sair com caras mais jovens, o problema é que as crianças são assintomáticas’. Ou diria que transar com os vacinados é mais seguro. Ou seja, com os maiores de 80 anos”, disse. 

Angela lembrou que durante a pandemia os comediantes também viraram “um pouco ativistas”. “Não brigamos por políticos, mas por uma causa. Com lives e outras ações, acredito que conseguimos alertar as pessoas para os cuidados contra a covid de uma forma legal”, finalizou.

Especializado em falar com professores, o comediante Diogo Almeida revelou que o cotidiano de seu público foi um prato cheio para o humor durante a covid. “Essa adaptação para o home, as aulas virtuais, tudo isso rendeu muito”, afirmou. 

“Os professores já estão preocupados com os nomes dos seus futuros alunos, em um mundo pós-pandemia. Imagina a ‘Ana Cloroquina’, a ‘Aztrazenica’, o ‘Pazuelozinho’”, enumerou Almeida. Aliás, como você mantém as escolas abertas no meio de uma pandemia se uma criança sozinha já é uma aglomeração? Não por acaso os pais já colocam nomes compostos como ‘Pedro Henrique’, ‘João Guilherme’... Dentro dessas crianças, já mora mais de uma pessoa”, completou.

Para o também humorista Emerson Ceará, a comédia busca brechas na realidade. “Tem a vacinação, gente que não quer se vacinar, lockdown, home office, Big Brother Brasil...Tudo o que está no nosso cotidiano pode virar piada”, contou Ceará. O humorista chegou a pegar covid e, sem grandes complicações, escreveu textos sobre a doença. “Eu falo que peguei covid e tentei passar para quem não gostava – inclusive minha sogra.”

Já a comediante Bruna Braga, que disse não ter escrito especificamente nenhuma piada sobre o vírus, vive um bom momento profissional. “Quando a pandemia começou, eu tinha 80 reais na conta. Agora, as coisas melhoraram. No início, chorei em posição fetal como todo brasileiro. Depois, fui atrás, prospectei clientes, fiz shows online para empresas, happy hour online e aniversário de tia pelo Zoom. As pessoas estão buscando entretenimento nesta pandemia”, garantiu. 

Bruna afirmou que a demanda do humor aumentou porque o público o está reconhecendo como ferramenta para amenizar este período de sofrimento e para a saúde mental. “O humor não substitui medicação nem psiquiatra, mas consumir comédia faz bem, cria empatia e produz relaxamento. Acho que, por isso, os próprios humoristas estão mais cuidadosos com o trabalho e se dando mais importância.” 

Gilberto Gil divulgou ontem uma canção nova, uma rara criação, a primeira sua inédita feita desde o início dos tempos da pandemia, em março de 2020. A música é um samba e se chama Refloresta, com a participação sutil e delicada de uma instrumentação armada pelo filho Bem Gil na guitarra e no sintetizador e de seus também herdeiros do grupo Gilsons, o snetos Francisco Gil na guitarra e na voz; João Gil no baixo e cavaquinho; e José Gil na bateria, percussão e samples.

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A canção é uma encomenda de justa causa feita por Lélia Deluiz Wanick Salgado e Sebastião Salgado, líderes do Instituto Terra, uma ONG que preza pela preservação do meio ambiente. Espalhar a ideia do reflorestamento urgente e combater ao mesmo tempo o desmatamento é sua maior preocupação. Gil inspirou-se logo e fez uma canção à altura de seus grandes sambas, desenvolvendo a ideia dos “res” que já renderam a ele toda uma trilogia de álbuns: Refazenda (1975), Refazela (1977) e Realce (1979). A "refloresta" poderia ser tema de um quarto álbum, tamanho o arco criativo que faz abrir sobre a obra do baiano. Vale citar a condução primorosa do vídeo (em tempos de se trabalhar com a limitação de gravações) nas mãos da diretora Ivi Roberg e na produção de Piloto. 

Morreu na última quinta-feira, 18, aos 96 anos de idade, o diretor de TV e escritor italiano Guido Stagnaro, o "pai" do personagem Topo Gigio, o inocente ratinho bochechudo e de orelhas grandes que conquistou crianças no mundo inteiro.

Stagnaro faleceu em Milão, vítima da covid-19, mas sua morte foi divulgada apenas neste sábado.20. Considerado um dos pioneiros da televisão na Itália, ele escreveu e dirigiu dezenas de atrações, especialmente infantis, na emissora pública Rai e depois em canais privados.

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Sua criação mais famosa é o ratinho Topo Gigio, mas ele entregou os direitos do personagem para o casal Federico Caldura (fabricante de fantoches) e Maria Perego (artista de animação, produtora e roteirista da Rai), que o transformariam em sucesso mundial.

Topo Gigio estreou em 1959, dublado inicialmente pelo cantor Domenico Modugno, e é presença constante na TV italiana desde então. O fantoche também fez sucesso em dezenas de países, incluindo o Brasil, onde chegou em 1969, no programa Mister Show, da TV Globo, contracenando com o humorista Agildo Ribeiro.

Regina Duarte e Topo Gigio, uma dupla de sucesso. Atriz também contracenou com o ratinho, que era adorado pelas crianças no programa da TV Globo em 1970. 

Stagnaro abriu mão dos direitos do personagem para se dedicar a outros projetos. 

O tempo não anda lá muito propício para a sutileza, mas de vez em quando o cinema vem nos relembrar essa dimensão um tanto esquecida da experiência humana. É o caso de Perfil de Uma Mulher, de Kôji Fukuda, em cartaz nos cinemas. 

Antes de falar sobre o filme propriamente dito, queria lembrar de um comentário de Roland Barthes sobre as diferenças entre a cultura ocidental e a oriental, baseando-se no simples uso dos artefatos para alimentação. Com o garfo e a faca, os ocidentais espetam, cortam e despedaçam o alimento. Comer é um ato de violência. Os orientais se utilizam dos hashi, os populares “palitinhos”, com os quais separam, agregam ou misturam os alimentos antes de levá-los à boca. Comer é um ato gentil. Desse modo, a sutileza oriental expressa-se nos hábitos de alimentação, mas é algo presente no conjunto das atitudes sociais. É um ethos. Uma mentalidade. 

Ishiko (Mariko Tsutsui) é uma cuidadora de idosos. Trabalha numa casa, cuja matriarca é acometida de um câncer em fase terminal. Essa senhora é uma pintora, informação que tem um valor adicional para o espectador. Além de cuidar da anciã, Ishiko dá aulas complementares a suas duas netas. Tudo nela respira dedicação e competência. 

Há um momento, em aparência inócuo, quando, numa lanchonete, Ishiko apresenta um sobrinho às duas meninas. O que se segue, é uma tempestade perfeita, com um crime cometido, repercussões policiais, familiares e sociais. Ishiko, que não tem nada a ver com a história, ou, em todo caso, pouco a ver, sofrerá consequências bastante pesadas quando aflora o outro lado dessa civilização da delicadeza e dos gestos elegantes. 

Perfil de Uma Mulher é, assim, um estudo de caso sobre como a culpa pode se transferir sobre uma pessoa inocente. Lembremos, é um tema obsessivo de Hitchcock, um católico atormentado pelo pecado original. Não importa muito que Ishiko nada tenha a ver objetivamente com qualquer crime, que seja uma pessoa não apenas inocente, como gentil e prestativa. A culpa respinga sobre ela e não há nada a fazer uma vez que a sociedade tenha decretado que ela tem parte da responsabilidade. 

O filme é construído de forma oblíqua. Flutua entre dois tempos. No presente, quando a personagem sofre com o isolamento. No passado, quando encontra-se em plena atividade e parece ter um futuro cheio de perspectivas interessantes. 

Há também divagações, quando novas camadas de significado vão sendo depositadas, da mesma maneira que um pintor adiciona tinta sobre tinta para obter o efeito desejado. Por exemplo, quando Ishiko e uma das meninas da família, Motoko (Mikoko Ichikawa), trocam confidências durante um passeio pelo zoológico. É então que temas como a sexualidade afloram e dão novo contorno à história e às relações entre os personagens. 

Além da condenação social, da sexualidade reprimida e do machismo estrutural, Perfil de Uma Mulher aborda também o tema da imprensa sensacionalista, ávida por escândalos. Na verdade, são temas entrelaçados entre si, como engrenagens que funcionam apenas quando conectadas. O desafio civilizatório seria desfazer os elos entre preconceitos, machismo, sexo visto como pecado, o prazer voyeurista com a desgraça alheia. Essas peças, funcionando em conjunto, destroem vidas. 

O poeta e letrista José Carlos Capinan, ou simplesmente Capian, que completa 80 anos nesta sexta-feira, 19, serátema central da série documental O Silêncio que Canta por Liberdade. Com estreia programada para o segundo semestre, no canal Music Box Brazil, produção resgatará sua trajetória artística do letrista durante a ditadura militar. 

Dirigida pela atriz Úrsula Corona e idealizado por Omar Marzagão, série terá oito episódios e contará com documentos originais, imagens de arquivos e depoimentos sobre censura e repressão imposta na música nordestina no período da ditadura no Brasil. 

O Silêncio que Canta por Liberdade traz depoimentos de produtores, instrumentistas e intérpretes, como Gal Costa e Gilberto Gil. Mas é o próprio Capinan que aparece para falar, por exemplo, sobre o surgimento do samba e suas raízes nos porões dos navios negreiros. 

Um dos nomes de destaque do Tropicalismo, Capinan assinou a letra de canções que se tornaram populares pelo Brasil afora, mas que, muitas vezes, não tem seu nome citado. Ponteio marca sua parceria com Edu Lobo, que ganhou o Festival da Canção de 1967.  Entre outras composições, só para citar algumas, que ele colocou sua poesia, tem Água de Meninos, parceria com Gilberto Gil; O Acaso não Tem Pressa, com Paulinho da Viola; Cidadão, com Moraes Moreira; Moça Bonita, com Geraldo Azevedo; Movimento dos Barcos, com Jards Macalé; Papel Marchê, com João Bosco; Pitanga, com Marlui Miranda. 

O Tempo e o Rio

(Edu Lobo e Capian)

O tempo é como o rio

Onde banhei o cabelo

Da minha amada

Água limpa

Que não volta

Como não volta aquela antiga madrugada

Meu amor, passaram as flores

E o brilho das estrelas passou

No fundo de teus olhos

Cheios de sombra, meu amor

Mas o tempo é como um rio

Que caminha para o mar

Passa, como passa o passarinho

Passa o vento e o desespero

Passa como passa a agonia

Passa a noite, passa o dia

Mesmo o dia derradeiro

Ah, todo o tempo há de passar

Como passa a mão e o rio

Que lavaram teu cabelo

Meu amor não tenhas medo

Me dê a mão e o coração, me dê

Quem vive, luta partindo

Para um tempo de alegria

Que a dor de nosso tempo

É o caminho

Para a manhã que em seus olhos se anuncia

Apesar de tanta sombra, apesar de tanto medo

Apesar de tanta sombra, apesar de tanto medo

Pela primeira vez, a Divina Comédia de Dante Alighieri será apresentada na TV italiana de maneira completa. Serão três cantos lidos diariamente pela atriz Lucilla Giagnoni em transmissões diárias da RAI5 entre 21 de fevereiro e 25 de março.   

A data final não foi escolhida por acaso, já que é o dia em que se celebram os 700 anos da morte de Dante Alighieri. O projeto de Giagnoni ganhou muita notoriedade na internet já que, no ano passado, ela narrou a obra, um canto por dia, em uma série que virou febre no YouTube.   

A artista gravou cada episódio no Teatro Faraggiana de Novara, durante o primeiro lockdown por conta da covid-19, com a produção da filha, Bianca Pizzimenti, e do marido, o musicista Antonio Paolo Pizzimenti. Eles receberam uma autorização especial da prefeitura local para usar o teatro, que estava fechado por conta das regras sanitárias.   

“Um feito nunca realizado. Sou a primeira pessoa em todo o mundo a ter lido em vídeo toda a Divina Comédia. Dante, na realidade, está cheio do ‘agir’ feminino, que não quer dizer ser uma mulher. Não existe outro poeta que soube criar uma imagem, um repertório assim estupendo entre psique, homem e cosmos. Tudo através da linguagem do amor”, disse Giagnoni à ANSA.   

Mesmo com a pandemia, a Itália prepara uma série de eventos culturais – presenciais ou virtuais – para lembrar a memória e a herança de Dante.

No 44.º aniversário de morte de Elvis Presley, os fãs terão a chance de homenagear o músico de novo - na Semana Elvis - em Memphis, no Tennessee.

Graceland, o museu dedicado a Elvis Presley, que funciona onde ele viveu, está se preparando para receber visitantes e para oferecer eventos presenciais entre os dias 11 e 17 de agosto.

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Os organizadores disseram que os protocolos sanitários serão seguidos, incluindo a obrigatoriedade do uso de máscaras, medição de temperatura e distanciamento social.

O evento contará com a presença de celebridades e músicos, shows ao vivo, debates, festas, excursões de ônibus e o concurso em homenagem a Elvis Presley, informou a Elvis Presley Enterprises.

O evento principal, mais uma vez, será uma vigília à luz de velas no túmulo do cantor. Desde a morte de Elvis Presley, em 16 de agosto de 1977, seus fãs se reúnem em Memphis para comemorar sua vida e carreira na semana que antecedeu seu aniversário de morte. Por causa da pandemia de coronavírus, os eventos da Semana Elvis foram realizados principalmente online no ano passado.

O músico Izael Caldeira, integrante do grupo Demônios da Garoa, morreu na noite desta segunda-feira, 15, vítima de covid-19. Ele estava internado desde o começo do mês para tratar a doença. Izael tinha 79 anos, completados no último 27 de janeiro. 

Em nota publicada em rede social, a banda diz que “perdemos uma das vozes mais lindas desse País, um ser humano ímpar e que vai deixar muitas, mas muitas saudades”.

É curioso ouvir Sérgio Mendes dizer que errou o tempo. “Foi o pior timing do mundo”, fala ao Estadão, por telefone, de sua casa, em Los Angeles. Ele, o músico criador da sonoridade que bateu nos norte-americanos como o “groove brasileiro”, um derivado mais dançante do que a bossa nova, embaixadora inconteste no exterior até o lançamento de sua versão de Mais que Nada, de Jorge Ben, lançada em 1966, no álbum Herb Alpert Present’s Sergio Mendes & Brasil’ 66.

Sérgio, vendedor à época de assustadores 1 milhão de discos nos Estados Unidos e dono de um hit com alto poder de contágio nas rádios enquanto os Beatles lançavam Revolver, falando de tempo errado. Não é verdade. O tempo estava certo. Era 2020, às vésperas de completar 80 anos, bem apropriado para colocar nas plataformas um álbum cheio de convidados especiais e composições novas a fim de confirmar o quanto seu som se tornou uma marca ainda reverenciada por um extenso arco de artistas da nova geração, de rappers a astros do reggaeton, que o querem por perto.

Jobim nunca se afastou de seu repertório, mas talvez o jornalista se refira ao tratamento das gravações. E ele acerta ao falar do “rosto para os sons alegremente sofisticados do Brasil.” Seu novo álbum, lançado 55 anos depois de Mas Que Nada, preserva o otimismo dos tempos em que levou um outro sol à Califórnia. De produção volumosa e com muitas participações, como gosta Mendes, ele não tem as sutilezas preservadas no passado de 1966, como Going Out Of My Head, ou reverências mais delicadas, como sua versão de O Pato. In The Key of Joy tem bases rítmicas poderosas e arranjos transbordantes para a série de convidados que chegam reforçando a ideia de Brasil turístico de Sergio Mendes com a qual o pianista construiu sua marca.

Sobre o fato de ter feito sua carreira à base de encontros, ele diz: “É isso mesmo, sempre foi assim.” E de ter extraído seu Brasil de uma ideia paradisíaca que, na prática, pode nem mais existir, fala o seguinte: “Eu cheguei aqui (aos Estados Unidos) em 1964. Já foram tantos governos (no Brasil) de lá para cá... Como não estou aí, fica difícil fazer um julgamento à distância.” 

Mas os dias de pandemia parecem ter escancarado um pouco mais o que é esse Brasil distante de sua música. “Vejo de longe como o País está sendo administrado e dá uma grande tristeza, triste ver ainda esse negacionismo (com relação à pandemia). Passamos por isso aqui também. Eu acredito que não posso deixar isso afetar o meu trabalho, não podemos perder a esperança. Precisamos continuar dando prazer às pessoas.”

Assim, à parte de uma crítica que pode vê-lo com certo alienismo, Mendes revela seu engajamento como embaixador não oficial de um lugar que precisa resistir ainda que seja apenas na ideia. “A música se torna o único refúgio no qual você pode se expressar.”

Repertório. As bases de samba de seu álbum, e ele está sempre apoiado a elas, foram gravadas no Brasil para receberem a voz do engajado rapper norte-americano Common (em Sabor do Rio), do sambista Rogê e da mulher de Mendes, Gracinha Leporace (em Bora Lá), da jovem Sugar Joans (em Samba in Heaven), de Hermeto Pascoal e Gracinha (em This is It) e de seu talismã das restaurações will.i.am em Água de Beber, uma escolha talvez estratégica se lembrarmos da revisão estrondosa que o Black Eyed Peas, de will.i.am, fez com Sérgio em 2006 ao relançar Mas Que Nada no disco Timeless.

Água de Beber tem um potencial de pista incontestável e vem pronta para as adorações cool que permeiam a carreira de Mendes, mas não havia clima em fevereiro de 2020 para que os volumes fossem aumentados. “Quero fazer uma turnê com esse repertório no ano que vem”, ele diz, já vacinado com a primeira dose do imunizante contra a Covid-19. Seu tempo de isolamento foi aproveitado para assistir a muitos filmes das plataformas de TV e fazer em casa tudo mais o que a estrada não o permitiu que fizesse por anos.

Documentário. Ao mesmo tempo em que pode falar do álbum como novidade, Sergio anuncia um documentário com o mesmo nome do disco, feito pelo diretor John Scheinfeld, autor de filmes sobre as vidas de Harry Nilsson, John Lennon e John Coltrane. “Eu senti fortemente que este filme precisava ser um contraponto à toda escuridão vinda de Washington e à polarização política que domina a paisagem cultural hoje em dia”, disse o cineasta, antes da eleição de Joe Biden. Além de depoimentos de Quincy Jones, will.i.am, John Legend e Carlinhos Brown, há histórias de encontros com Frank Sinatra, Elvis Presley e Stevie Wonder. “Sergio traduziu o que estava acontecendo no Brasil para o resto do mundo”, diz will.i.am. 

Sergio fala que seu contato com músicos jovens, como Sugar Joans ou a dupla colombiana Cali Y El Dandee, com quem faz La Noche Entera, vem da mesma curiosidade que o levou aos Estados Unidos nos anos 60. “Tudo tem a ver com essa minha vontade de conhecer gente nova. Recebo muitas coisas de outros países. Às vezes, esse encontro existe, às vezes não.” Uma de suas histórias mais saborosas, que recorda na entrevista, foi a que se passou logo depois de sua gravação da canção assinada por Lennon e McCartney, mas feita de fato por Paul, The Fool on The Hill, do LP de mesmo nome, lançado por Sergio em 1968. Os Beatles haviam lançado a música em Magical Mystery Tour um ano antes. Paul ouviu a versão de Sérgio e escreveu uma carta ao brasileiro, dizendo ser aquela a mais bela regravação de sua música. Ao menos, até ali. Imaginário ou real, o Brasil de Sergio Mendes segue indestrutível aos olhos de um mundo que, da tríade carnaval, futebol e samba, parece estar comprando apenas a música. 

A pandemia da covid-19 pariu um fevereiro sem carnaval. Um mês de sambódromo vazio. Ruas sem bloquinhos e quadras de escola de samba em silêncio. A memória de outros fevereiros, a esperança pelo próximo ou a folia possível é o que tem alimentado figuras proeminentes da nossa folia.

Não bastasse o aviso de todos os cientistas e os números trágicos do coronavírus, o fato de um fevereiro chegar sem nenhuma foto de “Alessandra Negrini no Baixo Augusta” estampando as capas de jornais ou revistas é a prova que vivemos, definitivamente, tempos de exceção. 

Mas a rainha do bloco, Alessandra Negrini, 50 anos, não chora o confete derramado. Ao invés de brigar com os fatos, prefere trazer seus arlequins, pierrots e colombinas à razão. “Eu não sou uma pessoa que se deprime e fica remoendo aquilo que não é possível mudar. É claro, é chato, é triste, mas a gente precisa ter prioridades. Vamos guardar energia para o próximo”, falou Alessandra.

Mas se não tem bloco na rua, não tem escola na avenida. Por isso, o sentimento da presidente da Rosas de Ouro Angelina Basílio, 63 anos, ao entrar em um sambódromo vazio não cabe nessa página. "Tentei trabalhar a cabeça para ficar bem durante a pandemia. Mas ver a avenida vazia...Eu choro só de ver as fotos que as pessoas colocam nas redes sociais sobre outros carnavais”, confessou. 

Angelina conta que no início da pandemia achou, como muitos, que o pesadelo duraria apenas dois meses e que logo a agitação do barracão seria retomada. “Vivemos um filme de ficção científica. É surreal”, afirmou. 

Mas a carnavalesca segue firme no propósito de respeitar o distanciamento e não se arriscar na pandemia. “As escolas perderam muitos integrantes para esse vírus. A covid-19 tirou o que eu mais gostava na vida. Só não desfilei duas vezes na minha vida, quando o médico não deixou por causa da gravidez e quando minha mãe morreu. Mas, mesmo assim, estava assistindo os desfiles. Tem sido muito pesado, mas não podemos desanimar”, completou.

A presidente da Rosas de Ouro acredita que o carnaval sem covid e com vacina vai ser o melhor da história. “Imagino as quadras reabrindo, o sambódromo cheio. Vai ser um momento de revalorização da nossa cultura e identidade”, avisou.

O carnavalesco André Machado, 46 anos, está no time daqueles que não se conformam com um fevereiro assim tão sem cor. No meio do samba e do carnaval desde os 7 anos, e com passagem por algumas das principais escolas de São Paulo, essa vai ser a primeira vez que ele não está na quadra, na avenida ou nos barracões. “Está sendo estranho. Tenho assistido a desfiles antigos para matar a saudade. Já vi compacto dos desfiles dos anos 80, 81, 82, 83”, diz.

Para não esmorecer, Machado inventou uma brincadeira com a família. Com mulher e filhos fantasiados, ele vai armar um baile de carnaval dentro de casa. “Vou colocar umas marchinhas no YouTube e brincar o carnaval no isolamento. Não quero que passe em branco. Vai ter confete, serpentina e tudo o que tem direito”, disse. “Nessa época, eu estaria desfilando ou dando os últimos retoques nos carros. Fico acordado até às duas da manhã pensando nisso. Mas sei que, no ano que vem, teremos o melhor carnaval das nossas vidas", afirmou.

Eliana de Lima, 59 anos, consagrada cantora e intérprete de samba-enredo, responsável por momentos marcantes do carnaval de São Paulo, como a defesa do samba Filhos da Mãe Preta (Unidos do Peruche – 1988) ao lado de Jamelão, fala do buraco deixado por essas semanas sem carnaval. "Como brasileira, a gente sente um vazio, a falta de alguma coisa, mas hoje seria impossível. O mais importante é a vida e a saúde", disse. 

“Lembro da torcida da escola gritando meu nome, a sirene que toca para dar início ao desfile. O coração chega a sair pela boca de tanta emoção”, diz Eliana – que para não deixar a peteca carnavalesca cair já está programando lives durante o carnaval. “Vinte anos da minha vida foram dedicados ao carnaval. Ele me abriu muitas portas. Mas carnaval vai ter sempre. Não podemos lastimar, temos que seguir”, completou. 

Quando Gal Costa, em dezembro, foi anunciada como atração do Coala Festival - previsto para acontecer em setembro - cerca de 9 mil ingressos foram vendidos em 24 horas. O Coala é um festival voltado para a nova música brasileira, ou para aquela que não ocupa os espaços convencionais de divulgação. Gal, em tese, não se encaixaria nesse perfil. 

Porém, desde 2011, quando lançou Recanto, álbum dirigido por Caetano e Moreno Veloso, a cantora abriu diálogo com o público mais jovem. Na transposição desse disco para o palco, canções como Baby, Divino Maravilhoso e Vapor Barato bateram forte em uma nova geração. 

Esses novos seguidores - anônimos ou famosos - a acompanharam em álbuns posteriores, como Estratosférica e A Pele do Futuro. É esse público que anseia vê-la em um festival, em um ambiente mais descontraído e com preços mais acessíveis do que os das grandes casas de shows.

No final 2019, quando os cantores Rubel e Silva participaram de apresentações de Gal, o produtor Marcus Preto sugeriu que Gal fizesse um EP com quatro músicas que trariam duetos com, além dos dois, Criolo e Tim Bernardes. As bases foram feitas, mas a cantora não colocou a voz à época.

Durante o isolamento, no ano passado, em uma conversa por telefone com Preto, Gal decidiu retomar a ideia, justamente impulsionada por essa percepção de que os jovens estão cada vez mais à procura da obra produzida por nomes de sua geração - Caetano, Gilberto Gil, Milton Nascimento e Maria Bethânia, entre outros. Quis retribuir.

O projeto do EP ganhou força e foi ampliado. Juntaram-se aos participantes iniciais, Zeca Veloso, Zé Ibarra, Rodrigo Amarante, Seu Jorge, Jorge Drexler e António Zambujo. O álbum ganhou o nome de Nenhuma Dor e, depois do ser lançado em formato digital, ganha versões em CD e vinil nesta sexta, 12. 

Gal, em conversa por telefone com o Estadão, comentou a valorização da música que ela e seus parceiros produziram. “A bossa-nova foi um movimento muito moderno, e somos filhos dela. Temos uma visão aberta e consistente do mundo - além do talento, claro. Esse é um dos motivos da longevidade da minha geração. Estamos em um período difícil e a música cura. Me curou todas as vezes. As pessoas estão ouvindo músicas do passado em busca de um tempo melhor do que o que estamos vivendo.” Por conta da pandemia, o disco foi gravado a distância. Os convidados mandavam as bases e as vozes. Alguns deles produziram suas próprias faixas. Outras receberam a atenção de Felipe Ventura Pacheco, também responsável pelas cordas do álbum. Por fim, Gal gravou sua parte.

Nenhuma Dor olha para o repertório de Gal gravado entre os anos 1960 e 1970, o mais cultuado de sua carreira, com exceção da faixa Meu Bem, Meu Mal, de Caetano Veloso, que ela lançou no LP Fantasia, de 1981. A canção é dividida com Zé Ibarra, da Banda Dônica. O nome do álbum, inicialmente divulgado como Gal 75, em referência à idade da cantora, é o título da música escolhida por Zeca Veloso, filho de Caetano, que está no disco Domingo, de 1967, que tinha Caetano e Gal nos vocais. 

Nenhuma Dor é uma canção de amor que Caetano assina com Torquato Neto (1944-1972), poeta piauiense de quem Gal guarda uma estranha lembrança. “Ele tinha as mãos muito frias. Frias e molhadas. Ele tocava em mim e isso me dava certa aflição. Mas era uma pessoa muito amorosa. Lembro da gente andando pelo Rio de madrugada”, diz Gal.

O português António Zambujo, um dos nomes sugeridos por Gal, escolheu Pois É, de Tom Jobim e Chico Buarque, presente no álbum Água Viva, de 1978. “Gal me confidenciou que havia cantado essa canção apenas no dia da gravação do disco. Depois, nunca mais”, diz Marcus Preto. O arranjo é centrado nas cordas pilotadas por Felipe Pacheco Ventura, que também assina a produção dessa faixa e de Paula e Bebeto, na qual Gal juntou sua voz à de Criolo.

Tim Bernardes escolheu Baby por achar uma das melhores canções pop da música mundial; Rodrigo Amarante foi cogitado para Folhetim, mas sugeriu, por fim, Avarandado. Seu Jorge poderia ter ficado com Folhetim, mas faltava algo de Luiz Melodia e a escolhida foi Juventude Transviada, uma das canções preferida de Gal.

Negro Amor coube ao uruguaio Jorge Drexler, que a cantou em português praticamente sem sotaque. Assim foi montado o difícil quebra-cabeça de quem cantaria o quê.

Bem-humorada, Gal só perde a paciência quando pensa nas questões políticas brasileiras. E, se ela está falando cada vez mais com o público jovem, é essencial que ele queira saber de que lado ela está. Nas redes sociais, quem fica em cima do muro pode cair para algum dos lados, mesmo injusta ou involuntariamente. Gal prefere estar atenta e forte em sua posição.

“Sou contra esse governo. Ele tem propostas erradas Já fui muito criticada (nas redes) por expor a minha posição. Cruelmente criticada. Mas, se não gostar, vaza”, diz.

O pianista e compositor de jazz Chick Corea morreu no último dia 9 vítima de um câncer raro descoberto há poucos meses, informam textos postados em suas redes oficiais. Chick, nascido Armando Anthony ‘Chick’ Corea, tinha 79 anos e se tornou uma das lendas do jazz a partir do início dos anos 1970, quando seguiu os apontamentos de Miles Davis, inquieto com a perda de espaço do jazz para o rock em alta na época, e ajudou a fundar o subgênero conhecido como jazz rock, ou jazz fusion.

Sua aparição no meio foi com o grupo Return to Forever, por onde passaram instrumentistas como Stanley Clarke, Al Di Meola, Lenny White, Bill Connors e os brasileiros Flora Purim e Airto Moreira. Foi uma das maiores potências do fusion, ao lado do Weather Report e do Mahavishnu Orchestra.

Ele também tocou com Miles Davis por um curto tempo para substituir Herbie Hancock, chegando a tocar no importante álbum Bitches Brew e no Miles Davis at the Fillmore. A passagem pelo grupo o fez evoluir ao deixá-lo, investindo em um jazz de vanguarda.

Outra fase se apresenta nos anos 80, quando, em 1985, forma o grupo The Elektric Band, com o baixista John Patitucci, o guitarrista Frank Gambale, o saxofonista Eric Marienthal, e o baterista Dave Weckl. Durante a quarentena, Chick Corea fez lives de grandes audiências direto de sua casa e lançou um curso para alunos de música sem nunca perder o vigor de seus improvisos.

Um dos maiores nomes da canção francesa, Charles Aznavour (1924-2018) colecionou sucessos que ultrapassaram fronteiras, chegando ao Brasil, onde ele se apresentou em vários momentos. Sucessos atemporais, como mostram as cinco canções a seguir. Suas letras trazem um tom de nostalgia, sobre os bons tempos passados, além de apontar para um futuro mais humano e melhor. Ele inspira o documentário Aznavour por Charles, que reúne cenas rodadas pelo próprio cantor, em uma câmera de Super 8.

La Bohème (1965)

Uma das mais populares canções francesas, com sucesso mundial. A letra fala de um pintor que relembra os bons tempos de boemia passada no bairro de Montmartre, em Paris. A música foi gravada até em alemão e grego

Emmenez-moi (1967)

Novamente a nostalgia dá o tom à letra, ao revelar o desejo do narrador de escapar da miséria de sua vida cotidiana e viajar para países ensolarados. Um dos versos da música, "la misère serait moins pénible au soleil" (a miséria seria menos dolorosa ao sol), foi inspirado em uma viagem que Aznavour fez a Macau.

She (1972)

Um dos maiores sucessos de Aznavour em inglês, que gravou ainda versões em francês, italiano, espanhol e alemão. Elvis Costello fez uma versão em 1999, que integra a trilha do filme Um Lugar Chamado Notting Hill.

Que c'est triste Venise (1964)

Com letra de Françoise Dorin e música de Aznavour, a canção fala de como Veneza parece triste aos olhos de quem não ama mais. Lançada em 1964, foi também um sucesso internacional.

The Sound of Your Name (1994)

Uma das canções interpretadas ao vivo no Palais des Congrès, em Paris, onde Aznavour se apresentou ao lado de Liza Minnelli. Depois da abertura instrumental, essa foi a primeira música apresentada pela dupla. Liza e Aznavour eram grandes amigos. "Charles foi meu mentor, meu amigo, meu amor. Sentirei saudades dele para sempre", disse Liza, depois da morte do cantor.

O Oscar 2021 definiu os filmes indicados para a sua shortlist, uma lista prévia em nove das categorias da grande premiação do cinema internacional. Apesar de concorrentes como Babenco: Alguém tem que Ouvir o Coração e Dizer: Parou, de Bárbara Paz, nenhum filme brasileiro marcou presença entre os indicados.

Entre as categorias que tiveram alguns de seus candidatos revelados, estão Filme Internacional, Documentário, Trilha Sonora, Canção Original, Maquiagem, Efeitos visuais e Curtas. A lista final de indicados em todas as categorias será revelada em 15 de março. 

A cerimônia do Oscar 2021, que será a 93ª edição da premiação, está marcada para o dia 25 de abril, no Teatro Dolby, em Los Angeles, nos Estados Unidos. São elegíveis ao Oscar 2021 filmes lançados entre 1 de janeiro de 2020 e 28 de fevereiro de 2021.

Confira os pré-indicados ao Oscar 2021:

Documentário

All In: The Fight for Democracy

Boys State

Collective

Crip Camp

Dick Johnson Is Dead

Gunda

MLK/FBI

The Mole Agent

My Octopus Teacher

Notturno

The Painter and the Thief

76 Days

Time

The Truffle Hunters

Welcome to Chechnya

Curta documental

Abortion Helpline, This Is Lisa

Call Center Blues

Colette

A Concerto Is a Conversation

Do Not Split

Hunger Ward

Hysterical Girl

A Love Song for Latasha

The Speed Cubers

What Would Sophia Loren Do?

Filme Internacional

Bosnia and Herzegovina, Quo Vadis, Aida?

Chile - The Mole Agent

República Checa - Charlatan

Dinamarca - Another Round

França - Two of Us

Guatemala - La Llorona

Hong Kong - Better Days

Irã - Sun Children

Costa do Marfim - Night of the Kings

México - I’m No Longer Here

Noruega - Hope

Romênia - Collective

Rússia - Dear Comrades!

Taiwan - A Sun

Tunísia - The Man Who Sold His Skin

Maquiagem

Aves de Rapina 

Emma

The Glorias

Hillbilly Elegy

Jingle Jangle: A Christmas Journey

The Little Things

A Voz Suprema do Blues

Mank

Uma Noite em Miami…

Pinocchio

Trilha sonora original 

Ammonite

Blizzard of Souls

Destacamento Blood

O Homem Invisível

Jingle Jangle: A Christmas Journey

The Life Ahead (La Vita Davanti a Se)

The Little Things

Mank

O Céu da Meia-Noite

Minari

Mulan

News of the World

Soul

Tenet

Os Sete de Chicago

Canção original

Turntables, de All In: The Fight for Democracy

See What You’ve Done, de Belly of the Beast

Wuhan Flu, de Borat: Fita de Cinema Seguinte

Husavik, de Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga

Never Break, de Giving Voice

Make It Work, de Jingle Jangle: A Christmas Journey

Fight For You, de Judas and the Black Messiah

lo Sì (Seen), de The Life Ahead (La Vita Davanti a Se)

Rain Song, de Minari

Show Me Your Soul, de Mr. Soul!

Loyal Brave True, de Mulan

Free, de The One and Only Ivan

Speak Now, de Uma Noite em Miami...

Green, de Sound of Metal

Hear My Voice, de Os Sete de Chicago

Curta de animação 

Burrow

Genius Loci

If Anything Happens I Love You

Kapaemahu

Opera

Out

The Snail and the Whale

To Gerard

Traces

Yes-People

Curta-metragem

Bittu

Da Yie

Feeling Through

The Human Voice

The Kicksled Choir

The Letter Room

The Present

Two Distant Strangers

The Van

White Eye

Efeitos especiais

Aves de Rapina

Bloodshot

Love and Monsters

Mank

O Céu da Meia-Noite

Mulan

The One and Only Ivan

Soul

Tenet

Welcome to Chechnya

O retrato é uma das mais fascinantes e difíceis linguagens fotográficas. Sempre foi, desde a invenção da fotografia. Mas, ao longo desta história de 189 anos, muitos foram os fotógrafos que se destacaram nesta seara. O retrato não é apenas a confirmação do seu ser e estar no mundo, mas também pode ser crítico, amostra da sociedade, narrativa de um tempo. E assim tem sido. No Brasil, onde encontramos vários retratistas, uma se destaca pelas suas imagens potentes: Madalena Schwartz (1921-1993). 

Uma imigrante que sentiu na pele o que é ser segregada, mudar de país e encontrar sua representatividade. Madalena Schwartz é um exemplo de que a fotografia pode narrar sem ser declaratória. No ano de seu centenário, o Instituto Moreira Salles inaugura, nesta terça, 9, apenas uma parte, mas fundamental de seu olhar fotográfico: a exposição As Metamorfoses. A mostra exibe o ensaio no qual a fotógrafa registrou a cena alternativa de São Paulo, na primeira metade dos anos 1970, em plena ditadura militar. Há retratos de nomes como Ney Matogrosso e os integrantes do grupo Dzi Croquettes, até figuras hoje menos conhecidas. 

Seu trabalho com intelectuais e artistas pode ser relacionado com o que o fotógrafo francês Félix Nadar (1820-1910) fez no século 19, retratando artistas parisienses – quase que um dicionário imagético.

No Brasil, Madalena tomou conta de uma lavanderia, em São Paulo, na Rua Nestor Pestana, local de teatros, bares, boates e encontro de artistas. Em 1966, ingressou como aluna no Foto Cine Clube Bandeirante, escola que trouxe o modernismo para a fotografia no Brasil, com trabalhos experimentais como a fotografia surrealista de Thomaz Farkas (1924-2011). É sua epifania. 

Além disso, morava no icônico prédio Copan, no centro de São Paulo. Transformou sua casa em estúdio onde recebia e fotografava os personagens da vida noturna paulistana. Poucas fotos da exposição foram feitas em camarins. “Suas imagens não são uma fotografia crítica ou militante, mas trazem uma energia incrível da contracultura, da diversidade, da energia humana que estava circulando naquele momento”, relata Samuel Titan Jr., coordenador executivo do IMS que, ao lado de Gonzalo Aguilar, assina a curadoria da mostra. 

A importância do trabalho de Madalena Schwartz, cujo arquivo está no IMS (são 16 mil negativos, 450 fotos coloridas que retratam personalidades, povos do Norte e Nordeste e travestis e transformistas), está em ajudar a compreender um importante período da sociedade brasileira. E, além das fotos de Madalena, a exposição traz imagens de autores latino-americanos que, também na década de 1970, retrataram cenas ou personagens que aparentemente estavam na invisibilidade. Em diálogo, a exposição traça um breve panorama da fotografia latina dedicada aos mesmos temas. São obras de coletivos e autores distintos, de países como Argentina, Chile e Bolívia. No total, a mostra reúne 112 fotografias de Madalena Schwartz, além de mais 70 itens, entre periódicos, documentos, filmes e imagens produzidas por outros fotógrafos. “Quisemos falar de Madalena trazendo também outros contemporâneos de sua época. Apresentar sua biografia também pela história da América Latina”, afirma Titan Jr.

Roberto Menescal costuma dizer que Nara Leão era a cantora “mais inteligente” do Brasil. O compositor fala com propriedade, afinal, ambos vitorienses radicados desde cedo no Rio de Janeiro, conheceram-se ainda na infância, tiveram aulas de violão com o mesmo professor e foram amigos e companheiros de trabalho de uma vida toda.

É justamente essa inteligência a que Menescal se refere – não está restrita ao intelecto, mas também à capacidade de Nara se mover dentro da música brasileira de maneira particularmente racional – que o jornalista Tom Cardoso destrincha no recém-lançado perfil Ninguém Pode com Nara Leão – Uma Biografia.

Cardoso parte da (já batida) rixa entre Elis Regina (1945-1982) e Nara (1942-1989) para mostrar como a segunda estava longe de ser purista e sempre antenada no que estava por vir. Elis, que, desde 1965, ganhara um programa de televisão, O Fino da Bossa, após se consagrar como vencedora do I Festival de Música Brasileira com Arrastão, viu a audiência do seu musical semanal cair pelas tabelas com o avanço da Jovem Guarda, comandada por Roberto Carlos e sua turma.

Elis, então, ao lado de Edu Lobo, Jair Rodrigues, Geraldo Vandré e o futuro tropicalista Gilberto Gil, saiu pelas ruas do centro de São Paulo em uma passeata de prestígio à música brasileira que entrou para a história como a Passeata Contra a Guitarra Elétrica, em 1965. Nara achou tudo um horror. O ocorrido alimentou a troca de farpas entre as duas por meio da imprensa.

Anos antes, Nara, chamada de musa da bossa nova, deu as costas para a turma que ensaiava no apartamento de seus pais, o advogado Jairo Leão e a professora Tinoca, de frente ao mar de Copacabana, e surpreendeu a todos ao gravar em seu disco de estreia, Nara, de 1964, sambas de Zé Kéti, Carlota e canções engajadas de Carlos Lyra e Vinicius de Moraes.

A versão consagrada é a de que Nara rompeu com a bossa ao terminar seu namoro, em 1961, com o produtor e letrista Ronaldo Bôscoli, um dos líderes do movimento e responsável por torná-lo comercial, após ser traída. Cardoso, discorda.

“Não podemos reduzi-la a isso. Ruy (Castro, autor de livros como Chega de Saudade e A Onda Que Se Ergueu no Mar) é meio que dono da história da bossa, mas acho que ele contou a versão do ponto de vista do Bôscoli. Não foi uma desilusão amorosa que moveu a Nara. Sem fazer muito barulho, de maneira muito natural, ela era totalmente de vanguarda. Quando todo mundo esperava que ela gravasse os sucessos da bossa em seu primeiro disco, Nara, que àquela altura já estava envolvida com o pessoal do CPC (Centro Popular de Cultura) e do Cinema Novo, foi buscar os compositores do morro”, diz.

Cardoso também esmiúça o entrevero que Nara teve com o Exército, em 1966, dois anos após o Golpe de 1964. Em uma entrevista ao jornal Diário de Notícias, Nara defendeu a extinção do exército e disse que o Brasil tinha outras prioridades como construir escolas e hospitais. Também afirmou que os militares podiam entender de canhão, mas não sabiam nada de política.

Os militares não gostaram nada do que leram. O pai de Nara foi convocado para das explicações à sede do Ministério da Guerra. Jairo Leão não abaixou a cabeça. Disse que a filha era maior de idade e livre para dizer o que pensava.

Mais tarde, quando a AI-5 aumentou a perseguição aos opositores da ditadura, Nara, já casada com o cineasta Cacá Diegues, mudou-se para Paris, no fim de 1969, depois de dar por encerrada a carreira de cantora. Lá, na vida cotidiana, com a primeira filha, Isabel, nos braços, faz as pazes com a bossa nova e grava uma verdadeira antologia do gênero, Dez Anos Depois, com 24 canções, a maioria de Tom Jobim.

A vida e carreira de Nara já foram temas de outras duas biografias. A primeira escrita pelo jornalista (e amigo da cantora) Sérgio Cabral, Nara Leão – Uma Biografia, foi lançada em 2000. Outra, de 2008, pelas mãos do também jornalista Cássio Cavalcante, com o título de Nara Leão: A Musa dos Trópicos, tem quase 700 páginas.

O leitor mais atento perceberá que há diferentes relatos para um momento importante da vida da cantora. Os primeiros sintomas da doença que matou a cantora – um tumor no cérebro – apareceram em 1979. Quase seis anos depois do primeiro diagnóstico, participado pelo médico ao pai de Nara, a cantora ainda não sabia – ou preferiu não tomar conhecimento – da doença que lhe causava tonturas e lapsos de memória.

Após consulta e exames nos Estados Unidos, Nara pediu a Miguel Bacelar, seu empresário, que lhe contasse qual era a doença que tinha. De acordo com o narrado por Cabral, a conversa se deu dentro de um táxi. No texto de Cardoso, a revelação foi feita a Nara na sala de seu apartamento, no bairro do Leme.

Como Nara, uma mulher que sempre teve as rédeas da vida bem firmes em suas mãos, por opção ou excesso de proteção, ficou alheia a tudo, impedida até de tomar decisões de onde ou com quem se tratar? Cardoso opina: “É uma história delicada. O pai sempre foi muito centralizador. Nara, apesar dos sintomas, continuava a produzir, fazer shows e discos. Penso que, da parte dela, também teve aquela história de empurrar com a barriga. Foi tudo muito estranho. Ela tinha consciência de que as pessoas ao seu redor sabiam, mas não queria falar da doença”, comenta.

Além de detalhes da doença que matou Nara em 7 de junho de 1989, aos 47 anos, Cardoso, que optou por privilegiar fatos ligados à carreira da cantora, avança em outros dois acontecimentos da vida íntima de Nara. Um deles é o suicídio de Jairo, pai da artista, no apartamento que morava, em 1981 – algo que Cabral não detalhou.

Da vida amorosa, traz à tona o envolvimento de Nara com o poeta Ferreira Gullar (1930-2016), em 1965. A cantora, segundo consta no livro, chegou a pedir que o escritor, à época, casado com a produtora Tereza Aragão, a acompanhasse por uma viagem que pretendia fazer pelo interior do Brasil. O romance não evoluiu, mas a amizade permaneceu.

Em tempos de música digital, no qual informações e fichas técnicas dos álbuns são raras, Ninguém Pode com Nara Leão peca por não trazer em seus anexos a discografia atualizada da cantora – muitos de seus discos ganharam faixas extras quando foram reeditados em CDs há vinte anos. Também há coletâneas importantes que chegaram ao mercado com raridades e um box que trouxe três apresentações ao vivo de Nara.

Elza Soares é vacinada contra covid-19. Foto: Denise Ricardo

Chegou a vez de Elza Soares. Aos 90 anos, a cantora recebeu a primeira dose da vacina contra o coronavírus nesta sexta-feira, 5, no Rio, em casa, com o início da imunização de idosos. “Posso voltar para o meu mundo, sair de dentro de casa”. A conquista não significa que pretende baixar a guarda. Com a folia em fevereiro desmarcada, ponderou: “Estamos atravessando uma fase muito difícil. É preciso ter consciência. Acho que o carnaval tem que ocorrer no próximo ano”. 

Neste período de pandemia, ela compôs samba para a disputa do hino da Mocidade Independente de Padre Miguel, do próximo carnaval, sobre Oxóssi e o enredo “Batuque ao Caçador”. A canção de Elza, feita em grupo, homenageia também os ritmistas da escola e está muito bem cotada no concurso concorrendo com criações de Carlinhos Brown, D2, e Sandra de Sá entre outros.  

 A artista está cheia de planos e os exames de saúde mostram que Elza está em formas mas sente um pouco de dor por causa de um dos pinos que tem na coluna desde que sofreu um acidente na casa de shows Metropolitan, no Rio, em 1999 quando caiu do palco. Ela passou por cirurgias e a fazer show sentada. A seguir, os principais trechos da entrevista com Elza. 

Eu me sinto segura, lógico. Sou pela ciência e é nisso que acredito. O resto é falatório sem comprovação. A ciência é tudo. Fico feliz por chegar minha vez, mas também fico muito preocupada com tanta gente que ainda não se vacinou, com tanta gente morrendo. Temos que correr e vacinar todo mundo para salvar a vida dessas pessoas.

Quais são seus planos agora que está vacinada?

Voltar para o meu mundo, sair de dentro de casa, viva a vacina, viva.  

O Carnaval está suspenso, quando acha que a festa deve ocorrer?

Acho que as autoridades devem responder por mim. Estamos atravessando uma fase muito difícil. É preciso ter consciência. Acho que o carnaval tem que ocorrer no próximo ano. 

Vamos nos garantir, já que sabemos que a coisa é tão terrível. 

Como encara a pandemia?

Gente, tem pessoas que não levaram a sério a pandemia. É só pensar, raciocinar e ver que tem que levar a sério. O que os órgãos da saúde mandam tem que seguir. Foi o que eu fiz. Graças a Deus, eu não peguei covid, quem está do meu lado também não.

Pretende cantar e escrever sobre a pandemia?

Não é preciso cantar, a gente fala, grita, briga. Sei que o nosso povo é guerreiro e vai conseguir passar por isso. Mas temos que lutar, gente do céu, lutar outra vez, mais uma vez.  

Existe preconceito contra os orixás e as religiões africanas?

Existe preconceito em tudo, mas continuo acreditando e está aí a composição que fiz para a Mocidade com amor e fala da religião em que acredito.

Há quem defenda que o País é miscigenado e que não tensão racial no Brasil. O que pensa sobre isso?

Ah, bonitinho, quem pensa isso é horrível, existe sim, por favor. Inclusive a carne mais barata do mercado é a carne negra, cantada por mim.  

 O que te inspira a cantar e compor?

O amor que eu tenho à minha vida me inspira a cantar e compor.

Como você lida com o envelhecimento?

É querer viver, deixa o tempo passar, graças a Deus estou tendo esta oportunidade de ver o tempo passar.

E seus próximos projetos?

Estou preparando um DVD, um disco de jazz que é o meu sonho, participo de documentários, filmes muita coisa pra viver gente.  

/PAULA BONELLI

O ator canadense Christopher Plummer morreu nesta sexta, 5, aos 91, em sua casa em Connecticut, segundo informou sua mulher Elaine Taylor, com quem era casado há 53 anos.

Plummer era uma das lendas de Hollywood, atuando em filmes como A Noviça Rebelde, O Homem que Queria Ser Rei e Elsa & Fred: Um Amor de Paixão. Ele ganhou o Oscar de melhor ator coadjuvante por Toda Forma de Amor (2010), tornando-se o mais velho ator a vencer nesta categoria (estava com 82 anos).

Plummer manteve uma carreira longeva, com 217 créditos em filmes, curtas e programas de televisão. Ele se tornou conhecido ao interpretar o capitão John Von Trapp ao lado de Julie Andrews, que viveu Maria, no filme A Noviça Rebelde, musical de enorme sucesso dirigido por Robert Wise em 1965. Mas, prova de sua importância cênica, foi novamente indicado ao Oscar recentemente, na categoria de ator principal, por Todo o Dinheiro do Mundo (2017), no qual substituiu às pressas Kevin Spacey, afastado por estar envolvido em denúncias de abusos sexuais.

Antes ainda, em 2009, tinha recebido outra indicação, novamente como coadjuvante, por A Última Estação.

Nascido em Toronto,no Canadá, em 13 de dezembro de 1929, Plummer se motivou a seguir a carreira artística depois de assistir ao filme de Laurence Olivier, Henry V, de 1944, que despertou uma paixão por Shakespeare que permaneceria com ele pelo resto de sua vida. Sua estreia na Broadway aconteceu em 1953 e, seis anos depois, ganhou sua primeira indicação ao Tony pelo drama J.B., mas sua carreira realmente explodiu quando ele estrelou, ao lado de Julie Andrews, como um rigoroso viúvo austríaco, que tratava militarmente seus filhos, em A Noviça Rebelde.

O musical logo se tornou uma das maiores bilheterias de todos os tempos, mas Plummer sempre nutriu sentimentos confusos sobre seu papel. "Nos filmes, acabei estigmatizado como um ator romântico mas bastante tenso, quando, na verdade, queria fazer tantas coisas mais interessantes - e era capaz de fazê-las", disse ele em 2005. "Em vez disso, estava ficando bastante preso a esse perfil. Pelo menos, eu estava ganhando dinheiro. E podia fazer teatro."

Nos palcos, seu talento foi reconhecido, com os dois prêmios Tony recebidos (pelo musical Cyrano e por Barrymore), além de outras sete indicações – a mais recentes vieram em 2004, por Rei Lear, de Shakespeare, e três anos depois, pelo belo trabalho em Inherit the Wind.

De fato, o talento de Plummer logo se impôs e ele conseguiria participar de filmes variados, desde a ficção científica de Jornada nas Estrelas VI: A Terra Desconhecida (1991) até Millenium: Os Homens que Não Amavam as Mulheres (2011), sem se esquecer de dublar um personagem na animação Up – Altas Aventuras (2009) e de também ceder a voz para um game inspirado na saga Star Trek.

Sua disposição parecia infinita, pois não cessou de trabalhar nos últimos anos. Participou, por exemplo, da ação Entre Facas e Segredos e também de Verdade e Honra, ambos de 2019. E ainda emprestou sua bela e imponente voz para Heroes of Golden Masks, que ainda está em filmagem.

Para Plummer, definitivamente não existia aposentadoria. Ele gostava de dizer que sempre encontrava um papel para sua idade, mesmo com o passar dos anos, o que normalmente empurram os atores para uma aposentadoria forçada. “Acho que um dia, quando não existirem mais peças para mim, estarei salvo pois sempre haverá Matusalém”, brincou em entrevista ao site Entertainment Weekly, em 2005. “E talvez Deus. E então é isso.”

O criador de um dos grupos percussivos mais importantes do país, Fernando Barba, morreu nessa quinta, aos 49 anos. Uma nota divulgada pelo grupo e seus familiares lamentou a partida do artista: “É com profundo pesar que nós do grupo Barbatuques informamos aos nossos fãs, amigos e parceiros de trabalho, o falecimento do nosso fundador e eterno mestre Fernando Barbosa. Barba fez sua passagem nesta madrugada. Nesse momento de dor tão intensa, não temos informações se haverá a possibilidade de uma despedida aberta aos amigos devido aos protocolos da Covid-19. Permanecem nosso eterno amor e gratidão a esse músico genial que tanto fez pela música brasileira e cativou corações por todos os lugares do mundo onde passou.”

Barba sofria de limitações neurológicas desde 2017, quando foi diagnosticado com tumor no cérebro e precisou fazer uma cirurgia. As sequelas não foram superadas e ele decidiu se afastar do grupo que havia concebido. Na manhã deesta quinta (4), após quase quatro anos de uma luta diária, Barba desistiu de viver. A família, mesmo devastada, respeita sua decisão e pede que a imprensa não dê detalhes do suicídio.

O Barbatuques é seu maior legado. O grupo que Barba concebeu tem um pensamento de percussão completamente diferente dos outros, com integrantes que usam todo o corpo, incluindo a voz, como um verdadeiro instrumento percussivo. Seu legado segue defendido por alguns dos melhores amigos e instrumentistas corporais que fez em sua trajetória.

As conversas não foram muito longe. Mas quem poderia culpá-lo por imaginar que poderia dar certo - que alguém poderia simplesmente querer tocar no Super Bowl e, alguns telefonemas depois, de fato tocar para 100 milhões de telespectadores? Nos últimos 25 anos, o Foo Fighters tem crescido a firme compasso, deixando de ser o projeto de um homem só para se tornar uma genuína instituição do rock. “É quase como se fôssemos agricultores, e a lavoura continua crescendo”, disse Grohl sobre as conquistas da banda. “Aí nós colhemos e a lavoura cresce um pouco mais, aí nós colhemos e a lavoura cresce um pouco mais”.

Embora sua música tenha partido do espectro que antes era considerado “alternativo”, os Foos se deixaram associar confortavelmente a um estilo de rock pesado e cheio de adrenalina, entregue em shows que geralmente ultrapassam a marca das duas horas. Ainda que esse som tenha permitido à banda construir um negócio lucrativo - sua turnê mundial do álbum Concrete and Gold, de 2017, arrecadou US$ 114 milhões, de acordo com o comércio da indústria Pollstar - o rock não lidera a indústria fonográfica há mais de uma década. A banda não tem um single no Top 40 desde 2007.

No entanto, os Foo Fighters ocupam um espaço raro: uma banda com apelo mainstream, liderada por uma estrela inegavelmente famosa que ainda não se sente um estadista envelhecido. Abençoados com uma energia implacável e uma lista de contatos robusta, eles são chamados sempre que é preciso tocar rock com alegria e seriedade, seja no late-night show de David Letterman, num estrelado tributo a Prince no Grammy, num show beneficente para ajudar músicos afetado pelo coronavírus, no Kennedy Center Honors ou num evento de arrecadação de fundos para a campanha presidencial democrata. Não importa onde os Foo Fighters apareçam: a banda sempre faz sentido.

Pelo menos em parte, isso é resultado da consistência: por estar sempre aí, sem gerar polêmicas, só lançando inúmeros hits com poder de duração, os Foo Fighters ficaram conhecidos por várias gerações. O Nirvana continua sendo uma banda importante para sucessivas gerações de jovens, e Grohl sempre será um de seus integrantes. Mas, se as estrelas do rock de antigamente pareciam ícones inacessíveis, Grohl parece um cara comum, acessível, alguém com quem você realmente poderia tomar uma cerveja. E com o passar dos anos, enquanto muitos de seus colegas morriam ou se afastavam dos holofotes, ele seguiu em frente, sobrevivente de sua antiga banda, de sua era, das sucessivas modas e tendências. Nada disso parece ter diminuído sua infatigável positividade, tudo o que ele canaliza para invocar aquela catarse comunal do rock 'n' roll, sempre que necessário.

Seu novo álbum, Medicine at Midnight, que será lançado na sexta-feira, 6, traz uma reviravolta sutil, mas perceptível. Sem abandonar suas tradicionais guitarras distorcidas e uivos expansivos, os Foos incorporaram funk e ritmos dançantes em suas novas canções, influenciados por artistas como David Bowie e os Rolling Stones, que fizeram o mesmo.

A ironia de lançar um álbum dançante quando a música ao vivo continua indefinidamente adiada não passou despercebida por ninguém, nem mesmo por Grohl, que continua sendo a força motriz criativa da banda. Quando conversamos, ele não mostrou nenhuma vergonha de suas ambições, mas seu jeito amistoso contrasta com foco monomaníaco necessário para ser tão produtivo. Trabalho duro não é uma característica muito associada ao rock, mas os Foos têm feito em média um álbum novo a cada três anos desde o início, e raramente ficam dormentes por mais de alguns meses de cada vez. “Ele não fica preso às próprias ideias”, disse o tecladista Rami Jaffee, que começou a tocar com a banda em 2005 e ingressou como membro permanente em 2017. “O negócio é só avançar a toda velocidade”.

O baterista Taylor Hawkins foi mais direto. “Quero ser a maior banda do mundo”, disse ele. “Não tenho dúvida nenhuma (palavrão), e Dave também não tem. Acho que ele nunca teve”.

Sem uma turnê em que embarcar, os Foos iniciaram uma campanha promocional pela internet. Junto com Greg Kurstin, o produtor de Medicine at Midnight, Grohl lançou uma série de covers de músicos judeus, como Drake e Beastie Boys, em homenagem ao Hanucá; ele também enfrentou uma batalha de bateria com Nandi Bushell, baterista britânica de 10 anos de idade; e lançou um perfil no Instagram onde conta algumas histórias engraçadas de sua vida. Já a banda mergulhou em transmissões de lives; e seus integrantes se reuniram na mesma sala para tocar Times Like These e comentar uma apresentação de slides com fotos selecionadas ao longo dos 25 anos da banda. Também há planos de lançar um documentário sobre turnês em vans, e um membro deixou escapar algo sobre um projeto de filme.

A longa jornada de Grohl pela indústria da música começou em meados dos anos 80, quando largou o colégio para tocar bateria na banda de hardcore Scream, em Washington, D.C. Depois que a banda acabou, ele foi convidado para fazer um teste para a vaga de baterista do Nirvana, na época uma banda emergente de Seattle. Não muito depois, o Nirvana gravou e lançou Nevermind, um grande sucesso da indústria que inclinou o eixo do gosto popular em direção ao rock angustiado.

Butch Vig, que produziu Nevermind em 1991, lembrou que Kurt Cobain exaltava Grohl como “o maior baterista do mundo” e se maravilhava com a força de suas batidas no estúdio. “Mas o que mais me impressionava era que ele tinha uma energia incrível - ele trouxe muita vida e poder para a banda, mas também alguma leveza”, disse Vig. “Conforme a banda evoluía e virava um grande sucesso, pude ver Kurt internalizar todo o peso do mundo, e Dave continuou trazendo um senso de humor e uma alegria para tudo o que o Nirvana estava fazendo”.

Depois do suicídio de Cobain, em 1994, Grohl recebeu várias ofertas de outros empregos na bateria, até mesmo uma posição de tempo integral com Tom Petty, mas decidiu seguir seu próprio projeto solo: Foo Fighters, nome derivado de uma expressão usada na Segunda Guerra Mundial para designar Ovnis. Ele acabou tocando todos os instrumentos naquele que se tornaria o álbum de estreia do grupo em 1995 e recrutou o ex-guitarrista do Nirvana Pat Smear, além do baixista Nate Mendel e do baterista William Goldsmith do grupo proto-emo Sunny Day Real Estate, para formar uma banda para a turnê.

Nos anos seguintes, os Foos fizeram turnês e gravaram furiosamente, lançando vários singles que se tornaram sinônimo de rock nas rádios: Everlong, My Hero, Learn to Fly. Apesar do sucesso, havia pouca estabilidade: Goldsmith foi substituído por Hawkins; Smear saiu por causa de pressões da turnê (e voltou em 2005); Mendel quase desistiu também. “Durante muito tempo, cada álbum parecia ser o último”, disse Grohl. Eles quase se separaram durante a gravação do álbum One by One de 2002, durante o qual descartaram o álbum inteiro em meio a uma escalada na tensão interpessoal.

“Foi a primeira vez em que realmente nos deparamos com qualquer tipo de obstáculo”, disse Mendel. Quando a poeira baixou, depois muitas conversas francas, One by One foi regravado com sucesso e recebeu aclamação comercial, e a banda finalmente emergiu como uma unidade estável.

Geralmente, Grohl pede à banda para expandir quaisquer demos e ideias que ele traga para o estúdio, mas, no caso de Medicine at Midnight, seus conceitos foram formados de forma mais completa. “Comecei a pensar em bases, grooves e ritmos, mantendo os grandes refrões que sempre tivemos, mas enquadrando tudo de um jeito que não fosse 200 batidas por minuto, gritando que nem condenado”, disse Grohl.

A vibe lânguida de Shame Shame é uma novidade; o ritmo elástico de Cloudspotter abre mais espaço para as guitarras distorcidas respirarem. Grohl citou Abba várias vezes ao falar sobre seus pontos de referência sonoros, e o baterista Omar Hakim - que tocou em Let’s Dance de Bowie - aparece em várias faixas. “A ideia de ouvir uma de nossas músicas tocando numa festa dançante (palavrão) parecia totalmente irracional, mas depois pensei: ‘Por que não?’”, disse Grohl.

Depois da nossa primeira conversa, a banda realizou mais um feito: show na cerimônia de posse. A conexão com a campanha do presidente Joe Biden começara no outono, quando Grohl, sua mãe, Virginia, e Jill Biden se encontraram numa chamada de Zoom sobre educação (Virginia foi professora de escola pública por 35 anos). Numa convergência de circunstância com oportunidade que funcionou perfeitamente, como as coisas tendem a acontecer com a banda, os Foos também tocaram no Saturday Night Live na noite em que Biden foi declarado o vencedor da eleição - uma apresentação que aconteceu só quatro dias depois do convite.

Para a cerimônia de posse, não havia nenhuma dúvida sobre o que eles iriam tocar: a esperançosa Times Like These, uma faixa lançada há quase 20 anos que perdurou como um hino inflexível e otimista, onde a voz de Grohl vai de terna a trovejante à medida que ele conclama um novo começo. Não importa em que ano a música seja tocada, Times Like These sempre olha para o futuro, imbuída de um espírito de renovação muito parecido com o próprio Grohl. Nas redes sociais, a resposta foi extremamente positiva; mais do que isso, a banda foi saudada como um velho amigo. Mais uma vez, Foo Fighters fazia todo sentido.

Acima de tudo, Grohl mantém uma forte crença no poder unificador da música - na criação de um espaço onde as pessoas possam se juntar e gritar para sentir alguma coisa. Como ele explicou, tudo o que a banda fez e continua fazendo decorre desse propósito muito claro.

“Só quero ficar vivo e fazer música, especialmente depois do Nirvana”, disse ele. “Quando Kurt morreu, eu realmente acordei no dia seguinte e me senti muito sortudo por estar vivo e muito triste por alguém ter simplesmente desaparecido. Decidi me valer desse sentimento, pelo resto da minha vida”.

Ao longo de nossas conversas, ele demonstrou saber muito bem o que as pessoas esperam do Foo Fighters, mas não assumiu essa responsabilidade levianamente. “Para mim, a banda sempre representou essa continuação da vida”, acrescentou. “Fomos acusados de ser a banda menos perigosa do mundo, e acho que isso se justifica, de certa forma, porque sei o que é estar naquela outra banda e sei aonde isso pode levar. Não é por isso que faço música. Não é por isso que comecei a fazer música. E não é por isso que ainda faço música”. Afinal, ele já tocou na maior banda do mundo. E por que não tocar de novo?

Um beijo apaixonado digno do final de um lindo filme romântico. Frida Kahlo e Diego Rivera são assim surpreendidos pelas lentes de sua amiga Lucienne Bloch, cujas fotografias são exibidas pela primeira vez em Paris. Embora tudo pareça ter sido dito sobre a artista mexicana (1907-1954), uma das mais proeminentes do século 20, uma pequena galeria agora oferece um novo e intimista olhar sobre sua passagem pelos Estados Unidos na década de 1930, em uma mostra que atrai centenas de curiosos nos finais de semana.

As fotos chegaram à dona da Galerie de l'Instant por acaso, quando em 2019 ela descobriu, vasculhando uma caixa em uma sala de Nova York, a imagem de uma jovem Frida Kahlo posando sob um autorretrato. Era a mesma que a havia fascinado dias antes, quando a viu em uma exposição no Museu do Brooklyn. “Comprei a foto e postei no Instagram. Pouco depois, Lucienne Allen, a neta da fotógrafa, me contatou! Não a deixei mais sozinha até que ela me deu permissão para organizar a exposição”, confidenciou Julia Gragnon à AFP.

A fotografia em que o casal de artistas revolucionários se abraçam e se beijam, com o rosto iluminado pela luz que entra pela janela, é sem dúvida uma das mais marcantes. “Teve uma mulher que se apaixonou, veio oito dias seguidos para olhar para ela. Ela acabou comprando”, explica Granon. 

A versátil artista também imortalizou o mural que Rivera começou a pintar para o Rockefeller Center em Nova York: Frida posa diante da obra semiacabada, à esquerda uma caixa de pincéis, à direita uma escada. “A obra causou escândalo. Não é difícil imaginar a reação de Rockefeller ao ver Lenin, Trotsky e companhia no mural que encomendou. Não se devia esperar que Diego fosse tão comunista", diz Gragnon.

O proprietário explica que as mulheres são a maioria dos visitantes. “São muito sensíveis à história de Kahlo”, uma artista pioneira e empenhada, de grande talento e forte personalidade, cuja vida também foi marcada pela dor física, um casamento tumultuado e a impossibilidade de ter filhos. Mas jovens estudantes também visitam a mostra. “Todos reconhecem a sua imagem, a viram nas camisetas, nas canecas. Mas muitos descobrem que existiu mesmo”. A exposição vai até o final de março, além do que estava inicialmente planejado. “Nos finais de semana é uma loucura, há filas que quase dão a volta no quarteirão e somos apenas uma pequena galeria. Dá para perceber que as pessoas têm fome de cultura", com museus fechados em Paris por conta da pandemia.... - AFP

O mundo já começa a comemorar o centenário de nascimento de Astor Piazzolla, um dos maiores músicos do século 20, responsável por uma revolução no tradicionalíssimo tango argentino. A data exata é 11 de março de 1921. Mal comparando, Piazzolla está para o tango como Tom Jobim para a música brasileira – um divisor de águas, responsável por uma revolução artística raríssima: transformou um gênero totalmente estratificado em laboratório  de pesquisas para novos vôos instrumentais. De repente, o tango propiciou improvisos, como o jazz (e também a bossa nova por aqui). 

Não por acaso, ele nasceu na Argentina mas passou a meninice e adolescência em Nova York, com a família. Eles retornaram a Buenos Aires em 1937. Dois anos depois, já atuava na orquestra de Anibal Troillo.  Depois de uma passagem por Paris, onde estudou com Nadia Boulanger, empreendeu a partir de 1955, com seu Octeto Buenos 

Qual o maior diferencial de grandes músicos como Tom e Astor? Com certeza, sua concepção inclusiva da música. Eles trafegaram com a mesma sabedoria e expertise pelo mundo dito erudito e também pela música popular. Ampliaram o alcance de suas criações, sem abrir mão da qualidade de invenção. Afinal, todo músico não-nascido na Europa convive com estas duas tradições: de um lado, a europeia branca, estratificada por séculos de domínio que lhe deram espaço para enfiar nos corações e mentes do público e dos músicos dos demais continentes de que aquela – e só aquela – era a grande música. Quem olha com atenção para o seu entorno não pode limitar-se a colocar como maçã de ouro no pau-de-sebo a música clássica europeia. Ao contrário, acaba operando uma fusão virtuosa em que “nuestras buenas cualidades” ultrapassam confrontos oriundos de um nacionalismo estrito, tosco, e passam a dialogar com outras tradições musicais, não só europeias, em pé de igualdade.

Uma corda bamba sobre a qual é obrigatório caminhar. Alguns momentos-chaves de suas vidas nos ajudam a entender melhor sua grandeza. No caso de Piazzolla, foram duas epifanias. 

A primeira aconteceu em 1933, em Nova York. Emocionado, o menino de 12 anos entrou no apartamento penthouse de Carlos Gardel em 28 de dezembro de 1935. Levava uma escultura em madeira de um gaúcho tocando violão feita por seu pai Vicente, coisa de fã, para o grande astro do tango que viera a Nova York para gravar programas para a NBC. Começava ali uma curta porém intensa amizade entre eles. Gardel não falava inglês e pediu-lhe que o acompanhasse em passeios por Manhattan. Foi assim que Astor tocou seu bandoneón para o ídolo e o ajudou a comprar na Saks da Quinta Avenida uma batelada de 20 camisas listradas multicoloridas, as suas preferidas.  Como intérprete de inglês, o menino tirou nota 10. Mas Gardel não gostou do modo como tocava tango: “Mira, pibe, el fueye lo tocas fenómeno, pero el tango lo tocas como un galego”, em autêntico lunfardo, gíria portenha. O menino chegou a atuar em 1935 como jornaleiro em El día que me quieras, terceiro filme de Gardel em Hollywood.  Não sei se o menino presenciou, mas deve ter ouvido a então muito divulgada observação de um executivo de Hollywood ao ouvir Gardel: “Ele tem uma lágrima na garganta”.

Talvez a chave para entendermos a essência não só do tango, mas da música revolucionária de Piazzolla, seja esta: ele transportou para a música instrumental o poder inigualável de um gênero essencialmente popular, nascido e nutrido no baixo mundo portenho. As letras são melancólicas, trágicas até o épico (um épico meio brega, reconheça-se), que nos adentram alma feito punhais de sentimentos, diria um poetastro parnasiano. Pois me atrevo a afirmar que Piazzolla cultiva uma lágrima em seu bandoneón, como Gardel na garganta.

Lágrimas, entretanto, não significam necessariamente música de qualidade. Aqui, Astor teve uma dupla epifania: primeiro, adolescente conviveu com o blues e as big bands na Nova York dos anos 1930. A volta a Buenos Aires marcou o mergulho mais fundo no universo do tango portenho, por meio do trabalho com o grande Anibal Troillo, para o qual fez arranjos e com quem, aliás, tocou em 1952 no Copacabana Palace, no Rio de Janeiro. No mesmo ano, sua Sinfonietta para orquestra de câmara opus 19 foi escolhida pela crítica argentina como melhor obra erudita. Graças a outro prêmio, também ganhou bolsa de estudos do governo francês. Lá encontrou a célebre professora francesa Nadia Boulanger (1887-1979). Foi sua epifania final – e mais significativa. Nadia foi a maior parteira dos grandes músicos do século 20 – e não só eruditos. Pierre Boulez e Leonard Bernstein, Aaron Copland e Egberto Gismonti, Almeida Prado e Quincy Jones – todos a idolatraram. Ela sabia encaminhá-los para suas verdadeiras vocações. “Foi como estudar com minha mãe”, disse Astor amorosamente. Depois de ouvir sua Sinfonietta citada acima, ela foi direta: “É música bem escrita, mas falta-lhe sentimento”. Ele caiu em depressão por alguns dias. Nadia então perguntou-lhe que música tocava na Argentina. “A contragosto, admitiu que era tango”, escreve Maria Suysana Azzi, co-autora com Simon Collier do livro Le Grand Tango – the life and music of Astor Piazzolla, 2000). “Mas eu adoro tango. E em que instrumento você toca tango? Imagino que não seja o piano”.  Mesmo sabendo que era o bandoneón, pediu-lhe que tocasse um tango ao piano . No oitavo compasso, interrompeu-o: “Isto é Piazzolla!”. Em entrevistas posteriores, Astor reconheceu a epifania:”Ela me ajudou a me encontrar comigo mesmo”,

A lágrima jamais lhe abandonou os dedos, fosse ao bandoneón ou compondo e arranjando música da mais alta qualidade. 

Em 1990, antes de sofrer um AVC que o levaria à morte dois anos depois, no dia 4 de julho de 1992, Astor “previu” o futuro glorioso de sua música: “Tenho esperança que minha obra será ouvida em 2020. E no ano 3000 também. Às vezes tenho certeza disso, porque a música que faço é diferente... Terei um lugar na História, como Gardel... Minha música pode agradar ou não, mas ninguém pode negar  que ela é boa: é bem orquestrada, é nova, é deste século, e tem o perfume do tango, que é o que a torna atraente no mundo inteiro”.

5 performances para conhecer a diversidade da música de Piazzolla:

Piazzolla y Noneto – 1h07’ – um desfile de suas mais conhecidas criações 

Concerto duplo para violão, bandoneón e  cordas, com Yamandu Costa e Richard Galliano (solistas) e seção de cordas da Orquestra. de Paris, regência de  Alondra de la Parra – Paris, 15 de julho de 2015 

“Reunión Cumbre: Piazzola & Mulligan Itália, 1974  - 37’ 

Eight Seasons – as “Quatro Estações” de Vivaldi e as “Cuatro Estaciones Porteñas”, de Piazzolla, com o violinista Gidon Kremer & Kremerata Baltica. Álbum Nonesuch,(2006)

“Maria de Buenos Aires” (álbum duplo Warner, 2018) – relançamento de gravação liderada por Gidon Kremer e Horácio Ferrer, com solistas, Coral Lírico de Buenos Aires e Kremerata Baltica,  

Talvez o público não saiba quem seja Rubens Antônio da Silva, mas certamente conhece o músico pelo apelido que o notabilizou: Caçulinha. Sua projeção veio na TV, tocando em programas da Record, Bandeirantes, Globo e Gazeta, mas é a dedicação à música que está na raiz, na essência de sua carreira. E é justamente essa trajetória musical que ele celebra no disco Caçulinha – 60 Anos de Música, lançado pela Kuarup nas plataformas de streaming e também em versão física. 

Com produção de Thiago Marques Luiz, o álbum foi gravado ao vivo, no Teatro Itália, em São Paulo, em 2019, com a participação de cantores de diferentes gerações, como os contemporâneos Sérgio Reis, Agnaldo Rayol, Claudette Soares e Wanderléa, além de Daniel, Thobias da Vai-Vai, Zé Luiz Mazziotti, Mônica Salmaso, Simoninha e Ayrton Montarroyos. Ele também dividiu o palco com a irmã, Wanda Carvalheiro, ela cantando Quem Me Levará Sou Eu (Dominguinhos e Manduka). Foram belos encontros.

E esse formato do projeto comemorativo não poderia ser diferente: Caçulinha no acordeon e no piano, e seus convidados nos vocais. Afinal, aos 80 anos, o músico nascido em São Paulo se orgulha de ter acompanhado uma longa lista de cantores, nos programas de TV e nos palcos, nas últimas seis décadas. Caçulinha se lembra dos primeiros trabalhos com Wanderléa, Agnaldo Rayol e Claudette Soares. “São todas pessoas que eu acompanhava no tempo de O Fino da Bossa, na Record. Cheguei a acompanhar todos eles: Agnaldo, Wanderléa. A Claudette é minha contemporânea fazendo jingle na RGE”, diz ele, em entrevista ao Estadão, por telefone. Já Sérgio Reis, ele conhece desde os tempos do disco de estreia do cantor, Coração de Papel, de 1967. “Gravei com ele vários sucessos, como Cavalo Preto, por exemplo, sou eu na sanfona.”

O repertório do disco faz um pequeno panorama de músicas que ele gosta pessoalmente. “Eu me norteei no sucesso das pessoas do passado. Muita coisa que eu gravei foi pensando em pessoas que acompanhei.” Ai Que Saudade da Amélia, que está no Pot-pourri Ataulfo Alves, na voz de Thobias da Vai-Vai, tem uma história curiosa. Caçulinha conta que, na época do programa Jovem Guarda, exibido nos anos 1960, ele e Nilton Travesso sugeriram a Roberto Carlos que ele cantasse essa música. “Falei: os pais das crianças e as crianças, você já dominou. Agora você vai tomar conta dos mais velhos, e ele tomou conta mesmo”, afirma. “Ele cantou Amélia, foi o maior sucesso no Brasil.” 

Caçulinha tocava com seu regional no programa Jovem Guarda, apresentado por Roberto, Erasmo Carlos e Wanderléa, ao mesmo tempo que estava em O Fino da Bossa, ciceroneado por Elis Regina e Jair Rodrigues – mas Elis não escondia de Caçulinha o ciúmes que ela tinha de ele participar de outros programas da Record além do dela. Ele se diverte com a lembrança. 

A trajetória de Caçulinha se mistura com momentos importantes da música e da televisão no Brasil. E sua história, de certa forma, está ligada à jornada do pai, Mariano, que com seu tio, Caçula, formou uma dupla, em Piracicaba. “Eles fizeram a primeira dupla caipira.” Tempos depois, os dois se mudaram para São Paulo, a convite do jornalista e escritor Cornélio Pires.

Houve a separação da dupla, Mariano se juntou com outros parceiros, mas acabou chamando o filho para se apresentar com ele. O apelido Caçulinha foi uma homenagem ao tio. “Eu estava estudando no conservatório, mas não era músico profissional.” Seu primeiro disco solo veio em 1959. Foram mais de 30 trabalhos lançados ao longo da carreira. 

Na TV, além do destaque em programas da Record, Caçulinha ficou famoso por fazer parte do Domingão do Faustão, na Globo, onde ficou por mais de 25 anos. Ele saiu do Domingão em 2014, e em 2015, passou a participar do Todo Seu, de Ronnie Von, na TV Gazeta, onde ficou até o programa chegar ao fim, em 2019. E por que ele saiu do Domingão? Segundo o músico, Faustão “foi acabando com os musicais, trazia gente que fazia playbacks”. “Ninguém queria cantar ao vivo, porque, para cantar ao vivo, tem que saber, não é para qualquer um.” A parceria profissional terminou, mas a amizade se manteve.

Sobre a saída de Faustão da Globo, anunciada semana passada, Caçulinha diz que o apresentador “é imprevisível”. “Não se sabe a cabeça dele: hoje está assim, daqui a uns tempos: ‘não vou sair nada, vou continuar, é uma vez por semana’. Ninguém sabe”, opina. “Ele gosta do que faz. Se não gostasse, não ficava tantos anos fazendo isso.”

O produtor musical e guitarrista Líber Gadelha morreu aos 64 anos, vítima de covid-19. Ele estava internado em um hospital no Rio de Janeiro. Nas redes sociais, Luiza Possi, filha do produtor, confirmou a morte de Gadelha. "É com uma dor imensa e o coração na mão que eu venho aqui hoje dizer que o Nosso Guerreiro descansou. Escolhi essa foto que foi feita após um show nosso e estávamos felicíssimos!", escreveu a cantora.

Nos anos 1980, o produtor conheceu Zizi Possi e lançou diversos álbuns da cantora, além parcerias. A relação virou romance e do casamento nasceu Luiza Possi, em 1984. "É assim que vou te guardar meu pai. Dentro de mim", comentou a filha do produtor na postagem. "Eu e meus irmãos, Marcela e Bernardo, e todos os familiares agradecemos demais todas as orações de vocês. Um beijo do que sobrou de mim."

Nome central do concretismo brasileiro, o carioca Ivan Serpa (1923-1973) integrou o histórico Grupo Frente e foi mestre de artistas consagrados como Hélio Oiticica (1937-1980) e Waltercio Caldas. Pela primeira vez serão mostrados alguns trabalhos raros na grande retrospectiva dedicada ao pintor pelo Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) de São Paulo, que será aberta no dia 3 de fevereiro com 200 obras suas. A mostra cobre todos os períodos da produção de Serpa, do final dos anos 1940 até o último trabalho produzido pelo artista dois dias antes de sua morte, de ataque cardíaco e derrame, em 19 de abril de 1973 – o desenho de um rosto angustiado, mas não exasperado como os de sua Série Negra, sua incursão no expressionismo, em 1964, após anos dedicados ao abstracionismo geométrico.

Até porque ficou conhecido por sua filiação ao movimento concreto, grande parte das obras expostas no CCBB é abstrata. No entanto, por ser um artista marcado pela pluralidade, todas as suas fases e técnicas estão representadas na retrospectiva, em especial as obras geométricas dos anos 1950 – período de fecunda atividade, em que cria, ao lado dos críticos Ferreira Gullar e Mário Pedrosa, o grupo Frente (1954), o front carioca do concretismo no qual figuravam Aluísio Carvão, Hélio Oiticica, Lygia Clark, Lygia Pape e Franz Weissmann. Com a dissolução do grupo em 1956, Ivan Serpa, cuja paixão pela Europa foi alimentada por uma tia francesa, seguiu para o continente em 1957 com um prêmio do Salão Nacional de Arte Moderna e lá permaneceu até 1959, quando voltou ao Brasil.

“Nessa viagem pela Europa, ele se encontrou com Max Bill e ficou chocado ao descobrir que o principal artista concreto da Suíça deixava para terceiros a tarefa de executar seus projetos”, conta Lontra – vale lembrar que, em 1951, ao ganhar o prêmio de melhor pintor jovem na primeira edição da Bienal de São Paulo, toda a comunidade dos concretos o saudou. Inclusive Max Bill.

Ivan Serpa amava, antes de tudo, o trabalho artesanal. Meticuloso, era capaz de reproduzir o caminho de cupins devoradores de livros em seu trabalho, só de observar essa devastação, quando trabalhou como restaurador da Biblioteca Nacional. É o caso da série Anóbios (produzida entre 1961 e 1962), exposta na retrospectiva de Serpa ao lado de outras séries como Op-Erótica, Amazônica, Geomântica e Mulher e Bicho.

Op-Erótica (1967) é uma espécie de Suíte Vollard picassiana vista sob o ângulo da op art, em que mulheres contracenam com bestas – por seu conteúdo, ela ocupa o “cofre’ no subsolo do CCBB. Os curadores Marcus de Lontra Costa e Hélio Márcio Ferreira optaram por uma montagem cronológica. Assim, no subsolo está seu desenho mais antigo, de 1949, além de magníficos trabalhos da série Antiletras, que cria novos signos ao subverter letras impressas por sobreposições caligráficas. No primeiro andar estão seus materiais de pintura e seu último desenho. No segundo, as pinturas concretas dos anos 1950. No terceiro, a mais terrível das salas: as obras da Série Negra (1964), o expressionismo radical que faz referência aos famintos de Biafra e às vítimas da guerra do Vietnã. Finalmente, no quarto e último andar, a volta à geometria com cores fortes e certa remissão às teorias cromáticas de Josef Albers.

Dito assim, pode parecer que tantas mudanças em apenas 50 anos de vida são um exagero, mas não quando se tem pressa como Ivan Serpa. Ao nascer, foi diagnosticado com cardiopatia congênita grave e seus pais tiveram de lidar com a possibilidade de o menino não chegar à adolescência. Ainda assim ele completou 50 anos – no dia de sua morte.

Ele perdeu a mãe cedo e foi criado por uma tia francesa, artista de teatro que o iniciou nas artes, exercendo forte influência sobre Serpa. “É curioso que, ao ganhar o prêmio Viagem do Salão Nacional, era esperado que Serpa se instalasse em Paris, por causa da tia, mas ele preferiu outros países, como a Espanha, onde conheceu o poeta João Cabral de Melo Neto”, lembra o curador Marcus Lontra.

Na volta, a aproximação com a arte gestual resulta numa pintura de caráter expressionista que transmite a angústia do pintor diante de um mundo caótico, marcado por guerras ideológicas – como a do Vietnã – e a fome (em Biafra, por exemplo). A arte concreta já não respondia às grandes questões de Serpa. “Não parecia fazer sentido a ordem e a rigidez geométrica num mundo como esse, destroçado”, observa Lontra. O resultado foi o advento da Série Negra, que o aproximou dos artistas ligados à Nova Objetividade brasileira.

O nome deriva de uma mostra realizada no MAM carioca em 1967, em que a figura dominante foi mesmo Hélio Oiticica, aluno de Serpa, que propôs com o movimento uma reflexão sobre o papel das vanguardas brasileiras. Serpa, por essa época, estava antenado com a arte pop e a arte op, como muitos de sua geração. É desse ano sua série de desenhos eróticos exposta na retrospectiva. No fim da vida, Serva volta à abstração em pinturas que retomam o caminho do construtivismo.

De “Charles Chaplin subdesenvolvido”, no entender de Nelson Rodrigues, a fenômeno da comunicação de massa, na análise do pensador francês Edgar Morin, o fato é que Chacrinha foi o mais original e revolucionário dos apresentadores de programa de auditório da TV brasileira. Com o dom do improviso e senhor de uma alegria circense, ele desestruturou regras de um meio que sempre dependeu da organização. “Foi um revolucionário, um cara totalmente disruptivo e que transformou tudo por onde passou. Ao mesmo tempo que apresentava uma característica de palhaço, também tinha do comunicador de massa com uma inteligência impressionante”, observa Micael Langer que, ao lado de Claudio Manoel, é diretor do documentário Chacrinha – Eu Vim Para Confundir e Não Para Explicar, que estreia nos cinemas na semana em que Fausto Silva, cujo programa praticamente substituiu o do Velho Guerreiro na Globo, anunciou sua saída, após 32 anos no ar.

Trata-se de uma variada coleção depoimentos – alguns, de artistas que já se foram como Chico Anysio e Gugu Liberato – que, em sua estrutura de mosaico, buscam traçar o perfil de José Abelardo Barbosa de Medeiros (1917-1988), criador da persona Chacrinha, nome mítico que comandou extravagantes concursos de calouros, revelou grandes nomes da música brasileira e inventou bordões tanto originais como infames. Era ainda um homem bipolar, meticuloso com o trabalho, obcecado pela medição da audiência, mas impaciente com as pessoas que o rodeavam, disparando palavrões e impropérios.

“Chacrinha soube usar a ferramenta da comunicação em massa de uma maneira que ninguém tinha feito antes. Era um gênio da comunicação, só que travestido de um palhaço de estilo popular”, continua Langer. O documentário traz informações conhecidas e outras nem tanto. Como a suspeita de que Chacrinha teve um caso extraconjugal com a cantora Clara Nunes, confirmada por um dos operadores de câmera do programa.

Outra história pouco conhecida é revelada por José Bonifácio de Oliveira Sobrinho, o Boni, que comandou a Globo entre as décadas de 1970 e 1990, concebendo o formato básico da emissora que se mantém até hoje. Em 1972, Chacrinha decidiu, num ímpeto, trocar a Globo pela Tupi, abrindo um buraco na programação. Boni, então, recorreu a Roberto Carlos, grande amigo do Velho Guerreiro.

“Eu falei o seguinte: você faz um único programa por ano (que daria origem ao seu tradicional especial de Natal) e apresenta agora 11 programas Globo de Ouro no mesmo horário do Chacrinha na Tupi.” Roberto relutou, argumentando que tinha sido praticamente lançado pelo Chacrinha. Boni, então, apelou: “Roberto, coloca então aí a nossa amizade, sua história na Globo e também o fato de eu ter cancelado seus patrocinadores de bebida alcoólica como você me pediu. E aí ele fez”.

Além disso, Boni orientou a criação do Fantástico que, ao estrear em 1973, logo dominou a audiência da noite do domingo, achatando ainda mais o ibope de Chacrinha: a Globo cravava 50-60 pontos e a Tupi ficava com 10-12. “Mas Boni e Chacrinha sempre foram amigos, apesar de tudo”, explica Langer. “Ou, caso contrário, Chacrinha não teria voltado para a Globo em 1982, retomando a carreira de sucesso que manteve até os últimos anos de vida.”

De fato, o Velho Guerreiro voltou a bater recordes de audiência nas tardes de sábado, com até 52% de share. Ficou na emissora até morrer em decorrência de um câncer de pulmão, em 1988, aos 70 anos. Vascaíno de coração e apaixonado pela Portela, foi enterrado com as duas bandeiras sob seu caixão.

Em todas as entrevistas mostradas no documentário, destaca-se a opinião unânime de que Chacrinha era a personificação de um Brasil livre, solto. O público, de todos os níveis sociais e econômicos, se encantava com aquela forma miúda de andar do Velho Guerreiro, os abraços abertos para a plateia, a voz rasgada ligeiramente rouca e até minúcias, como a forma de acertar os óculos no rosto. “Hoje, o que fica é um símbolo, uma ideia, uma lenda, algo que está muito acima do homem e do personagem”, observa Langer.

Sucesso de público e crítica, Bom Dia, Verônica estreou na Netflix em outubro, mas a série brasileira ainda repercute. E colhe frutos – sobretudo, o elenco. Até hoje, a personagem Janete reverbera na carreira da atriz Camila Morgado, que dá vida a essa mulher presa a um relacionamento abusivo, de forma realista, precisa, primorosa. Os elogios são merecidos, assim como os prêmios. No final do ano passado, Camila ganhou o prêmio Contigo! de melhor atriz coadjuvante, e neste início de 2021, levou mais dois troféus: de melhor atriz coadjuvante no Prêmio Brasileiro de Teledramaturgia e de melhor atriz no Prêmio da Associação Paulista de Críticos de Artes (APCA). 

“Foi muito bom dividir o prêmio da APCA com a Tatiana Tibúrcio (por ‘Falas Negras’, da Globo). Fiquei muito emocionada, porque ela também faz uma mulher que fala de um tema real, de algo que aconteceu. Então, ela ter sido premiada e eu também, fazendo a Janete, que representa todas essas mulheres que sofrem violência doméstica, psicológica, física, achei muito simbólico nós duas ganharmos esse prêmio”, diz Camila, em entrevista ao Estadão, por telefone – referindo-se à interpretação emocionante de Tatiana como Mirtes, mãe do menino Miguel Otávio, que caiu de um prédio no Recife, após ela deixar o filho sob os cuidados da patroa.

Em Bom Dia, Verônica – inspirada no livro de Ilana Casoy e Raphael Montes, e com direção-geral de José Henrique Fonseca –, a Janete de Camila Morgado é a mulher subjugada pelo marido algoz, o policial Brandão (Eduardo Moscovis) – que esconde outra faceta violenta, a de serial killer. Com o tempo, Brandão vai cerceando a liberdade e a ligação da mulher com o mundo exterior. Sem contato com amigos ou família, ela acaba se isolando, tal e qual acontece em relacionamentos abusivos na vida real.

“Estamos vendo agora na pandemia como aumentaram os casos de feminicídio, de violência doméstica”, observa a atriz. “São temas que fazem parte da nossa realidade. O Brasil é o 5.º país que mais mata mulheres. Eu e o Du sempre falávamos sobre isso: o Brandão vê a Janete como propriedade dele, aquela mulher é dele, e passa muito isso, a submissão da Janete, ela sendo aquele ser que é manipulado pelo marido, que vai perdendo sua identidade, seus laços com a família.” 

Aliás, a sintonia em cena entre Camila e Moscovis se mostra fundamental na narrativa. Existe um jogo muito intenso, na medida certa, entre eles, que são dois grandes atores. Esse casal tem grande importância na trama, assim como a protagonista, a escrivã Verônica (Tainá Müller), que inicia uma jornada sem precedentes após testemunhar, na delegacia onde trabalha, o suicídio de uma mulher enganada por um homem. É Verônica quem escuta, acolhe Janete, e tenta tirá-la dessa relação, do domínio desse homem que a chama de “passarinha” – mas o apelido gera arrepios a quem assiste à série. 

E como foi construir essa Janete? “Pensei muito em trabalhar o silêncio, o vazio, eu pensava muito nessas coisas, porque é uma mulher que fica dentro de casa e sai pouquíssimo. A casa é a própria prisão, é o cativeiro”, diz. Preste atenção no olhar de Camila, na postura de seu corpo, para dentro, como se Janete quisesse se esconder, ficar invisível. “Ela vai perdendo toda a vaidade, é como se estivesse num outro tempo.”

Na mesma época em que a série da Netflix foi lançada, Camila iniciava as gravações, no Uruguai, de outra série, para a Amazon. Sobre a nova produção, ainda sem nome, a atriz diz que não pode adiantar detalhes. “O que posso falar é que faço uma advogada criminalista.” As filmagens devem ser retomadas entre fevereiro e março. Por causa da pandemia, a atriz ficou o ano passado praticamente sem trabalhar. Parou de procurar textos para teatro e, por ora, não há projetos previstos no cinema nem na TV. As produções, de maneira geral, foram adiadas ou canceladas. Ver esse cenário para o teatro e o cinema no Brasil a entristece, assim como a falta de ajuda do governo. “Sei que a gente está atravessando uma pandemia, mas esse projeto de destruição (da arte) começou antes da covid.” 

Assim, o lançamento de Bom Dia, Verônica e as gravações da série da Amazon surgiram como alentos para ela em 2020. “Fico muito contente de fazer parte de uma série como Bom Dia, Verônica, que é voltada para o entretenimento, e falar de um tema tão importante e urgente como esse.” 

Aconselhada pela filha Sasha, a apresentadora Xuxa Meneghel visitou a Aldeia Nissi, em Bié, Angola, uma região carente que sofreu com a guerra e onde hoje são cuidadas cerca de 1.200 crianças. E ela viajou com o plano de conhecer um menino em especial, cuja história extraordinária a inspirou a escrever Betinho – O Amor em Forma de Criança, lançado agora pela Globo Livros (32 págs., R$ 52, com ilustrações de Monge Lua).

Trata-se do garoto nascido em uma família pobre. Para completar, seu pai ficou cego quando ele ainda era bebê e a mãe, julgando-se incapaz de cuidar de todos, decidiu tentar a sorte em outra região. Um vizinho passou a cuidar de Betinho e o pai, buscando mantimentos em uma região distante.

“Quando fui a Bié, conheci Betinho e seu pai. Betinho é um menino doce, com lindas bochechas e boca que parece um coração. Essa história mostra que, quando você é guiado pelo coração e age com amor, tudo dá certo”, conta Xuxa que, recentemente, lançou outro livro infantil, também inspirado em uma história real: Maya – Bebê Arco-Íris, sobre uma menina que vive com duas mães.

Desde o lançamento de sua autobiografia no ano passado, quando revelou assuntos incômodos de sua vida (como o sofrimento com bullying e assédio sexual), Xuxa vem tomando posições mais firmes sobre temas como política e a guerra estabelecida nas redes sociais entre grupos de pensamentos antagônicos. Sobre o livro e outros assuntos, ela respondeu por e-mail as seguintes questões.

O que é real e o que é ficcional na sua história do Betinho? 

É tudo verdade, só o lance da mãe dele que é ficção. Eu não sei de fato o motivo de ela ter abandonado os dois. O que sei é que ela pediu para o Betinho ficar com ela, mas o pai insistiu em ficar com ele. 

Como você chegou a esse personagem tão envolvente?

Sasha me apresentou o Betinho por meio de fotos, pois já tinha ido três vezes para Angola como missionária. Na quarta vez, fui junto. Eu já sabia que ia conhecê-lo. Assim que cheguei na aldeia, fui recebida com música, mais de 30 crianças cantando e dançando, um cachorro veio dar as boas-vindas e, logo depois, veio Betinho, que pediu colo e não saiu mais de perto de mim, foi uma conexão imediata.

A Aldeia Nissi parece ser repleta de pessoas com histórias tão tocantes como a de Betinho. O que, de fato, mais te impressionou na história dele?

Sim. Têm muitas histórias pesadas e chocantes. A do Betinho me fascinou quando ouvi o pai dizer que acha que ele tem dois anos – pois não sabe ao certo o dia em que nasceu. E, mesmo pequeno desse jeito, ele pegou a bengala (na verdade, um pedaço de madeira) e puxou o pai cego por quilômetros até achar a aldeia. Ninguém sabe direito o que se passou na cabeça dele, nem ninguém vai saber. Mas ele apareceu lá em busca de comida para ele e o pai. Mas como um bebê consegue fazer isso? Ele era um bebezão. Se hoje fala pouco, na época menos ainda. O que me intriga é como ele cuida do pai, é tão responsável e com tanto carinho para dar. O esperado de uma criança seria o contrário, por isso senti vontade de mostrar sua história.

E Betinho vai ter música, como aconteceu com Maia?

Sim, mas essa foi feita e cantada por Betto Essoko, um jovem talento da aldeia, e no dialeto deles. 

Quais outras histórias que você descobriu lá e que mereceriam ser contadas em livro?

Hummmm... São pesadas para livros infantis, mas estão escritas e gravadas na minha alma.

Você se interessaria em escrever a história de alguma criança ou animal que tiveram de enfrentar o isolamento social, provocado pela pandemia?

Não. As pessoas não estão nem acreditando no vírus, como acreditariam na minha história? 

Você já disse que era uma pessoa que não tinha opinião própria, preferindo usar a dos outros.

Preferindo não, me era passado: “Você tem que falar isso”. 

Agora, se sente dona da própria voz. Assim, o que pensa sobre o que acontece no Brasil no combate da covid-19? 

Uma vergonha, que vai fazer parte da nossa história para sempre. Um desgoverno em uma pandemia, uma falta de respeito. 

A internet tem acentuado a criação de bolhas, com as pessoas só recebendo informações que lhe agradam. Isso faz com que muitas acreditem mais no que recebem das redes sociais do que em notícias divulgadas por meios confiáveis. Como uma pessoa com muita presença na internet, como você, lida com isso? 

Lido de uma maneira ruim e estou com medo, pois não vejo melhora nessas desinformações desnecessárias, muitas fake news em um momento no qual deveríamos nos alimentar de informações corretas. E isso pode gerar uma guerra.

Desde que seu documentário Babenco – Alguém Tem Que Ouvir o Coração e Dizer: Parou foi escolhido para representar o Brasil na disputa pelo Oscar de Melhor Filme Internacional, em 18 de novembro, a atriz e cineasta Bárbara Paz iniciou uma corrida contra o tempo. Afinal, era dada a largada de uma campanha de divulgação do longa entre os votantes da Academia de Hollywood, uma corrida curta e cuja disputa normalmente conta com muito dinheiro.

“Campanhas relacionadas ao Oscar normalmente envolvem milhões de dólares – a nossa é uma ação entre amigos”, conta Bárbara, que participa nesta terça, 26, do último grande evento promocional: às 23h (horário de Brasília), começa a exibição de um debate virtual sobre o filme para setores do mercado e votantes do Oscar. Contará com a participação do produtor associado e ator Willem Dafoe, além de Bárbara, da produtora Myra Babenco (filha de Hector) e da mediadora Jen Yamato, repórter do Los Angeles Times, jornal que organiza o evento.

“Até lá, publicaremos mais anúncios na imprensa especializada, como a revista Variety e o site Deadline, e ficamos na torcida”, explica Bárbara que, com isso, encerra a primeira fase da campanha. “Se o filme figurar na shortlist, iniciamos a segunda fase, que deverá contar com um distribuidor internacional.”

Isso significará um tremendo reforço na divulgação, tanto financeiro como de mídia, até 15 de março, quando saem as indicações dos cinco finalistas para o Oscar, cuja cerimônia de entrega está marcada para Los Angeles, dia 25 de abril – por enquanto, ainda de forma presencial.

Mesmo que não alcance esse objetivo, Bárbara Paz já terá conquistado uma vitória fenomenal. Babenco – Alguém Tem Que Ouvir o Coração e Dizer: Parou é um documentário-poema, que registra os últimos meses de vida de Hector Babenco, um dos maiores cineastas nacionais, autor de obras fundamentais como Pixote, Lúcio Flávio e O Beijo da Mulher Aranha, entre outros, e que morreu em 2016, aos 70 anos.

Companheira do diretor na vida e na arte, Bárbara começou a fazer os registros quando Babenco rodava Meu Amigo Hindu, seu derradeiro longa, e continuava uma incansável luta contra o câncer – o primeiro foi diagnosticado quando ele tinha 38 anos. “Eu não queria realizar um documentário clássico, com pessoas opinando sobre ele, pois Hector estava vivo. Ele mesmo dizia isso, ‘quero ser o protagonista da minha própria história, não quero que ninguém fale de mim’”, conta. “Assim, fizemos um filme muito pessoal, em que ouvi Hector falar sobre ele mesmo.”

Como a figura pública do cineasta já era amplamente conhecida, Bárbara optou por um longa autoral, que vagueia pelo subconsciente de um homem que resistia, mas sabia que estava com os dias contados. “Aos poucos, ele foi baixando o escudo e se revelou o pensador, o poeta, o homem que lutava para sobreviver. Por isso, as cenas íntimas são, disparadamente, as melhores. É uma carta de amor ao cinema.”

O longa, que continua em cartaz no cinema e destaca o confronto entre a força intelectual e a fragilidade física, estreou mundialmente no Festival de Veneza de 2019 e faturou os prêmios de Melhor Documentário na Mostra Venice Classics e da crítica independente. Isso logo o credenciou para o Oscar desta categoria, mas, quando foi escolhido para representar o Brasil no prêmio de Filme Internacional, os rumos mudaram.

“Começamos a concentrar esforços para essa categoria”, explica Bárbara, que recebeu apoio financeiro dos coprodutores Globo Filmes e Canal Brasil, além dos apoiadores Globo, Itaú e SpCine – nenhum tostão do governo federal. Com isso, foi possível bancar os custos das primeiras exibições e dos anúncios na mídia especializada dos EUA, que consumiram cerca de US$ 8 mil. “Confeccionamos cópias de DVDs também, pois há jurados, como o cineasta e roteirista Paul Schrader, que se recusam a assistir por streaming.”

Com a pandemia, a Academia de Hollywood criou um portal no qual os votantes podem assistir em casa aos filmes de todas as categorias. Mesmo assim, é preciso fazer publicidade para chamar atenção. Uma forma é a de debates virtuais, como o desta terça, envolvendo personalidades. Em encontros passados, Bárbara contou com a presença desde o cineasta e pintor Julian Schnabel até o diretor Walter Salles, empenhados em ressaltar as qualidades do documentário. Schnabel, aliás, emocionado com o filme, afirmou que Bárbara conseguiu fazer o que Babenco ambicionava em Meu Amigo Hindu: uma leitura em vida de sua trajetória.

Ao mesmo tempo, como reforço de caixa, foi criada uma campanha de crowdfunding (www.benfeitoria.com/babenco) para arrecadar R$ 200 mil – a meta tem de ser atingida até o dia 31 e, até esta segunda, estavam garantidos R$ 137.105. “Se o filme figurar na shortlist, iniciaremos a segunda fase da campanha, para arrecadar outros R$ 300 mil, pois a publicidade terá de ser maciça”, explica Bárbara.

Babenco é um dos 7 documentários que concorrem como Filme Internacional, um fato inédito. Entre eles, há fortes candidatos como o italiano Notturno e o romeno Collective. “São todos grandes filmes”, comenta Bárbara, que conta com um publicista em Los Angeles para cuidar da campanha, além de receber dicas de Petra Costa, cujo documentário Democracia em Vertigem foi finalista no ano passado.

“Acho que Hector estaria feliz com todo esse trabalho”, confidencia Bárbara, que ainda se emociona ao lembrar de uma observação do companheiro: “Eu não conhecia esse tipo de amor”.

Com um acervo de 2,5 milhões de imagens registradas por mais de 300 fotógrafos entre os séculos 19 e 21, parece natural que o Instituto Moreira Salles (IMS) seja hoje a principal referência da área no País. E já começa a temporada, em fevereiro – ainda em plena pandemia – com a mostra Metamorfoses, de uma fotógrafa bem adiante de seu tempo, Madalena Schwartz (1923-1993). Ela teve sua obra (16 mil negativos em preto e branco e 450 cromos) adquirida pelo IMS em 1998, destacando-se uma série pioneira com retratos de travestis e transformistas feita nos anos 1970, reunidos no livro Crisálidas, que o instituto publicou em 2012. Sobre essa e as outras exposições do ano, o superintendente executivo Marcelo Araújo e o diretor artístico do Instituto Moreira Salles, João Fernandes, falaram com exclusividade ao Estadão.

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Depois da mostra de Madalena Schwartz, que tem como curadores Samuel Titan Jr. e Gonzalo Aguiar, o IMS promove em março uma grande retrospectiva com mais de 300 obras do fotógrafo, escultor e cineasta baiano Mário Cravo Neto (1947-2009), imagens escolhidas pelo curador e crítico Luiz Camilo Osório, todas provenientes do acervo do artista, sob a guarda do IMS em regime de comodato. 

Duas grandes escritoras serão homenageadas nesta temporada pelo IMS paulistano: em junho, será a vez da mineira Carolina Maria de Jesus (1914-1977), que se tornou símbolo de um país marcado pela desigualdade social: negra e pobre, ainda assim ela conseguiu vencer todos os obstáculos e ficou internacionalmente conhecida, em 1960, ao publicar Quarto de Despejo, traduzido em vários países. A curadoria da mostra é do antropólogo Hélio Menezes e da historiadora Raquel Barreto.

Um mês depois, ainda como parte das comemorações do centenário de nascimento de Clarice Lispector (1920-1977), o instituto abre uma exposição multidisciplinar (Constelação Clarice) com curadoria do poeta carioca Eucanaã Ferraz e da romancista gaúcha Veronica Stigger. Todas as telas pintadas pela escritora serão exibidas na mostra, além do retrato que o pintor metafísico italiano Giorgio De Chirico fez dela nos anos 1940.

Fora de São Paulo ainda estão programadas mostras do fotógrafo de origem alemã Peter Scheier (1908-1979), no IMS Rio, com curadoria de Heloisa Espada, e Limercy Forlin (1921-1986), no IMS de Poços de Caldas, cujo acervo foi doado ao instituto por seus herdeiros em 2016. O curador e também pintor Teodoro Stein Carvalho Dias selecionou imagens produzidas por ele em seu estúdio entre 1958 e 1982.

O fato de duas escritoras integrarem a programação de 2021 não deve ser visto como um desvio de rota. Será, com certeza, difícil imaginar uma escritora capaz de transformar imagens em palavras como Carolina Maria de Jesus, como assinala o diretor artístico do IMS, João Fernandes. “Além disso, era ligada ao universo musical, compondo e desenhando os próprios figurinos do carnaval”, diz. Como se sabe, além de fotografia, o acervo musical do instituto é vasto – mais de 50 mil discos disponíveis em seu site, segundo o superintendente Marcelo Araújo, que conta com um orçamento generoso para programar com antecedência as exposições – R$ 50 milhões por ano. 

Isso possibilita, por exemplo, organizar uma retrospectiva como a do grande fotógrafo e cineasta norte-americano Gordon Parks (1912-2006) no próximo ano. Parks, pobre e negro como Carolina de Jesus, nasceu no Kansas e comprou sua primeira câmera numa loja de penhores. Via no instrumento uma arma contra a intolerância e a segregação racial. E subverteu padrões hollywoodianos ao dirigir, em 1971, Shaft, que tinha como protagonista um detetive negro, filme pioneiro no gênero blaxploitation.

Outros nomes anunciados pelo diretor artístico João Fernandes são os artistas conceituais Lothar Baumgarten, um alemão de Rheinsberg que foi discípulo de Josef Beuys e Helena Almeida (1934-2018), performer portuguesa de Lisboa que, no ano de sua morte, foi homenageada pela Tate Modern com uma retrospectiva em que se destaca uma de suas mais conhecidas obras, Pintura Habitada (1975), intervenção pictórica sobre uma fotografia em preto e branco que sintetiza sua meta de autorrepresentação. “Em contrapartida, estamos mandando para a Europa exposições concebidas e montadas aqui, como a da fotógrafa Cláudia Andujar, que passou pela Fundação Cartier e agora está na Trienal de Milão”, comemora Fernandes.

Uma exposição que mostra como o surgimento dos ateliês de costura em 1910 na Europa, especialmente na França e no Brasil, influenciou os artistas será aberta nesta sexta-feira, 22. A mostra Arte da Moda - Histórias Criativas reúne em dois andares do Farol Santander, em São Paulo, 170 itens como um tear de 200 anos, casacos, bordados, acessórios, fotos e vídeos de coleções clássicas e contemporâneas. 

Entre esses artigos, está o vestido de casamento de Tarsila do Amaral com Oswald de Andrade, que será exibido pela primeira vez ao público. A peça foi criada, em 1926, a partir do traje matrimonial da mãe do escritor, por Paul Poiret, um dos principais estilistas franceses da época e dono do legado que ajudou a definir o conceito moderno de estilista.

Esse vestido puxou todo o fio da meada para a curadora Giselle Padoin contar a evolução da moda. “Sou apaixonada pela década de 1910, porque foi um momento crucial para a cultura mundial em função da vanguarda que se reuniu em Paris, centro cultural que inclusive acolheu inúmeros intelectuais brasileiros e a Tarsila foi uma delas. Em uma viagem ela foi apresentada ao Paul Poiret que acabou se tornando seu estilista preferido”, conta Padoin.

“Eu espero mostrar que até a partir de um vestido a gente pode descobrir tantas coisas interessantes sobre história da modernidade. São fascinantes as conexões que a moda faz com vários assuntos como história e comportamento, porque você pode a partir de um vestido descobrir tudo o que estava acontecendo em determinada época”, afirma Giselle.

A exposição Arte da Moda - Histórias Criativas proporciona ao público uma imersão e uma viagem no tempo. Capas da revista Vogue ilustradas pela artista americana Helen Dryden levam o visitante até os anos 20.

Um pouco mais à frente na linha temporal estão outros destaques da exposição: bijuterias dos anos 1960 e 1970 assinadas por Yves Saint Lauren.

São do mesmo período, mas de produção nacional, os dez vestidos da coleção Rhodia que estão na mostra. As peças foram desenvolvidas por estilistas e artistas da época como Dener Pamplona, Alceu Penna, Ugo Castellana, Fernando Martins, Hércules Barsotti e Alfredo Volpi.

Ainda da moda brasileira, o visitante pode apreciar um corset da coleção A Costura do Invisível, apresentada pelo designer Jum Nakao na Semana de Moda de São Paulo (SPFW), em 2004.

Para retratar tempos mais atuais, vêm da capital francesa para a mostra três peças da grife Christian Dior Couture, incluindo um look completo da coleção de alta costura Cirque, desenhado por Maria Grazia Chiuri para a primavera-verão de 2019.

Falando em atualidade, a exposição também oferece ambientes interativos. Crianças e adultos podem montar looks com mini roupas inspiradas nos estilistas da mostra e bonecas feitas de material magnético. De acordo com a organização, após o manuseio todos os cuidados sanitários e de higienização serão feitos pela monitoria.

A exposição segue até 4 de abril, e estará aberta excepcionalmente no feriado de segunda-feira, no dia 25, para celebrar o aniversário da capital paulista.

O livro mais vendido no Brasil em 2020 foi Do Mil ao Milhão. Sem Cortar o Cafezinho. Com esse título publicado em novembro de 2018 e que fechou 2019 na terceira posição do ranking, Thiago Nigro, criador do canal Primo Rico, desbancou Mark Manson – A Sutil Arte de Ligar o F*oda-se, do americano, ficou no topo durante dois anos consecutivos -, e confirmou o bom desempenho durante os primeiros meses da quarentena. O levantamento exclusivo foi feito pela Nielsen a pedido do Estadão.

Best-sellers de 2020 (Foto: Daniel Teixeira/Estadão)

Há menos autoajuda (pessoal ou financeira) entre os 15 livros mais vendidos de 2020 do que tinha em 2019 – foram 9 agora e 13 antes (os outros dois eram títulos infantis de Luccas Neto). Se em 2019 nenhuma ficção chegou à lista, agora temos dois de George Orwell às vésperas do domínio público – A Revolução dos Bichos, em 7º lugar, e 1984, em 10º -, e Sol da Meia-Noite, de Stephenie Meyer, em 14º. O livro de Meyer, aliás, que resgata os personagens e o universo de sua saga best-seller Crepúsculo, foi o único publicado em 2020 a entrar no ranking dos mais vendidos.

O grupo Companhia das Letras tem mais títulos na lista – 5, contando os selos Objetiva e Companhia das Letras. HarperCollins Brasil e Intrínseca aparecem com dois livros cada uma.

Novos livros de Thiago Nigro

Em novembro, na esteira do sucesso de Do Mil ao Milhão, Thiago Nigro lançou outros dois livros pela HarperCollins: O Método Financeiro do Primo Rico, um guia interativo para ajudar o leitor a atingir metas na área financeira; e o infantil Como Cuidar do Seu Dinheiro, escrito em parceria com Maurício de Souza, um guia da Turma da Mônica de educação financeira para crianças.

Thiago Nigro na redação do Estadão, em 2017 (Foto: Alex Silva/Estadão)

Os livros mais vendidos de 2020

1. Do Mil ao Milhão, de Thiago Nigro (HarperCollins Brasil)
2. A Sutil Arte De Ligar O F*da-Se, de Mark Manson (Intrínseca)
3. Mulheres Que Correm Com Os Lobos, de Clarissa Pinkola Estes (Rocco)
4. Mais Esperto Que O Diabo, de Napoleon Hill (Citadel)
5. O Milagre da Manhã, de Hal Elrod (Best Seller)
6. Os Segredos Da Mente Milionária, de T. Harv Eker (Sextante)
7. A Revolução Dos Bichos, de George Orwell (Companhia das Letras)
8. O Homem Mais Rico Da Babilônia, de George S. Clason (HarperCollins Brasil)
9. O Poder Do Hábito, de Charles Duhigg (Objetiva)
10. 1984, de George Orwell (Companhia das Letras)
11. Mindset, de Carol S. Dweck (Objetiva)
12. Pequeno Manual Antirracista, de Djamila Ribeiro (Companhia das Letras)
13. Pai Rico, Pai Pobre (Edição de 20 Anos atualizada e ampliada), de Robert Kiyosaki (Alta Books)
14. Sol da Meia-Noite, de Stephenie Meyer (Intrínseca)
15. Sapiens – Uma Breve História Da Humanidade, de Yuval Noah Harari (L&PM)

A atriz Zezé Motta se juntou aos colegas Herson Capri, Beth Goulart, Fúlvio Stefanini, Miguel Falabella e Suely Franco em uma vídeo para defender a vacinação contra covid-19. 

Com a frase "Eu abraço a vacina', o objetivo do vídeo é debater o assunto e incentivar a população a se imunizar. No domingo, 17, as vacinas Coronavac e a de Oxford foram aprovadas no Brasil para uso emergencial.

Em outros vídeos da associação também estão Ney Latorraca, Léa Garcia, Louise Cardoso, Rodrigo França, Marcos Caruso, Flávio Marinho, Françoise Forton e Cristina Pereira.

Confira.

Na língua japonesa, a palavra “tsutsumu” significa “embrulhar”. Seu ideograma simboliza uma criança no ventre da mãe, o que transmite a ideia de proteção de algo precioso. Essa e outras curiosidades são apresentadas ao público em Embalagens: Designs Contemporâneos do Japão, nova exposição que ocupa a Japan House até 14 de março. 

Uma vez que o ato de presentear faz parte do código de etiqueta da cultura japonesa, como um sinal de respeito, as embalagens desempenham um papel fundamental para esse gesto social, sendo parte agregadora do objeto ofertado. O mesmo ocorre com as embalagens dos produtos do dia a dia dos japoneses, em que cada detalhe, aliado à sustentabilidade e às tradições do país, ampliam a experiência de consumo.

“O público poderá sentir que está passeando pelo Japão, não só no sentido da experiência estética, mas da percepção de hábitos de consumo e tradições culturais que fazem parte do dia a dia deles. A partir dessa observação, é possível ter uma visão do que é a sociedade japonesa hoje”, diz a curadora Natasha Barzaghi Geenen, diretora cultural da Japan House.

Seleção. A exposição apresenta, por exemplo, itens cotidianos como chicletes envoltos em papéis de dobradura para Origami ou uma caixinha colorida de biscoito, que lembra um embrulho de presente e cuja dimensão a faz caber perfeitamente nas mãos, assim como embalagens de arroz resultantes de um projeto com famílias agricultoras da cidade de Wajima, com cada uma delas ilustrando um elemento da cultura local.

São expostas ainda embalagens como uma caixa destinada a trutas com ovas, com invólucros em forma de onda que se encaixam, e também uma embalagem especial para guardar cerejas de alta qualidade, remetendo a um estojo de joias. 

Há outros itens curiosos, como caixinhas destinadas a um carvão artesanal para pintura, conhecido como Narasumi, que traz a forma das máscaras usadas no teatro Gigaku. A embalagem criada para o produto é decorada com ilustrações inspiradas nos tecidos de um templo de Nara, cidade em que é produzido, e com um brilho que reproduz o de uma técnica específica da região.

Cosméticos e produtos de higiene também ganham destaque na mostra. Latinhas de um pó compacto, por exemplo, remetem à experiência de visitar uma galeria de arte, com peças limitadas e exclusivas trazendo ilustrações de grandes criadores da atualidade. Já a embalagem de um sabonete para as mãos, de fácil manuseio para as crianças, produz uma espuma em formato de flor.

Segundo Natasha, com produtos como esses, a mostra evidencia a importância do design não apenas ligado a coisas “grandiosas”, como eletrodomésticos e mobiliário, mas também a detalhes que têm o poder de “agregar valor ao produto, atrair o consumidor e tornar o seu dia mais feliz.” 

Ações paralelas. A quem se sentir instigado pelo tema, estão programadas atividades online complementares à exposição.

Nesta terça-feira, às 16h, o núcleo educativo do espaço cultural promove um primeiro encontro que propõe explorar a tradição dos embrulhos japoneses. No sábado, 23 de janeiro, será divulgado um vídeo com lições sobre como fazer uma caixinha de papel utilizando a técnica do origami.

As transformações de técnicas tradicionais na criação de algumas embalagens do país ganham destaque em dois encontros, nos dias 22 e 29 de janeiro, às 17h. Já no dia 26 de janeiro, às 16h, haverá uma conversa dedicada à cultura do presentear no Japão. 

SERVIÇO

Japan House. Av. Paulista, 52, Bela Vista, 3090-8900. 11h/17h (fecha 2ª). Grátis. Reserva online opcional pelo site agendamento.japanhousesp.com.br. 

Acesso às atividades online em bit.ly/eventosJHSP. 

Graceland, de Elvis Presley, agora oferece tours online ao vivo para fãs de todo o mundo, incluindo aqueles que não podem viajar para a atração turística do Tennessee durante a pandemia do coronavírus.

Graceland disse que as visitas guiadas de duas horas levarão visitantes virtuais à antiga casa de Elvis Presley em Memphis, que foi transformada em um museu, e através do Jardim de Meditação, onde ele está enterrado. O cantor e ator morreu em Memphis em 16 de agosto de 1977.

Graceland costuma receber centenas de milhares de visitantes por ano. Mas a atração turística diminuiu o número de visitantes durante o surto do coronavírus. Graceland esteve fechado por várias semanas no ano passado e agora está aberto para passeios presenciais de capacidade limitada.

Às costas do Brasil, mas como se estivessem em outra galáxia, países da América Latina receberam o rock desde suas calças curtas, em 1957, a partir do encorajador fenômeno planetário em espanhol Richie ‘La Bamba’ Valens, e o transformaram em seu com poesia, fúria e personalidade. As duas primeiras qualidades o rock traz em seu DNA para se estabelecer em qualquer lugar do mundo. A terceira, não. Ou seja, antes mesmo de ser absorvido no Brasil com algum caráter particular, argentinos, mexicanos, uruguaios, peruanos e chilenos o usavam à sua forma, filtrado em suas tradições, como uma arma que não havia sido apontada da mesma forma nem em seus berços. Sem governos ditatoriais a combater nos Estados Unidos dos anos 50 ou na Inglaterra dos 60, o rock aprendeu a ser rock mesmo, de dimensões sociais coletivas e não apenas comportamentais, sob as rajadas das ditaduras latino-americanas.

Há muito mais conjecturas a se fazer depois dos reveladores seis episódios da série Quebra Tudo – A História do Rock na América Latina que a Netflix oferece desde janeiro. São quase 100 entrevistas, imagens de arquivo valiosas e, para os brasileiros, um deleite extra. Salvo nas passagens sobre artistas como os argentinos Soda Stereo e Café Tacuba, os colombianos Aterciopelados ou os mexicanos superstars do Maná, que conseguiram de algum modo furar o bloqueio linguístico – o fator apontado como a principal causa do distanciamento industrial mantido dos hispânicos no lado português do continente – tudo é uma saborosa descoberta narrada sempre em paralelo aos tremores políticos provocados por presidentes ora assassinos, ora assassinados.

A festa dos hermanos não passou pelo Brasil por falta de interesse das gravadoras, que patrocinaram o intercâmbio continental em língua espanhola sem envolver o Brasil. A sensação, agora, pode ser de perda. O quanto perdemos longe do uruguaio Hugo Fattoruso, antes de ser quem se tornou, como roqueiro dos seminais Los Shakers e por não ouvirmos os argentinos do Joven Guardia (ninguém consegue dizer se foram ou não inspirados na Jovem Guarda brasileira) cantando El Extraño de Pelo Largo. De quanta poesia fomos privados sem os LPs do genial Luis Spinetta, líder do fabuloso grupo Almendra. Quanta energia deixamos de conhecer por não termos ouvido os discos do mexicano de Tijuana, Javier Bátiz, de vocal poderoso e dono de uma versão estupenda de The House of the Rising Sun. O homem que, depois de ser visto cantando na praça por um menininho de 5 anos chamado Carlos Santana, foi procurado pela mãe do futuro maior guitarrista de rock da língua espanhola no dia seguinte: “Por sua culpa, meu filho ficou sem dormir a noite toda!”. E que história é essa do Woodstock mexicano realizado às margens do Lago Avándaro, em 1971, quando se esperavam 5 mil pessoas e apareceram – até onde conseguiram contar – algo como 250 mil. Como o rock, por seu potencial explosivo, foi proibido no México por oito anos? E de que forma a MTV Latina conseguiu unificar esse gigantesco bloco produtor de um som vigoroso e cheio de influências que iam da cumbia ao tango?

Seria um erro não incluir o Brasil em nenhum capítulo do documentário? “Eu morei em São Paulo por cinco anos e sei que o universo roqueiro de vocês é gigante. Seria preciso mais dez temporadas”, diz ao Estado o diretor da série, Picky Talarico. Ele conta que pensou em fazer duas entrevistas, que acabaram não sendo levadas adiante: uma com Herbert Vianna, dos Paralamas do Sucesso, e outra com Caetano Veloso. Os Paralamas são uma exceção no proclamado autossuficiente rock brasileiro dos anos 80, considerados “a banda de rock brasileira mais argentina da história” desde que o piano de Charly Garcia, o herói portenho, apareceu na gravação de Quase Um Segundo, do álbum Bora Bora, de 1988. E Caetano por um ponto curioso: sobretudo os argentinos o percebem até hoje como um roqueiro, não como um cantor de MPB. E isso graças ao 3.º Festival da Música Popular Brasileira de 1967, quando cantou Alegria Alegria acompanhado pela banda de argentinos chamada Beat Boys, com Tony Osanah (guitarra e voz), Cacho Valdez (guitarra), Toyo (órgão), Willy Verdager (baixo) e Marcelo Frias (bateria). Os dois últimos estariam na base dos Secos & Molhados cinco anos depois.

“Mas a postura dele é roqueira. Aliás, foi a MPB de vocês que teve a atitude do rock nos anos 70”, diz Talarico. E como o próprio Caetano considera o título de roqueiro latino-americano dado pelos argentinos? “Acho merecido pelas coisas que fizemos antes mesmo de argentinos, uruguaios, mexicanos ou chilenos. Cantei Alegria Alegria em 1967. Toda aquela atitude roqueira que fazia parte do tropicalismo foi aparecer só mais tarde em cantores argentinos ou mexicanos”, diz ao Estado. Talvez se surpreenda se vir a série. Mas, instantes depois, ele manda outra mensagem com um complemento: “Eles (os produtores da série) deveriam falar é de Raul Seixas. Quando eu e Gil fazíamos, em 1964, shows no Teatro Vila Velha, de bossa nova, Raul fazia show de rock no Cine Roma, lotado!”.

O argentino Gustavo Santaolalla, músico, produtor e compositor que levou dois Oscar pelas trilhas sonoras originais dos longas O Segredo de Brokeback Mountain (2005) e Babel (2006), aparece sendo entrevistado em vários momentos – um espectador desavisado pode terminar de assistir ao documentário o considerando, de fato, um gênio, já que sua figura é colocada como central em vários casos de sucesso de bandas e cenas. Mas fica mais estranho quando se percebe também que seu nome aparece nos créditos como produtor executivo. Não haveria, no mínimo, um conflito de interesses?

A checagem é feita com Billy Bond, músico e produtor argentino que hoje vive no Brasil e que liderou um supergrupo nos anos 70, em Buenos Aires, chamado La Pesada Del Rock and Roll, uma formação estelar com líderes de outros grupos, como Spinetta e Charly Garcia. Apesar de também aparecer como entrevistado, ele diz: “O erro desse documentário se chama Santaolalla. Ele mente, não participou de tudo o que diz”. Procurado pela reportagem, Santaolalla não retornou aos pedidos de entrevista, mas o diretor Talarico falou a seu favor. “Ele disse que deveríamos tirar um pouco as partes em que aparecia, mas achei que, por sua importância, precisava ficar mais tempo.” Alguns memes não perdoaram o centralismo de Santaolalla e passaram a fazer montagens com o rosto do produtor ao lado de frases como “no dia em que nasci, nasceu o rock latino” e “sem a minha música a vida seria um erro”. 

A corrida para Oscar deste ano se tornou a mais longa de todos os tempos e a mais difícil de prever: em meio à persistente pandemia, a cerimônia foi adiada para 28 de abril (com filmes lançados até 28 de fevereiro na disputa), e a pompa comum ao circuito de festas e ostentação praticamente evaporou, deixando como rastro uma série de links para exibições pouco empolgantes.

Ainda assim, em pelo menos uma das categorias principais me sinto confortável em apontar um favorito: na disputada corrida pelo Oscar de Melhor Ator, Boseman assume a vantagem por sua excepcional atuação em A Voz Suprema do Blues. Os jurados dificilmente deixarão passar a oportunidade única de reconhecer o talento do superastro morto recentemente.

Quais desses nomes têm mais chance de surpreender? Aqui vão minhas projeções.

Riz Ahmed, ‘Sound of Metal’

Ahmed mostrou sensibilidade como coadjuvante em O Abutre e Os Irmãos Sisters, mas, como ator principal de Sound of Metal, deu um passo além: representando um baterista envolvido com drogas, que não consegue aceitar sua repentina perda de audição, Ahmed simplesmente arrasa. Uma recente vitória sobre Boseman no Gotham Award sugere que ele tem o que é preciso para merecer sua primeira indicação ao Oscar; esperemos que os jurados também incluam na disputa seu maravilhoso coadjuvante, Paul Raci, tão marcante como líder da banda de Ahmed.

Kingsley Ben-Adir, ‘Uma Noite em Miami’

Enquanto esse drama encenado na época do movimento pelos direitos civis (que estreia sexta-feira na Amazon) confere a quatro personagens um peso similar, o serviço de streaming posiciona Ben-Adir (que representa Malcolm X) e Eli Goree (Muhammad Ali) como atores principais, enquanto Leslie Odom Jr. (Sam Cooke) e Aldis Hodge (Jim Brown) deverão disputar categorias de apoio. É uma estratégia arriscada, mas Ben-Adir mostra potencial para disputar a estatueta de Melhor Ator: o emergente britânico dá um toque intimista a Malcolm X que gratifica o ícone com um sentimento humano.

Chadwick Boseman, ‘A Voz Suprema do Blues’

Apesar de a morte de Boseman ter criado certa urgência em honrá-lo, a atuação dele nessa adaptação de August Wilson teria conquistado a atenção do Oscar de qualquer maneira: ele é simplesmente tremendo, em um papel corajoso e atrevido, que se descola totalmente de sua estoica atuação em Pantera Negra. Premiações póstumas no Oscar são difíceis de acontecer, mas Boseman remete a Heath Ledger em Batman: o Cavaleiro das Trevas, uma de suas mais aclamadas atuações, no fim de sua curta carreira.

Sacha Baron Cohen, ‘Borat: Fita de Cinema Seguinte’

Com o dom de Borat para acabar com qualquer festa, um azarão como Baron Cohen não deveria ser descartado, especialmente desde que o primeiro Borat rendeu ao ator e roteirista um Globo de Ouro e uma indicação ao Oscar de Melhor Roteiro Adaptado. As duas categorias estão em jogo novamente, apesar de podermos transferir qualquer ímpeto que Baron Cohen tenha para levar o prêmio de Melhor Ator para uma indicação muito mais provável como Melhor Ator Coadjuvante, por sua atuação como Abbie Hoffman em Os 7 de Chicago.

Tom Hanks, ‘Relatos do Mundo’

Uma indicação para Melhor Ator Coadjuvante no ano passado por Um Lindo Dia na Vizinhança quebrou um jejum de Oscars de aproximadamente duas décadas para Hanks, cujas atuações mais recentes têm sido frequentemente desdenhadas. Se os jurados optarem por grandes nomes este ano, Hanks terá uma boa chance, mas seu papel como veterano da Guerra Civil Americana em Relatos do Mundo é terrivelmente contido e digno de se perder nesse mar de reluzentes concorrentes.

Anthony Hopkins, ‘The Father’

As coisas teriam que sair muito errado para Hopkins deixar de ser indicado: como um patriarca que começa a perder seu lugar no mundo por causa da demência, Hopkins entrega uma obra-prima da fase mais madura da carreira (o filme será lançado em 26 de fevereiro). Papéis tão bons não aparecem com frequência para um ator de 83 anos e, em um outro ano, esse fenômeno poderia ter garantido a Hopkins seu segundo Oscar. Mas será que os jurados negligenciarão sua única e verdadeira oportunidade de dar o Oscar deste ano a Boseman?

Delroy Lindo, ‘Destacamento Blood’

Lindo é infinitamente convincente como veterano da Guerra do Vietnã no drama de Spike Lee - e o ator de 68 anos, nunca indicado antes, foi louvado pelos principais críticos, chamando a atenção do New York Film Critics Circle e da National Society of Film Critics como candidato a Melhor Ator. Como ele é o único desta lista que atuou em um filme lançado no verão americano, esses constantes elogios o ajudarão a permanecer à frente da disputa em uma temporada de Oscar que ainda se arrastará por alguns meses.

Gary Oldman, ‘Mank’

Poderá Mank se tornar o Era uma Vez em… Hollywood deste ano? Um caro filme de época a respeito da indústria cinematográfica que ganha várias indicações, mas tem dificuldade em convertê-las em prêmios? Veterano do Oscar, Oldman certamente entrega o tipo de atuação pela qual os jurados babam: todas as falas de seu personagem, em uma voz que range como uma porta enferrujada, estão repletas de grandes decisões. Mesmo assim, os jurados com quem conversei mais respeitam do que amam o filme.

Lakeith Stanfield, ‘Judas and the Black Messiah’

Esse drama que tarda em ser lançado, a respeito do assassinato do líder dos Panteras Negras, Fred Hampton, vai reconfigurar a corrida pelo prêmio de Melhor Ator Coadjuvante, já que a brilhante atuação de Daniel Kaluuya tem força de favorita (o filme será lançado em 12 de fevereiro). O que isso significa para Stanfield, o verdadeiro ator principal do filme, que representa um traiçoeiro informante do FBI infiltrado no círculo íntimo de Hampton? Se o filme fizer sucesso, o talentoso ator pode ser levado por essa onda; ainda que as motivações de seu personagem permaneçam um pouco sombrias, Stanfield entrega boas atuações a cada cena.

John David Washington, ‘Malcolm & Marie’

Depois de perder por pouco a indicação entre os cinco concorrentes ao Oscar na categoria Melhor Ator com Infiltrado na Klan, talvez Washington tenha mais sorte com sua atuação de energia máxima em Malcolm & Marie (5 de fevereiro), um diálogo  filmado na quarentena, no qual ele representa um cineasta abjeto e amalucado, que briga com a namorada (Zendaya) por 1 hora e 45 minutos. Certamente essa é a atuação mais exibicionista e palavrosa desta lista, apesar de os jurados deverem simpatizar mais com Zendaya, por sua resistência às broncas.

Steven Yeun, ‘Minari’

Yeun merecia atenção do Oscar por sua astuta atuação como coadjuvante no filme Em Chamas, de 2018, mas os jurados logo terão chance de compensá-lo. No aclamado Minari (com lançamento em 12 de fevereiro), Yeun representa um pai que imigra para o Arkansas com sua família, para iniciar uma fazenda - seu orgulho e frustração são sentidos a cada cena, mesmo quando o diálogo é escasso. Mas, em meio a um conjunto de filmes com atuações individuais retumbantes, que chance um trabalho como o de Yeun tem de se sobressair? Até a inclinação indie dos Gotham Awards o desprezou para uma indicação e, no Oscar, a concorrência será ainda mais acirrada.

Enquanto o restante do mundo se fechava para evitar a covid-19, a estrela norte-americana Anne Hathaway se viu iniciando um novo projeto de filme - uma comédia romântica ambientada na pandemia.

"Acho que nenhum de nós sabe bem como conseguimos", disse Anne Hathaway à Reuters ao lado do coprotagonista Chiwetel Ejiofor para falar sobre Locked Down, o resultado do trabalho deles que começou a ser transmitido por streaming na HBO Max nesta quinta-feira, 14.

O filme conta a história de um casal prestes a se separar, até que as medidas contra o coronavírus os deixam juntos em Londres.

A frustração da convivência forçada e uma série de reviravoltas na trama se transforma em um esquema para roubar um diamante da loja de departamentos Harrold's.

As filmagens começaram no outono do hemisfério norte, quando o Reino Unido estava aumentando as restrições novamente após uma relativa calmaria. A corrida começou para fazer com que tudo fosse finalizado antes de um novo isolamento, e lançar o filme enquanto o cenário era atual.

Os dois atores concordaram em fazer o filme depois de ver apenas um roteiro incompleto.

“Foi complexo, mas foi divertido ... meio que se jogar nisso e estar no limite", disse Ejiofor, astro de 12 Anos de Escravidão.

"É estranho fazer um filme com todos de máscara", acrescentou. "Tem gente lá que eu não vi o rosto completo. Provavelmente vou passar por eles na rua um dia e então eles vão se cobrir e eu vou me dar conta, oh, é você!"

No primeiro projeto da atriz, apresentadora e influencer Maisa Silva na Netflix – o filme Pai em Dobro – ela interpreta Vicenza, uma jovem de comunidade hippie que vai ao Rio de Janeiro tentar encontrar seu pai, figura ausente nos seus 18 anos de vida. Dirigido por Cris D’Amato (de Confissões de Adolescente, É Fada e outros) e com roteiro de Thalita Rebouças, o filme é uma aventura adolescente com amor, humor e carnaval, filmado antes da pandemia, mas também trata de uma questão bastante delicada, o abandono de crianças por parte dos pais, problema comum no Brasil. O longa chega à plataforma na sexta-feira, 15.

A ideia do filme surgiu em um papo da escritora e roteirista com o ator Edu Moscovis – que no filme interpreta Paco, um dos “candidatos” a pai de Vicenza. A escritora que já teve diversos livros adaptados para o cinema agora fez o caminho inverso: criou uma história original para a tela e depois escreveu o romance, lançado em novembro pela editora Rocco com o mesmo título.

“Foi muito rápido”, diz Rebouças ao Estadão. “Logo depois de uma conversa com o Du sobre fazermos um filme, me veio uma cena dele vestido de odalisca para o carnaval, e com uma filha de 18 anos chegando na vida dele. Nasceu assim. De brincadeira, mandei essa ceninha para ele, logo pensei na Maisa e começamos a escrever.” Ela assina o roteiro do longa ao lado de Renato Fagundes, Marcelo Andrade e João Paulo Horta.

Na história, Vicenza faz um desejo de aniversário para a mãe, Raion (Laila Zaid): conhecer seu pai. Com a resistência da mãe, a protagonista decide partir para o Rio de Janeiro com uma única pista, uma foto do carnaval de 2002 que mostra um endereço no bairro de Santa Teresa. Depois de encontrar Paco (um solteirão que até leva na boa a possibilidade de ter uma filha perdida, alguém bem diferente do personagem de Moscovis em Bom Dia, Verônica), ela também esbarra em outras fotos da mãe com Giovani (Marcelo Médici), na mesma época. Os dois novos relacionamentos entre possíveis pais e filha se misturam com a descoberta, por parte de Vicenza, do amor, com o jovem Cadu – vivido aqui por Pedro Ottoni, revelação da internet, aos 21 anos ele acumula centenas de milhares de seguidores no seu canal do Youtube ATORmentado.

O filme tem tudo para representar uma virada na carreira de Maisa, que começou no SBT ainda criança e hoje, aos 18 anos, é uma das principais vozes do Twitter brasileiro. “Como qualquer ator, com a idade tenho aprendido bastante nestes últimos tempos. O Pai em Dobro marca uma nova etapa na minha carreira, é o meu primeiro grande projeto depois que fiz 18 anos, o primeiro depois de sair da TV e o primeiro na Netflix”, diz. “A Vicenza é diferente de tudo que fiz até hoje, e sinto que ainda quero interpretar muitas pessoas diferentes.”

Ela conta que ainda não tem um “plano de carreira” estabelecido, mas como outras atrizes da sua geração (como Maisie Williams, a Arya de Game of Thrones) pretende manter canais abertos em diversas áreas: na atuação, apresentação, redes sociais e empreendedorismo – em dezembro, ela anunciou a criação da Mudah, uma agência para conectar marcas e artistas, ao lado do empresário e sócio Guilherme Oliveira. “Vejo em cada situação o que faz sentido nos projetos”, diz – ecoando aqui uma fala de Vicenza no filme. 

As companheiras de Maisa na produção são só elogios. “É muito lindo acompanhar o crescimento dela como atriz”, diz Thalita. “Nesse filme, ela é um monstro, está perfeita, fala com os olhos.” A parceria é a terceira entre a escritora e a atriz, depois de Tudo Por Um Popstar (2018) e Ela Disse, Ele Disse (2019). “A Maisa é uma estrela”, certifica a diretora, Cris D’Amato. “Sou fã dela desde pequenininha.”

A diretora conta que recebeu uma ligação de sua amiga, produtora executiva do filme, Cecília Grosso, e topou a empreitada na hora. “A Thalita é um sucesso. Eu sentia vontade de fazer um filme dela mesmo depois de É Fada (baseado num livro da escritora e dirigido por Cris), e esse é o seu primeiro longa com ‘roteiro original’. Ela tem uma proximidade com essa garotada que não é uma coisa de autora que fica em casa. A gente sai com a Thalita e as crianças vêm em cima dela. Ela tem um vocabulário que atinge essas meninas sem ser piegas. É um dom para poucos.”

D’Amato conta que o trabalho foi feito muito em parceria com a roteirista. “Eu fazia as locações, mandava fotos para ela e a gente trocava ideias. Costumo dizer que num filme o diretor orquestra, mas os músicos estão ali para contribuir.”

Filmado em locações no Rio, o filme teve os sets montados entre janeiro e fevereiro de 2020 – logo antes da tragédia global lançar os braços com força sobre o Brasil. “Lembro que estávamos filmando numa casa, em um dia meio chovendo, e eu comentei com a equipe que aquele ‘negócio’ surgido na China ia chegar aqui, que era perigoso... Juro que fui sacaneada. As pessoas lembram dessa história, porque o negócio tomou uma proporção absurda”. Uma das cenas tem um bloco de carnaval descendo as ladeiras do bairro. “A gente podia se abraçar, se beijar, suar juntos… aquele bloco é um bloco de verdade, contratamos, a maioria são mulheres. Vamos abraçar a mulherada, temos que sair do discurso”, conclui a diretora.

Veja o trailer de Pai em Dobro:

Uma das maiores cantoras brasileiras, Dalva de Oliveira foi pioneira em outra área. É dela a voz na primeira dublagem nacional, interpretando Branca de Neve, na animação de 1937 – enquanto seu príncipe ganhou a entonação do cantor Carlos Galhardo. Foi o início da profissão no Brasil. Além do cinema, a partir do surgimento da TV, nos anos 1950, a dublagem ganhou também espaço na telinha das casas, por uma determinação do então presidente Jânio Quadros, em 1961. Assim, todo o material que vinha de fora deveria ser dublado. Ao longo das décadas, o mercado no País se consolidou, e revelou nomes e vozes marcantes. Agora, afetados também pela pandemia, os dubladores voltaram a trabalhar, mas grande parte deles adaptou sua casa para poder continuar na ativa, sem precisar ir aos estúdios.

Trata-se de uma área repleta de curiosidades. Afinal, sempre há um personagem que agrada mais por causa de sua voz – e o espectador faz tudo para descobrir quem é o dono dela. Não deixa de ser surpreendente saber, por exemplo, que o centenário Orlando Drummond é reconhecido até hoje por fazer a voz do cachorro Scooby-Doo. Ou então Isaac Bardavid ser o incrível Wolverine (Hugh Jackman), da franquia X-Men. Outro também antigo na área é o ator Lima Duarte, que deixou sua marca em desenhos dos anos 1960, como Manda-Chuva, da Hanna-Barbera. 

Destaque do momento, o ator Jorge Lucas é o responsável pela voz de Joe Gardner, protagonista da animação Soul, da Disney+, e que, no original, ganhou a interpretação de Jamie Foxx – o ator americano, aliás, é um dos nomes dublados constantemente pelo próprio Lucas. “No caso de Soul, havia uma forte indicação de que eu faria o personagem, mas foi realizado um teste de amostragem de voz para saber se realmente havia harmonia, não só de timbre quanto de interpretação”, diz o dublador. Com mais de 25 anos de carreira, Lucas deu voz a diversos astros, como Vin Diesel, Ben Affleck e Johnny Depp. Claro que sempre existe algum mais trabalhoso. “A RuPaul”, revela Lucas. “Sempre é trabalho de composição e naturalidade muito difícil, pois não se pode cair no estereótipo óbvio, além de ser um mito.” 

E Soul vem conquistando crítica e público, já somando premiações, tendo o Oscar como perspectiva. Para Lucas, isso até dá a impressão de que “eu também estou concorrendo”, diverte-se. Para ele, ganhar o maior prêmio do cinema será a demonstração de se render à beleza, à força e à sutileza de uma animação, ainda mais “sendo protagonizada por um personagem preto, e raros são os Oscars concedidos aos meus colegas pretos, além de ser uma constatação de que as animações são e devem ser mais  respeitadas”, diz. 

Outro nome que tem sua voz ligada a diversos personagens famosos é da dubladora Mabel Cézar. É dela a voz da Minnie; da Princesa Leia (Carrie Fisher), de Star Wars; da atriz Tisha Campbell-Martin, de Eu, a Patroa e as Crianças; da Jessie, de Toy Story; entre tantas outras. No mercado há 26 anos, Mabel tem inúmeras histórias para contar. Ela é do tempo em que os atores-dubladores ficavam juntos no estúdio para gravar, coisa que a tecnologia alterou. Entre seus trabalhos mais queridos, dublar Toy Story e dar voz à divertida Jessie foram para ela um presente. “Eu tinha pouco tempo de carreira, pois o Toy Story 2, quando a Jessie entra em cena, foi lançado em 1999 e eu entrei na (produtora) Herbert (Richers) em 97”, conta Mabel, lembrando que, de um filme para o outro da franquia – até o Toy Story 4 –, houve uma distância, o que a fez ter de recordar como fazer a voz da personagem. “Tenho sempre que rever um pedacinho do desenho ou então ‘chamar’ a minha palavra-chave que é o ‘irrraaaaa, é você, é você, cowboy’. Aí coloco a mandíbula no lugar, que me traz a voz e o espírito dela”, explica. 

Carinho

Certamente, você já ouviu a voz dele. Pode ser com a cara de Jude Law, Jake Gyllenhaal, da Zebra de Madagascar ou do cãozinho de A Dama e o Vagabundo. Para o dublador Felipe Grinnan, esses são todos seus “filhos”, pelos quais tem imenso carinho. Ele explica que uma mágica se faz quando consegue convencer o público de que aquela voz está mesmo saindo da boca do ator na tela. Isso se dá quando o dublador, diz Felipe, acompanha a respiração, as pausas do personagem, e tudo isso junto faz com que o público veja um Tom Cruise ou uma Jennifer Lawrence “falando em português”. 

Mas é justamente nesse trabalho perfeito que mora a dubiedade da dublagem. “Quando essa magia acontece, as pessoas saem comentando sobre as belas cenas ou os atores maravilhosos, mas poucas vão pensar como a dublagem foi bem executada, com um dublador perfeccionista”, afirma Felipe. Por isso mesmo, para ele, um filme muito bem dublado é aquele “em que a dublagem não aparece, os louros ficam para o ator, o diretor, os roteiristas. Nesse ponto, é um pouco cruel”.

Existem alguns personagens que não são fáceis de dublar. Que o diga Claudio Galvan, que faz a voz do Pato Donald. “Sim, o Donald tem uma emissão bem diferente e difícil, pois não é um som que vem normalmente pelas cordas vocais, mas, sim, de uma combinação de ar que é expelido pressionado na parte de dentro da bochecha, e isso faz com que a articulação das palavras seja bem difícil”, revela. 

Mas não é o único. Ele lembra que, para dublar a animação Megamente, teve bastante dificuldade, pois o personagem fala muito, “com variações de temperamento e vozes, por isso demoramos bastante tempo para obter um bom resultado, mas valeu a pena, porque Megamente é um daqueles que jamais serão esquecidos, se tornou um clássico”.

Voz de Leonardo DiCaprio em alguns filmes, Danton Mello lembra, com carinho, sua dublagem do cãozinho Max, da animação Pets, em que conseguiu impor uma personalidade diferente da do original. Ele lembra de sua emoção com o filme, que “tem uma coisa bonita, quando surge a criança”. Danton conta que, quando estavam nas últimas cenas, em que Max acompanha a criança até a escola, “me veio a imagem das minhas filhas, que foram embora para Nova York, e a voz embargou, não conseguia prosseguir”, revela o dublador e ator. “Os filhos vão para a vida, né? É louco.” 

Vozes clássicas

Dalva de Oliveira

Cantora emprestou sua voz, uma das mais cultuadas da era do rádio no Brasil, para a personagem central da animação clássica da Disney, Branca de Neve e os Sete Anões, de 1937. No estúdio, dividia o microfone com o também cantor Carlos Galhardo, que dublou o Príncipe. Mas Dalva não cantou as músicas da animação.  

Lima Duarte

Ator é um dos nomes que ajudaram a fazer a história da dramaturgia brasileira. Mas não se limitou a atuar, sendo um dublador reconhecido. Nessa área, foi responsável por dar voz a personagens de animações de Hanna-Barbera, como o Manda-Chuva, Catatau (do Zé Colmeia), Dum Dum (do Tartaruga Touché) e Pepe Legal. 

Orlando Drummond

Conhecido pelo Seu Peru, da Escolinha do Professor Raimundo, o dublador tem sua voz eternizada em personagens como Scooby Doo, Alf (O ETeimoso), Popeye, e Vingador (em Caverna do Dragão). “Ser dublador é emprestar emoção a uma cena onde você não está presente fisicamente”, disse o ator ao Estadão quando de seu centenário. 

Isaac Bardavid

Com seu timbre de voz singular, o ator é o Wolverine nacional, dublando o personagem vivido por Hugh Jackman. Entre outras dublagens, fez o Tigrão (Ursinho Pooh), Obi-Wan Kenobi (Alec Guinness, em Star Wars) e Anthony Hopkins em filmes como Thor, e os vilões Esqueleto (He-Man) e Freddy Krueger (A Hora do Pesadelo). 

A tecnologia invadiu a vida das pessoas mundo afora e abriu inúmeras possibilidades para fazer com que se conectem, estando onde estiverem, no mesmo país ou em pontos distantes do planeta. Entre os aplicativos que fazem parte da nossa vida, existem aqueles que são para aproximar os indivíduos que querem ter um relacionamento amoroso. São os aplicativos de namoro. Usando esse tema como mote, Fernanda Young e seu parceiro, Alexandre Machado, criaram a série Shippados, último trabalho em conjunto – pois Fernanda morreu em 2019 –, que estreou primeiro na plataforma de streaming Globoplay e, nesta terça, 12, chega à Globo, com exibições às segundas, terças, quintas e sextas. 

Dirigida por Patricia Pedrosa, a trama conta a história de Rita, que é interpretada por Tatá Werneck. Ela é uma pessoa que leva tudo muito a sério, acredita em tudo que sua mãe diz, seja ou não um absurdo. Tudo o que acontece em sua vida, seja bom ou ruim, ela vai para o computador e revela a seus seguidores. Mas ela quer muito encontrar um namorado, o que não tem sido uma tarefa fácil, mas ela não desiste. 

Da mesma forma que a garota, Enzo, vivido por Eduardo Sterblitch, se vale do aplicativo de namoro para conhecer a pessoa que o fará feliz. No entanto, sua jornada também não rende muitos bons frutos, com encontros nada proveitosos. Para completar, o rapaz divide o apartamento com seu amigo Valdir (Luis Lobianco), que namora Brita (Clarice Falcão), e o casal mantém uma relação muito boa, entretanto, os dois são adeptos do naturismo, o que significa que desprezam roupas e têm a mania de andar pelados em casa, o que não agrada nada ao colega de apartamento.

A atriz Tatá Werneck, como toda mãe que trabalha fora de casa, se desdobra entre os cuidados com a pequena Clara Maria, o companheiro Rafael Vitti e sua agenda de gravações. No momento, ela aproveita suas férias curtindo o quanto pode a filha. Pelo menos é o que se observa em suas redes sociais. Separando um tempinho do descanso, a humorista respondeu a algumas perguntas, por e-mail, do Estadão sobre Shippados. 

São personagens reais? A gente cruza com eles no dia a dia?

Acho que existe uma Rita por aí. Ou pelo menos com uma parte dela. Talvez com suas crises e medos as pessoas se identifiquem, essa busca pela aceitação, pelo amor nos tempos dos likes. Essas personagens são porta-vozes de visões críticas de mundo muito interessantes.

Como analisa a Rita? Ela, como o Enzo, pecam por falarem o que dá na cabeça?

Acho que eles se conectam justamente por isso. Eles têm uma loucura parecida e uma retórica espontânea e eloquente.

Vale tudo para tentar encontrar um companheiro (a), alguém que nos faça feliz, que nos ame?

Vale. E vale tentar mil vezes também. Mas com o tempo você aprende que não é o outro que te fará feliz. Se você não estiver inteiro, vai buscar a vida toda. Ou vai usar sua relação como muleta para suas próprias questões existenciais.

Nesse momento em que vivemos, procurar alguém via aplicativo pode ser uma alternativa?

Eu nunca entrei em aplicativo de namoro e nem me arriscaria. Ainda acredito no acaso dos esbarros nas esquinas.

É difícil se mostrar completa para as pessoas, principalmente em um primeiro encontro?

Nunca tive esse problema. Sempre fui do jeito que sou. Mas acho que as pessoas têm medo de serem o que são e não serem compreendidas ou aceitas. Estamos carentes de colo. Daquele abraço que diz “calma, vai ficar tudo bem”.

O que uniu esses dois personagens?

Eles têm crises parecidas. São anti-heróis. Se encontram no erro. Na tentativa. Na perda. Já estão no fundo do poço. Brindando angústias.

Encenar o texto da Fernanda Young (com o Alexandre Machado) tem um significado especial?

Sempre teve. Sempre sonhei em estar em um trabalho com eles. A Rita conta um pouco da história da Fernanda. Essa busca pelo pai era uma busca da Fernanda. Ela estava tão feliz com a série. Eles são tão brilhantes. Fico muito feliz por tê-la deixado feliz. Eles são gênios.

Eva Wilma está internada desde a noite deste domingo, 10, no Hospital Vila Nova Star, na zona Sul de São Paulo, em decorrência de uma pneumonia. A atriz, de 87 anos, fez teste de coronavírus, mas deu negativo. Os médicos decidiram deixá-la na Unidade de Terapia Intensiva porém, de acordo com o último boletim, o quadro de saúde dela é estável.

Em 2016, Eva Wilma teve embolia pulmonar e chegou a ser levada para o Hospital Albert Einstein, onde ficou por três semanas internada. 

Em dezembro, Eva Wilma prestou uma homenagem para a amiga Nicette Bruno, no Instagram, que morreu em decorrência do novo coronavírus. "Eu te amo e vou amar sempre, minha amiga querida!", escreveu na legenda da foto em que as duas aparecem abraçadas.

A fábula do boneco de madeira que vira um menino de verdade nasceu na Itália oitocentista e espalhou-se pelo mundo. Mesmo antes da célebre adaptação da Disney, de 1940, Pinóquio era já lido em muitos países, Brasil inclusive, via Monteiro Lobato. Mas é verdade que, com o poder de difusão da maior indústria cinematográfica do mundo, o personagem criado por Carlo Collodi em 1881 tornou-se de fato universal.

O desenho da Disney tornou-se um clássico da animação por sua beleza e excelência de realização. É vivamente colorido, em contraste com as outras adaptações cinematográficas que optam pelos tons mais escuros, mais adequados ao clima da história. Mesmo formatado nos padrões “para toda a família” Disney, o desenho não escapa a certas situações soturnas. É verdade que atenuadas. Mas a própria estrutura da narrativa propõe uma experiência um tanto assustadora, sobretudo para o público infantil. Inevitável, por exemplo, em certas cenas famosas, como a do boneco procurando pelo pai no ventre de um ser marinho espantoso (uma baleia para a Disney, enorme tubarão, segundo outras adaptações). Ou quando os meninos desobedientes caem na tentação da vagabundagem e se veem transformados em asnos. 

É bastante provável que Collodi (nome verdadeiro, Carlo Lorenzini) tivesse uma intenção moralizante, pedagógica e civilizatória ao lançar seu personagem. Primeiro sob forma de folhetim, em jornal dirigido ao público infantil; depois em livro, Le Avventure di Pinocchio, publicado em 1883. A história, de tom moral, enaltece as virtudes da educação, da honestidade e do trabalho, e pune a malandragem, a mentira e a vadiagem. 

Eram valores então idealizados em uma Itália tradicional, povo antigo reunido num país novo – o chamado Risorgimento, processo que deu unidade a uma coleção de pequenos estados, se completa em 1871. Era um país com dificuldades econômicas e zonas extensas de pobreza. 

Esse ambiente de carência é devidamente apagado do desenho da Disney, mas forma o quadro de fundo das outras adaptações do livro. Comparece nas Aventuras de Pinocchio (Luigi Comencini, 1972), em Pinóquio e a Fada Azul, de Roberto Benigni (2003) e, de forma bastante acentuada, no soturno Pinóquio de Matteo Garrone (2019).

A fábula tornou-se universal e permanente não apenas por suas qualidades literárias, mas provavelmente porque toca e ilumina alguns desvãos obscuros da natureza humana. Em especial, a quantidade de sofrimento necessária ao processo de humanização. No ensaio clássico O Mal-Estar na Cultura, Freud descreveu o esforço de repressão de instintos necessário para o processo civilizatório. E a contrapartida de sofrimento que essa repressão traz à natureza rebelde do ser humano. Daí o inevitável mal-estar incrustado no cerne da civilização. 

Collodi parece antever esse processo. Seu boneco falante é expressão de uma natureza anárquica, como ele próprio não deixa dúvidas. Em certo trecho, Pinóquio diz claramente que sua vocação é “Comer, beber, dormir, me divertir e vagabundear de manhã até a noite”. Mesmo amando o pai e com a Fada como protetora, terá de atravessar sua estrada de sofrimento até se tornar um ser humano de verdade. 

O belo disco Obatalá – Uma Homenagem à Mãe Carmen foi lançado em 2019 como uma ode aos orixás, sendo Obatalá o pai da criação, e à Mãe Carmen, ialorixá do terreiro do Gantois da Bahia, importante representante do candomblé no País e filha da lendária Mãe Menininha. Contando com um grande elenco da MPB, incluindo nomes como Gilberto Gil, Carlinhos Brown, Marisa Monte, Alcione, Gal Costa, Daniela Mercury, Jorge Ben Jor, Ivete Sangalo e Zeca Pagodinho, o álbum reúne canções entoadas no idioma iorubá e outras em português, levando a cultura dos terreiros para a canção popular.

O projeto deu origem ainda ao documentário Obatalá, o Pai da Criação, que a GloboNews, em parceria com Gege Produções, exibe neste domingo, 10, às 23h. Com registros inéditos de bastidores e depoimentos, o filme, em P&B, assim como já fazia o disco, reforça a importância do candomblé e da ancestralidade africana, tendo como símbolo de referência – e resistência – o terreiro do Gantois. Vale ressaltar aqui: o filme foi feito antes da pandemia. Filho de Xangô, Gil, aos 78 anos, falou por telefone, ao Estadão, sobre o documentário – e o reencontro musical com Jorge Ben Jor, 44 anos depois de eles gravarem o disco Gil & Jorge – Ogum, Xangô.

A questão da intolerância é uma das discussões trazidas no documentário. Você tem uma fala ali em relação a uma nova tendência de busca de hegemonia religiosa no País, com ênfase político-religioso. Mas há também a questão do racismo, sendo o candomblé uma religião de matriz africana, não?

Também, claro. Um dos traços básicos da rejeição a manifestações de matriz africana é o racismo. Essa questão da defesa dos interesses religiosos em relação ao candomblé e seus derivados é uma coisa que vem desde a hegemonia católica. Agora, essa hegemonia católica foi desafiada pelo pentecostalismo, que chega com novas estratégias políticas, de luta, e esses ataques, essa ameaça a essas manifestações afro-brasileiras recrudescem agora com essas novas ambições desses grupos neopentecostais, políticos. 

Por falar no tema, temos visto uma grande repercussão contra atos racistas, muito tem se falado sobre antirracismo, e isso tudo tem sido potencializado pelas redes sociais. Como você tem visto essas manifestações?

Há pelo menos dois aspectos relevantes nisso tudo. Primeiro é a capacidade crescente de conscientização e mobilização dos próprios setores, dos próprios grupos negros afro-americanos, afro-brasileiros, afrointernacionais de um modo geral, atuando nos vários países. Toda essa mobilização, todo esse surgimento mais evidente de uma indignação resultam nisso, no crescimento dessa atuação dos grupos negros. A segunda questão é também o crescimento de uma solidariedade cada vez maior dos setores não negros, das sociedades contemporâneas, no mundo inteiro. São brancos, mestiços, etc., do mundo inteiro, que solidarizam cada vez mais com a luta negra, que reconhecem cada vez mais os direitos de inserção plena desses segmentos nas vidas nacionais, nas sociedades nacionais. A luta negra é cada vez menos uma luta negra e cada vez mais uma luta das sociedades por inteiro. 

Outro aspecto importante tratado no documentário diz respeito ao matriarcado, da figura da mulher nos terreiros do candomblé, e como isso vem de gerações. 

Com relação a essa questão da forte presença matriarcal, nessa institucionalidade do candomblé, das religiões afro-brasileiras, tem aí também uma aliança importante com o feminismo, com toda essa emergência da força feminina. Há uma ligação direta entre o prestígio crescente dessas entidades, tipo as mães de santo importantes, e a causa feminista. Então, também tem isso: o matriarcado clássico vindo lá de trás, do candomblé, se associando, desaguando nessa coisa do feminismo contemporâneo. 

O disco promoveu um reencontro seu com Jorge Ben Jor, que disse que foi levado à Bahia por Iemanjá (no dia 2 de fevereiro), e por isso acabou participando do disco. Fale desse encontro, que foi totalmente por acaso, não?

Totalmente. O interesse profundo de Jorge Ben por todas essas questões é uma coisa muito conhecida por nós. Ele é um dos grandes mentores desse discurso do engajamento na luta negra no Brasil com seu modo próprio, bem particular através de suas músicas. Ele queria ver a festa de Iemanjá na Bahia, ligou para nós e disse: estou indo, vou ficar aí com vocês. Coincidentemente, esse dia era o dia que eu ia gravar uma das faixas. Na hora, ele disse: vou com você. E foi. Ele participou (de ‘Odu Re Odure Ayelala / Orixá Oxalá’), ensinamos para ele na hora o canto, as palavras em iorubá, e ele gravou. 

Você tem forte relação com o candomblé, mas há um sincretismo na sua vivência. Você já disse em música que ‘minha religião é a luz na escuridão’. Fale da sua relação com as religiões.

Para muitos da minha geração, a aproximação com o candomblé é feita por essa dimensão mais sincrética que você menciona. Pelo fato de ter já, na tradição da música baiana, uma forte presença dos elementos ligados ao candomblé, dos ritmos, dos temas, dos nomes dos orixás. Então, a minha geração cresce ali na Bahia convivendo com esse sincretismo: Oxalá com Senhor do Bonfim, essa aproximação entre o catolicismo popular e o candomblé. Tudo isso foi porta de entrada para essa minha geração. Então, o sincretismo é uma porta de entrada para esse interesse mais direto, mais profundo, mais específico em relação ao candomblé. A religião para mim é essa conversa permanente entre todas as manifestações do desejo da transcendência, do desejo da religação com uma essência primordial. E, entre isso tudo, o candomblé, sem dúvida alguma, participando de uma forma muito grande, porque é um segmento importantíssimo da formação brasileira do ponto de vista do povo, da raça brasileira, da cultura brasileira. 

Numa entrevista, Flora Gil (mulher de Gil e diretora do projeto ‘Obatalá’) disse que o carnaval para família Gil só após a vacina. 

É, Flora e todos os meus filhos, e essa comunidade em torno da família, vêm fazendo há 20 e tantos anos o carnaval e agora darão essa parada e, se eventualmente voltarem a fazer, só será depois que as questões sanitárias estiverem propriamente resolvidas. 

Para você, é o que faz sentido: não é possível fazer carnaval sem a vacinação.

Até que a gente tenha uma imunidade de rebanho, que acho que só a vacina pode garantir. Só a partir dessa imunidade coletiva é que a gente pode fazer as festas. Enquanto a contaminação estiver ainda em alta, como é o caso, não dá para fazer essas coisas. Uma das reclamações mais fortes que a gente faz hoje, todos os segmentos mais sensatos da sociedade brasileira, é isso, com relação a esse descuido, a esse descaso em relação a aglomerações. O carnaval é a maior aglomeração possível que a gente tem no País. 

Você tem visto esses vídeos de festas que têm acontecido, de aglomerações? O que sente em relação a isso?

Tenho, aqui e em vários outros lugares do mundo. Há várias maneiras de reagir a isso. Primeiro com uma certa indignação pelo fato de que as pessoas sejam tão descuidadas, tão negligentes em relação aos cuidados. Também por outro lado, uma reação de compreensão, as pessoas não habituadas a esses regimes de obediência a protocolos, uma falta de cultura de vivências desse tipo. Não é toda hora que a gente tem pandemias ou coisas desse tipo que obriguem as pessoas a adotarem regimes rígidos de disciplina. Então, tem os dois sentimentos. 

Assim que você for vacinado, qual a primeira coisa que pensa em fazer?

Não tenho pensado nisso, não. Outro dia alguém me perguntou isso e eu disse: no dia em que eu tomar a vacina, a primeira reflexão mais imediata que vou fazer é com relação à manutenção dos cuidados: uso da máscara, cuidado com as aglomerações, porque os resultados efetivos da vacinação só virão tipo um ano depois, se pelo menos mais da metade da população esteja vacinada. 

Você tem feito composições neste período?

Não, a única composição que eu fiz foi uma música com Ruy Guerra (Sob Pressão) para Sob Pressão – Plantão Covid. Até agora só isso. 

Você fez EP com sua neta Flor. Tem sido um período produtivo de outras formas, com muitas lives, mas não para compor?

Compor, não. Não sinto impulso ainda. Preciso sossegar um pouco mais, desviar um pouco a atenção. Essa atenção muito concentrada nos cuidados que temos que ter. Quando passar um pouco isso, acho que então a mente e a alma vão dar espaço a outras coisas, à parte mais criativa mesmo, mais inspiracional, digamos assim. 

Morreu na quinta-feira, 7, aos 73 anos, a atriz Marion Ramsey, que ficou conhecida por interpretar a oficial Laverne Hooks na franquia Loucademia de Polícia,. As informações foram divulgadas pela Variety e confirmadas pela agência da artista. A causa da morte não foi revelada.

No entanto, Marion Ramsey ganhou destaque ao participar dos filmes da franquia Loucademia de Polícia, na qual interpretava a oficial Hooks. Personagem tinha como característica sua fala tranquila, se mostrando uma pessoa muito calma, mas que, de um momento para outro, se revelava descontrolada.  

Na sequência, apareceu nos seriados The Nanny, Barrados no Baile e MacGyver e fez dublagem na Família Adams. Além disso, reencontrou Steve Guttenberg, colega em Loucademia de Polícia, no filme Lavalantula, em 2015, que teve uma sequência no ano seguinte. 

O último trabalho de destaque de Ramsey foi no filme When I Sing, de 2018. Produção independente retrata a luta de uma artista que não teve sucesso em sua longa carreira, mas tenta um novo caminho na indústria da música.

Genival Lacerda não resistiu às complicações do novo coronavírus e morreu nesta quinta-feira, 7. O cantor, ícone do forró brasileiro, tinha 89 anos e estava internado no Recife, em Pernambuco, em estado grave, desde o dia 30 de novembro. A informação da morte dele foi confirmada pelo filho, João Lacerda. 

Nesta quarta-feira, 6, Genival Lacerda teve complicações no estado de saúde e teve de continuar respirando por ventilação mecânica com o auxílio de remédios. Recentemente, o cantor chegou a ter perspectivas de melhora diante da covid-19.

Genival Lacerda nasceu em Campina Grande, na Paraíba, em 1931, e era um dos destaques da cultura nordestina. Em 1975, o cantor alcançou o sucesso com a música Severina Xique Xique. Outras canções que marcaram a carreira de 64 anos dele foram Mate o Véio, Radinho de Pilha e De Quem é esse Jegue. 

Em 2014, o cantor se apresentou durante o programa Senhor Brasil, de Rolando Boldrin, na TV Cultura.

Assista ao vídeo:

“Sem ele nada se faz/A roda da sorte é sua”. Com esses versos, a cantora e compositora carioca Cecília Beraba presta tributo a um dos mais importantes orixás presente nas religiões de matriz africana na música Exu, primeiro single de dois singles que a artista lançou no fim de 2020. 

A faixa, cantada com suavidade pela voz inspirada por referências da MPB, do jazz e da música cubana, destaca a virilidade e o aspecto de mensageiro ligado a Exu. 

É, porém, no segundo single, que a contemporaneidade e a ancestralidade se conectam de modo íntimo na voz de Cecília. Omolu traz uma homenagem ao orixá de mesmo nome, vinculado à cura de doenças epidêmicas. Nada mais adequado para os tempos atuais. 

“Exu representa a inteligência emocional, cuida do caminho, das encruzilhadas da vida”, comenta a artista, que conta estar totalmente cercada pelas tradições do candomblé e da umbanda. 

Não por acaso, quando a música foi disponibilizada para ser reproduzida nas plataformas digitais, ela celebrou em suas redes sociais dizendo que a canção foi “uma oferenda para aquele orixá que deve-se saudar antes de tudo”. 

Por isso, a faixa já começa declarando que “Na frente lá vem ele, o mensageiro/Plantado bem na porta do terreiro”, referência ao fato de que Exu é tido como um guardião e colocado para proteger as entradas de casas e de locais de oração.

“É uma música também bastante filosófica”, afirma a cantora carioca, que gravou ambas as faixas durante o período de isolamento social provocado pela pandemia do novo coronavírus. Em Exu, ela conta ainda com a participação da cantora Patrícia Bastos, amapaense radicada em São Paulo. “Ouvi Zulusa, seu penúltimo álbum, até não ter mais lágrimas para chorar na faixa Mal de Amor. Quando pensei em gravar Exu, não conseguia imaginar sem ela.” 

As vozes de ambas as cantoras têm timbres relativamente semelhantes, mas ainda assim formam um dueto nuanceado ao ouvinte atento.

O interessante em uma gravação feita em período pandêmico é que a afinidade artística nem sempre está combinada à proximidade geográfica: Cecília e Patrícia nunca chegaram a se encontrar presencialmente. “A música pedia a energia dela cantando, então fui atrás na cara de pau, arranjei o telefone e a convidei”, conta Cecília, lembrando dos bastidores da gravação que ela considera “um grande privilégio”.

Omolu 

“Sopra chagas, misérias, pestes”, canta Cecília em Omolu, música que faz referência à característica do orixá de dissipar epidemias. “Seja além de alguém que fere/Mestre, amigo, professor e guardião/Meu sol de meio-dia”, diz a letra da canção, acompanhada por um piano enérgico.

Na mitologia iorubá, Omolu nasceu coberto de máculas pelo corpo por causa da varíola, que o havia atacado por ser filho de uma relação proibida entre os orixás Nanã e Oxalá – este, marido de Iemanjá. 

As feridas pelo corpo fizeram Nanã abandonar o recém-nascido Omolu ao mar, mas Iemanjá cuidou dele e o curou, o que ainda o deixou com cicatrizes profundas, o que explica por que ele é sempre representado coberto com uma espécie de manto de palha  por quase todo o corpo, com exceção dos braços e das pernas, que não foram atingidos pela moléstia.

No entanto, Omolu aprendeu a tratar dessa e de muitas outras doenças, o que explica sua capacidade de curar as enfermidades, especialmente aqueles que são altamente contagiosos. Isso faz com que a divindade seja associada às epidemias, tornando a canção curiosamente propícia para os tempos contemporâneos.

Influência

A cantora lista, entre suas principais inspirações, Jorge Mautner, Elza Soares e Bola de Nieve, artistas cuja influência reverbera com clareza e pode ser ouvida em seu estilo e também nas temáticas que suas canções abordam. 

Os assuntos que mais a inquietam em suas composições são extremamente diversos, segundo ela relata. “Sou muito curiosa sobre estar viva.” E nesse “estar viva” ela aborda temas que vão do “processo de relacionamento com os outros, o processo de aprendizado” até observações poéticas e questões folclóricas. “Essas coisas mais filosóficas, metafísicas me tocam profundamente”, diz ela. 

Cecília se prepara para lançar, em fevereiro, um disco com composições que ela fez em parceria com Jorge Mautner, uma de suas principais referências — não só na música. “Jorge era um grande ídolo, mas quando comecei a ler os livros dele eu pirei. Ele criou uma filosofia própria e ali ele abrange tudo, desde questões humanas de comportamento até questões políticas. Li tudo dele, de frente para trás, de trás para frente”, relembra a cantora e leitora de Jorge Mautner, que também é escritor de livros como Deus da Chuva e da Morte (1962), Mitologia do Kaos (1962) e Narciso em Tarde Cinza (1969), fundador do partido do Kaos e um multiartista que completa 80 anos em 2021.

Dizem que nunca se deve conhecer seus próprios ídolos para não se frustrar com quem eles realmente são. Não é o caso de Cecília. Ela conta que, após anos cantando composições de Mautner, um dia ela foi a um show dele, chegou cedo e conseguiu conversar com o ídolo. Desse primeiro encontro, surgiu uma frutífera parceria que ela considera “uma realização, uma catarse”. “Quando eu pude conviver com ele todo dia, isso tomou outra dimensão.”

Lançar um álbum musical durante a pandemia pode ser uma decisão corajosa, e Cecília bem sabe disso. “Esse foi um disco totalmente independente, ainda mais com a quarentena no meio”, afirma a cantora. “Nesse período, acabei fazendo muita coisa de casa. Até gravei vídeo, que é algo de que não gosto”, acrescenta. 

Cecília se diz preocupada com o futuro do mercado musical do Brasil. “Muitas casas de show fecharam aqui no Rio”, comenta ela, que acredita que a música se tornou uma “terra tão arrasada” que os que permanecem nessa área ou são “muito privilegiados, com muitas condições”, ou são aqueles incansáveis para quem “a música é uma sina”. 

“Vamos precisar encontrar formas mais simples e mais honestas para continuar”, conclui a cantora.